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La clôture Photoville accepte maintenant les soumissions jusqu'au 6 mars

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C'est à cette époque de l'année que les photographes se joignent à Photoville FENCE pour avoir la chance de présenter nos meilleurs travaux dans neuf grands parcs et centres-villes d'Amérique du Nord.

Si une partie de vos objectifs de photographie cette année est de présenter le meilleur de votre travail jusqu'à présent, vous voudrez peut-être commencer à préparer votre soumission pour la jambe de Photoville FENCE de cette année. Non seulement vous aurez l'occasion de présenter votre travail dans neuf expositions, mais vous aurez également la chance d'être l'un des deux artistes qui recevront des prix totalisant plus de 20 000 $.

Pour sa 9e édition, The FENCE sélectionnera plus de 85 artistes pour faire partie de son exposition principale et de la vitrine des photographes régionaux qui l'accompagne. L’un de ces artistes sera choisi comme gagnant du choix du juré, qui recevra une subvention en espèces de 5 000 $ pour le développement de projets, une exposition solo à Photoville 2020 et un mentorat d’un an avec l’équipe de Photoville. Un autre émergera en tant que gagnant du choix du public, qui recevra un package d'appareil photo Leica et un mentorat d'un an avec l'équipe Photoville.

Les photographes de tous niveaux à travers le monde sont invités à envoyer des œuvres correspondant à l'un des thèmes suivants: Gens, Des rues, Jouer, La nature, Nourriture, Accueil, et Créatures.

Il y aura 40 artistes qui verront leur travail présenté dans des expositions publiques gratuites à grande échelle dans neuf villes à travers l'Amérique du Nord:

  • Atlanta, Géorgie
  • Brooklyn, New York
  • Calgary, Canada
  • Denver, Colorado
  • Durham, Caroline du Nord
  • Houston, Texas
  • Sarasota, Floride
  • Seattle, Washington
  • Winchester, Massachusetts

45 autres artistes verront également leurs œuvres exposées dans les expositions de la Regional Photographers Showcase en Amérique du Nord.

Si vous êtes prêt à soumettre votre travail, vous avez encore le temps de les envoyer pour un tarif préférentiel de 30 $ par série jusqu'au 6 mars. Après cela, le tarif régulier de 35 $ par série s'appliquera pour la date limite du 14 avril. Rendez-vous sur le site Photoville FENCE maintenant pour en savoir plus et envoyer votre soumission.

Photo du site Photoville FENCE

Cet article est apparu pour la première fois et a été fourni par nos partenaires de The Phoblographer.

Toujours retoucher des photos avec Photoshop? Essayez PhotoWorks pour voir ce qui vous manque

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Vous ne pouvez pas épeler la retouche sans "aïe" et il y a une bonne raison à cela. Le processus de retouche a toujours été une douleur dans le cou pour les pros aguerris et les débutants à bec jaune – fastidieux, compliqué, chronophage. La raison est simple – les gens se tournent toujours vers des mammouths comme Photoshop ou Lightroom, ignorant qu'un logiciel révolutionnaire surgit ici et là et inaugurant une nouvelle ère de retouches faciles et rapides. L'un de ces hérauts de cette nouvelle ère est le logiciel de retouche photo appelé PhotoWorks.

Nouveau venu et quelque peu opprimé, cet éditeur de photos semble vouloir dire affaires – il prétend apporter un résultat de niveau Photoshop sans le travail acharné. Cela semble intrigant. Voyons si PhotoWork peut tenir sa promesse.

Aperçu rapide: Se familiariser

Dans l'ensemble, la première impression que fait cet éditeur de photos est assez agréable. PhotoWorks arbore une interface sombre et lisse avec de gros boutons qui sont agréablement faciles à lire (en vous regardant et vos minuscules icônes, Photoshop!). Tous les outils et fonctionnalités se cachent sous les onglets, et la barre latérale à droite vous invite à commencer par améliorer la qualité de votre image en premier. Pour ceux qui sont curieux de voir le résultat, il existe un mode Avant / Après. Pour une navigation plus pratique, PhotoWorks fournit un panneau pour prévisualiser toutes les photos de votre dossier actuel.

Mais comme nous ne sommes pas ici pour faire du tourisme, passons à l'onglet que nous sommes venus examiner – l'onglet Retouche – et apprenons à retoucher des photos avec. La première chose que vous remarquez est un petit nombre d'outils réels qui peuvent soulever quelques sourcils. Mais avant de tirer des conclusions, examinons tour à tour chaque outil.

Portrait Magic: Retouche de photos en un clic

Il s'agit d'un module complet dédié à la retouche du visage dans vos photos avec un ensemble d'effets d'embellissement. Comme le suggèrent les noms des préréglages, vous pouvez lisser la peau, éliminer l'éclat du visage, blanchir les dents, ajouter un bronzage clair et plus encore. Les effets sont stupidement faciles à appliquer – un seul clic – et les résultats sont, enfin, assez impressionnants. Grâce à son réseau de neurones, le logiciel évite de rendre les images trop plastiques – les changements sont assez délicats.

Pour ceux d'entre vous qui préfèrent microgérer les modifications, PhotoWorks propose des curseurs pour le contrôle manuel des effets. De cette façon, il est beaucoup plus facile d'éviter tout résultat anormal.

Face Sculpt: Lutte contre l'injustice de la caméra

Cette fonctionnalité, pilotée par une IA sensible au contenu (sons uniquement semi-menaçants), est capable de corriger la forme du visage et de modifier les caractéristiques du visage. Cela peut sembler une fonctionnalité inutile, mais les photographes professionnels ne devraient pas l'ignorer. Ces petits ajustements des yeux, du nez et des lèvres peuvent être très utiles si les traits du visage de votre modèle ont été déformés en raison d'un mauvais éclairage ou d'un angle de prise de vue peu flatteur. Avec Face Sculpt, vous pouvez légèrement modifier la taille et la forme des yeux, des lèvres et du menton en faisant simplement glisser un curseur. Génial.

Brosse de guérison: effacement des imperfections mineures

Peu importe l'efficacité et la simplicité d'utilisation de Portrait Magic, rien ne peut battre la retouche manuelle à l'ancienne, non? Eh bien, PhotoWorks s'inspire des meilleurs de l'industrie et fournit également aux utilisateurs un outil de retouche nommé de manière appropriée le pinceau de guérison. Un outil astucieux pour retoucher les petites imperfections, ce pinceau n'est peut-être pas aussi haut de gamme et réactif que ses homologues dans les logiciels plus populaires, mais il fait toujours le travail en douceur. Associé au module Portrait Magic, le Healing Brush peut perfectionner même les pires coups de tête.

Tampon de clone: ​​se débarrasser des distractions

L'outil Tampon de clonage est en quelque sorte le dernier recours pour les images que vous considérez comme inaltérables.Avec lui, vous pouvez vous débarrasser d'énormes imperfections comme les cicatrices, les taupes, les tatouages ​​faciaux et ainsi de suite. Le tampon de clonage fonctionne décemment, couvrant tous les éléments disgracieux avec des pixels d'une zone donneuse. Son utilisation va au-delà de la simple retouche de portrait et peut également aider les utilisateurs à se débarrasser des objets étranges en arrière-plan. Quelques clics et si long photobomber embêtant!

Brosse de réglage: retouche de certaines pièces

Cet outil vous permet de modifier certaines parties de votre image sans affecter le reste. Facile à utiliser – cela semble être le modèle avec ce logiciel de retouche photo – et efficace, le pinceau de réglage vous permet d'ajuster (duh!) La teinte, la saturation, le ton et la netteté d'une certaine partie de votre image en faisant glisser quelques curseurs . Maquillage numérique, n'importe qui?

Outils pour les jours: regarder plus loin

La liste des outils de retouche photo de PhotoWorks ne se limite certainement pas à ceux répertoriés ci-dessus. Vous pouvez également supprimer l'effet yeux rouges en un clic et utiliser le filtre radial pour mettre en surbrillance une certaine partie de votre photo. Et pourtant, ce n'est pas tout ce que PhotoWorks est capable, pas de loin. Cet éditeur de photos est doté d'outils assez puissants, notamment, mais sans s'y limiter:

  • Correction automatique du contenu des photos de paysage
  • Grilles de recadrage pour une composition améliorée
  • Correction des distorsions de l'objectif et de la perspective
  • Outils essentiels pour le montage photo
  • Étalonnage des couleurs avec 3D LUT, ton-mapping et courbes
  • Réduction du bruit numérique
  • Prise en charge de plus de 450 formats RAW
  • Plus de 150 effets photo et plus.

Conclusion: pourquoi devriez-vous vous tourner vers PhotoWorks

À la fin de la journée, PhotoWorks a plutôt bien fonctionné. Certains pourraient soutenir que le résultat de la retouche est inférieur à celui de Photoshop, mais bon! – au moins, nous n'avons pas passé des heures à y parvenir. Toutes les modifications ont été effectuées en un clic ou un glissement de curseur sans sélection fastidieuse et sans manipuler les pinceaux, les calques et les masques. Et pour cela seulement, PhotoWork peut être félicité de tout cœur.

PhotoWorks n'est certainement pas là pour renverser Photoshop – qui est, en fait? – mais plutôt d'offrir une alternative à ceux qui ont du mal à retoucher leurs photos. Contrairement aux programmes Adobe populaires, PhotoWorks s'en tient à une interface claire et compréhensible et à un ensemble d'outils et de fonctionnalités simples mais efficaces. En outre, ce logiciel de retouche photo est considérablement moins exigeant sur le plan matériel et ne nécessite pas de courbe d'apprentissage abrupte. Et bien sûr, un paiement unique avec une licence à vie est un avantage indéniable pour PhotoWorks.

Si vous souhaitez retoucher facilement vos photos sans sacrifier le résultat, essayez PhotoWorks. Voici un coupon de réduction fourni par le développeur pour vous permettre d'être opérationnel. Profitez de retouches sans effort avec PhotoWorks.

Note de l'éditeur: il s'agit d'un article de blog sponsorisé de PhotoWorks.

Juanita Escobar photographie l'histoire des femmes dans une zone de conflit

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Depuis 2015, la photographe documentaire colombienne Juanita Escobar s'immerge dans l'immensité des terres entourant l'Orénoque, plongeant profondément dans la vie des femmes empêtrées dans la crise frontalière entre la Colombie et le Venezuela.

Alors que les problèmes de crise frontalière suggèrent généralement des récits d'ensemble et des problèmes à grande échelle, la photographe documentaire colombienne Juanita Escobar a choisi de concentrer ses efforts sur la vie complexe des femmes qui se sont installées le long de l'Orénoque. À cheval sur la frontière colombienne et vénézuélienne, le fleuve est un symbole de fracture géographique, de conflits frontaliers et de nombreuses adversités auxquelles Juanita a trouvé les femmes, en particulier, vulnérables. Dans sa série de documentaires à long terme, elle a traversé l'étendue environnante, se plongeant dans la vie des femmes qui l'appellent désormais chez elle.

Note de l'éditeur: Visual Momentum fait référence au flux de la narration et à son effet sur le processus de réflexion du spectateur. Cette série met en lumière des créateurs qui utilisent avec succès leurs outils et leurs esprits pour créer un impact sur le monde grâce à l'imagerie dans le but d'inciter à l'action. Avec le soutien de Fujifilm, nous partageons leurs histoires. N'oubliez pas de consulter également l'interview de This Week in Photo.

Juanita travaille sur le projet Orinoco depuis 2015, mais sa relation avec le fleuve s'étend sur dix ans. «Pour sept d'entre eux, j'ai chevauché à cheval les plaines de la savane de l'Orénoque, mais je n'avais jamais vu le fleuve mythique qui donne son nom à la région», a-t-elle écrit sur Witness en 2018. Quand elle l'a finalement fait, elle n'a pas pu échapper à ce qu'elle considérait comme son El Dorado: la nécessité de raconter les histoires de cette terre, à la recherche des «marques visuelles laissées par la terre, la rivière et la jungle sur les visages des gens, dans leur peau».

Vue sur l'Orénoque depuis la «Flag Hill», à Puerto Carreño, la capitale départementale de Vichada en Colombie. De l'autre côté de la rivière se trouve l'État d'Amazonas au Venezuela. Cette frontière rurale le long de l'Orénoque, à 290 km, est le cadre de mon histoire.
Mavecure Hills est composé de 3 collines (Mavecure, Mono et Pajarito) à la rivière Inirida, un affluent de la rivière Orinoco. Un «tepuy» est une montagne au sommet d'une table ou «mesa» que l'on trouve dans les hautes terres de Guyane en Amérique du Sud. Autour de la frontière de l'Orénoque, ces formations rocheuses se trouvent, plus anciennes que les Andes – Ces collines sont, d'un point de vue géologique, un massif ou un ancien bouclier de l'ère précambrique, avec une couverture sédimentaire très ancienne, composée de grès et pierres de quartz très résistantes à l'érosion. Collines de Mavecure, rivière Inirida, département de Guainía.
Détail des roches de Tepuy et du sentier des termites. Ils sont généralement composés de blocs de grès de quartz arénite précambrienne qui s'élèvent brusquement de la jungle, donnant naissance à un paysage naturel spectaculaire.
Un cartable vénézuélien. Il est devenu le symbole des migrants qui voyagent avec leurs biens pour vendre à travers la frontière. Cela appartient à un pêcheur. Près de Maipures Rapids.
Juxane jetant une fleur aquatique appelée «boro» à l'endroit où un naufrage s'est produit à minuit au cours duquel 8 personnes sont mortes en traversant la frontière pour vendre des marchandises ou passer en contrebande en Colombie. Dans cette zone appelée Ventanas, il y a un bain à remous qui est très dangereux pour ceux qui ne connaissent pas très bien la rivière. Ce fut une tragédie qui témoigne de la grande crise que traverse le peuple vénézuélien.
Un couple originaire de l'État de Barinas, au Venezuela. En raison de la crise difficile, elle a décidé de continuer à vivre à Puerto Carreño et il vient lui rendre visite dès qu'il le peut. Ce fut l'un de ces jours de retrouvailles sur les plages que le fleuve génère pendant la saison sèche. Puerto Carreño.

Des femmes prises entre deux feux

Lorsque le conflit frontalier entre la Colombie et le Venezuela a éclaté en 2015, il a provoqué une crise diplomatique et humanitaire à grande échelle qui a touché des individus et des familles séparées des deux côtés. Juanita a constaté que les femmes étaient les plus vulnérables et «ont souffert le plus des impacts des frontières». Cela l'a incitée à approfondir les réalités et les dangers qui menacent leur vie quotidienne et à les présenter dans son propre style visuel. «J'ai donc décidé que ce sont leur héritage, leurs blessures et leurs conditions actuelles qui devraient être enregistrés dans cette première partie d'un projet qui se veut à long terme.»

«Pour certains, la frontière est la limite entre la Colombie et le Venezuela. Pour d'autres, c'est une rencontre avec les colonisateurs et leur discrimination. Il est urgent de raconter les histoires choquantes des plus marginalisés, comme celles qui parlent de la toxicomanie et de la prostitution enfantine, courantes chez les filles et les adolescents amorúa dans la capitale départementale de Puerto Carreño. Le paysage devient encore plus sombre lorsque nous y ajoutons la crise humanitaire et l'effondrement en cours au Venezuela, qui ont entraîné une augmentation monumentale de la prostitution. »

Un rapport de Human Rights Watch d'août 2019 étaye la déclaration de Juanita. Outre la violence et les abus flagrants et les problèmes de santé, les Vénézuéliens qui ont fui vers les zones frontalières sont également confrontés à d'autres dangers. Les femmes et les filles qui se sont tournées vers le travail du sexe pour subvenir à leurs besoins sont également très exposées au trafic sexuel. «Les travailleurs humanitaires nous ont dit que les femmes et les filles vénézuéliennes d'Arauca ont été victimes de la traite sexuelle. Plus tôt cette année, deux filles vénézuéliennes se sont échappées d'un bordel à Arauca, où les propriétaires avaient pris leurs papiers d'identité et les avaient forcées à se prostituer. À Catatumbo, des filles vénézuéliennes aussi jeunes que 12 ans sont dans des relations où elles échangent des relations sexuelles pour aussi peu que 2 $. »

«Il m'a dit qu'au mariage, je devrais porter la robe que j'ai faite de fibres de palmier cumare parce que je suis indigène, mais je ne veux pas. Je me dis: "Et s'ils se moquaient de moi …?" * Citations de Lourdes Interview, Lourdes est la fille des errants du temps: l'ethnie Sikuani. Lourdes portant la robe traditionnelle qu'elle a confectionnée. À la colline du drapeau, Puerto Carreño.
Angélique à l'Orénoque pendant la saison sèche, Puerto Carreño.

Traversée de l'Orénoque et de ses périls

L'histoire documentaire éponyme de Juanita se déroule dans l'Orénoque, dans le département colombien de Vichada, qui marque la frontière entre la Colombie rurale et le Venezuela. Plus précisément, elle parcourt 330 km sur les 2 200 km qui enjambent la frontière. Elle décrit cette région comme «une immensité de terre qui sème des délires. Une immensité d'eau qui leur permet de se précipiter. »

Elle a commencé son récit en couvrant les histoires des femmes autochtones qui partagent ce territoire – Sikuani, Amorúa, Piaroa, Puinave, Curripaco et Saliva – et les femmes vénézuéliennes et les femmes des plaines. «Ils peuplent la zone autour de cette frontière, en tant que nomades ou habitants sédentaires et ce sont eux qui nous guident à travers ces territoires où ils sont toujours en mouvement, nous permettant de faire partie de leur mémoire. Le flux n'est pas seulement celui des peuples autochtones qui voyagent dans le cadre de leur tradition; il y a aussi des migrants vénézuéliens en quête d'espoir sur cette frontière rurale de l'Orénoque. »

En tant que projet en cours depuis 2015, l'Orénoque a présenté des défis importants pour Juanita. Le plus compliqué, a-t-elle dit, est la situation au Venezuela, car le franchissement de la frontière est très difficile pour un Colombien et un photographe. «Il est facile de se rendre en avion à Caracas, mais pour traverser les frontières, visiter des communautés qui se trouvent de l'autre côté nécessite de passer des alcabalas (points de contrôle), des inspections, des peurs…»

Au moins quatre groupes exercent également un contrôle le long de la frontière, officiel et illégal. Les groupes armés viennent des deux pays. En raison de ces faits, elle s'assure d'être très prudente et de ne passer que lorsqu'elle se sent très en sécurité et est capable de parler et de partager avec les Vénézuéliens de ce côté de la frontière. C'est important, car elle n'est pas intéressée à défier les groupes armés ou à susciter la méfiance.

«Mon travail est axé sur la vie des gens, comment ils vivent les crises et les conflits dans leurs familles dans leur intimité. Je ne veux pas rapporter ni enquêter sur la dynamique explicite du conflit à la frontière. Ce qui m'intéresse, ce sont les histoires les plus personnelles et où je suis accueilli et où les gens veulent partager leur vie avec moi. Je fais alors attention dans ce sens car je ne veux pas entraver mes relations ou mon bien-être sur ce territoire en défiant les différents pouvoirs qui contrôlent sévèrement ces frontières. »

Liz aux roches tepuy de l'Orénoque, regardant vers le Venezuela. Liz est née à Choco, sur la côte colombienne du Pacifique. Très jeune, elle est partie vivre avec sa mère et ses sœurs à Puerto Ayacucho, au Venezuela. Il y a un an, elle a dû quitter son pays et venir en Colombie avec ses deux fils. Elle a quitté sa mère et ses sœurs. Plus que le sentiment de manquer à sa famille, elle se demande si sa mère et ses sœurs ont quelque chose à manger de l'autre côté de la rivière. Puerto Carreño.
Ana Maria porte sa robe de 15 ans. Elle est la fille aînée de Milena. Depuis de nombreuses années, Milena est aux prises avec des problèmes de santé très compliqués de Samay, sa fille de 10 ans. Cette 15ème fête a apporté à cette famille un grand souffle, de la joie et de la force pour continuer à chercher une meilleure condition de vie et des médicaments pour Samay. L'histoire de cette famille va être racontée dans le Women’s Journal.
* Il existe une croyance indigène le long de la frontière de l'Orénoque selon laquelle un «charme», ce qu'ils appellent «Mawari», vit au fond de la rivière. C'est un mélange d'humain et de poisson, extrêmement beau et charmant qui offre de la nourriture des parties les plus profondes des eaux. Celui qui mange cette nourriture disparaîtra à jamais dans le mystère de l'Orénoque. Ce projet concerne aussi ce Charme de l'Orénoque, une femme Mawari, une femme déguisée en rivière.
Gledys à la maison. Gledys est une «femme llanero», qui est la culture métisse prédominante de cette région. Lors de sa deuxième grossesse, ce personnage nous emmène dans les recoins de la vie à la campagne, de ce que cela signifie d'être une femme et de vivre dans un pays qui est l'éloignement, l'ambition, l'oubli et en même temps le lieu où toutes les libertés sont possibles.
«À l'âge de 10 ans, j'avais déjà beaucoup de cicatrices, et je les ai toujours car je me faisais frapper avec le fouet en cuir. Il n'y avait jamais personne dans ma famille dont j'étais proche. Je n'ai presque jamais pu jouer. » * Citations d'une interview avec Gledys. Jouet de Maxwel, le fils de Gledys, chez elle à Puerto Carreño.
Femme nageant dans la rivière, sur les plages de l'Orénoque, pendant la saison sèche.
Filles amorua vivant à Puerto Carreño. Le groupe ethnique amorua est celui qui a subi le plus de discrimination en raison de ses contacts avec le développement et les colonisateurs. L'une des principales raisons est qu'ils sont essentiellement des collectionneurs nomades et qu'ils arrivent à un endroit avec la dynamique d'un port avec leurs vices et leurs délires. C'est un centre urbain et sédentaire très peu intéressé par l'intégration car son objectif est le commerce de tous types d'articles d'un côté à l'autre de la frontière colombo-vénézuélienne. Le plus sombre de tous les aspects est le fait que de nombreuses filles amorua sont prises au piège de problèmes de drogue et de prostitution. L'État est absent. Les dirigeants communautaires sont très désintégrés et il n'y a eu aucun projet sérieux et écrasant consacré à atténuer la discrimination brutale et déchirante.

Devenir personnel pour raconter des histoires sociales

Les photographes comme Juanita font évidemment un travail qui nous donne une vue invisible et poignante des sociétés à travers le monde. Cependant, elle note qu'il y a aussi une couche personnelle dans ses projets, l'Orénoque inclus. «Je dirais que mon travail est personnel parce que ce qui s'exprime est ce que je rêve, ce que je vois, ce que je vis. Mais le terme «personnel» est un peu déroutant car je ne parle pas vraiment de moi, je parle des autres. Alors, permettez-moi de clarifier: le travail est personnel dans le sens où je passe beaucoup de temps à vivre et à laisser les histoires être celles qui m'impliquent, et me font comprendre leurs mystères à travers le temps et l'amitié. »

Les relations personnelles se produisent inévitablement lorsque les photographes se lancent dans des projets documentaires à long terme, et pour Juanita, c'est l'une de ses sources de motivation. Connaître les gens, dit-elle, n'est pas une méthode que l'on applique à un projet, mais «une manière d'être, de chercher, de vouloir être».

«J'aime rester et vivre les histoires que je raconte, sans temps défini, sans pressions qui interrompent mon horizon, et ainsi partager au jour le jour et laisser grandir la confiance qui vient d'une amitié.

Les personnes ou les familles avec qui je vis ont tout partagé à leur sujet, et pour moi, cette relation est la plus précieuse, elles ne font pas partie de mon travail, mais plutôt de ma vie; c'est pourquoi je dis que mon travail est très proche de mon mode de vie. »

Arbre résistant pendant la plus grande inondation de l'Orénoque des 40 dernières années. Cette grosse inondation a eu lieu cette saison des pluies, à partir de la mi-juin 2018 jusqu'à ce que l'eau sorte. Cela a causé trop de chaos et de situations difficiles pour les personnes vivant à la frontière de l'Orénoque. Cette situation récente vient de démontrer une fois de plus la classe politique extrêmement corrompue qui n'offre même pas d'abri temporaire aux victimes des inondations. Juste un détail des caractéristiques des politiciens. Tambora, Orinoco.
Les criquets utilisés comme appâts pour pêcher les Cachamas (Colossoma macropomum), qui est le poisson le plus recherché par les habitants indigènes de cette zone. Les familles mettent des pièges sur un type d'arbre qui les attire quand elles coupent dans le tronc de l'arbre, et est un moyen très efficace de les rassembler car elles sont vraiment encombrées à la partie inférieure de ces troncs. Les enfants apprécient ce processus car ils sont faciles à attraper. Celles-ci ont été rassemblées par une famille de la communauté «la Churuata», qui est une île qui fait partie du «labyrinthe d'îles» qui entourent les rapides de Maipures. C'est une communauté de l'ethnie Curripaco qui a des racines migratoires récentes du Brésil, et la terre ou l'île est associée au territoire vénézuélien. Les habitants eux-mêmes l'ont déclaré afin de se protéger du conflit en Colombie. De plus, la raison pour laquelle ces terres ne font pas officiellement partie du Venezuela, c'est que lors de l'établissement des lignes frontalières le long de l'Orénoque, la région de Maipures n'a pas été distribuée en raison de la difficulté d'accès. Île de Churuata, Venezuela.
Poisson-chat des eaux de l'Orénoque et prêt à être vendu à Puerto Carreño. Ce sont les poissons les plus commercialisés dans la région. Très apprécié pour le manque d'écailles et pour ne pas avoir d'épines de poisson. Puerto Carreño.
"L'or est acheté." L'or est l'une des ressources qui se déplacent dans ce domaine. Les principales mines se trouvent dans le haut Orénoque en territoire vénézuélien.
Les plantes d'un petit rived appelé "caño e´lapa." Ce sont des plantes aquatiques typiques des types de rivières de la région qui traversent les roches du Bouclier de Guayanes, donnant vie à des plantes très spécifiques de ces roches. Ce sont des plantes qui s'accrochent aux rochers et sont le refuge de nombreuses espèces de poissons qui pondent leurs œufs pendant les mois d'avril et de mai, avec l'arrivée des eaux de pluie. Après cette période, pendant la saison sèche ou «basse saison», ils s'y réfugient. C'est comme un aquarium naturel où ils grandissent, puis commencent à migrer. Ce «caño» (petite rivière) est très spécial et important pour le parc national El Tuparro.

Photographier l'Orénoque et découvrir ses histoires

Comme pour son autre travail documentaire, Orinoco est guidée par le propre style visuel de Juanita, construit sur un sentiment d'urgence pour capturer les émotions et les sensations dans la situation qu'elle affronte.

«J'essaie d'accéder à un espace où une mémoire ou une histoire peut être racontée d'un point de vue intime. Je cherche l'empreinte de la terre dans le visage et le corps humain. Je recherche également des émotions humaines fortes qui débordent et laissent une trace dans le paysage, et se transforment en humeur ou en atmosphère. »

Sur ses outils choisis du métier, Juanita préfère un appareil photo léger avec un objectif 35 mm et un flash; une configuration qui lui permet d'être proche des gens tout en capturant leur environnement. Elle utilise également un objectif 50 mm pour se rapprocher de ses sujets pour les portraits. «Avoir un équipement léger me permet presque de ne pas y penser. C’est comme un stylo que vous pouvez facilement emporter avec vous pour écrire des idées. Avec cela, la caméra est presque toujours avec moi, et j'aime que je ne m'alourdisse pas avec elle. "

En explorant les paysages et les communautés pour son projet, Juanita réfléchit souvent à la contribution des territoires à la compréhension de l'histoire et de la culture de la Colombie. Elle pense que ne pas se rapprocher des gens, ne pas comprendre leur vie et ne pas avoir une compréhension profonde de la dynamique culturelle de ces régions conduit à «une idée illusoire d'un pays».

«Ce qui est le plus nécessaire ici en Colombie, c'est l'éducation liée à notre propre terre, comprise comme la transmission des connaissances et des idées d'une région à l'autre, les dialogues qui peuvent être créés entre différentes époques et cultures… On est surpris du peu que nous connaissons sur nous-mêmes… l'abondance de connaissances et de modes de vie que nous ignorons ou que l'État décide de ne pas vraiment prendre en compte. »

À propos de Juanita Escobar

La photographe documentaire colombienne Juanita Escobar se concentre sur le genre et le territoire comme thèmes principaux de la recherche photographique dans son exploration du comportement humain et de l'environnement. Sa méthode de travail est ancrée dans l'ethnographie. Depuis 11 ans, elle enquête sur l'Orinoquia, où elle travaille actuellement sur un projet qui a reçu le Magnum Foundation Fund 2018. Elle est membre du collectif colombien de photographie Colectivo + 1 depuis 2016, connu pour la création du projet éducatif 20fotógrafos.

Photographe autodidacte, son intérêt et sa passion pour le cinéma et la photographie ont commencé lorsqu'elle a commencé à faire partie d'un long métrage dans sa ville à 17 ans. Après trois ans dans l'industrie du cinéma, elle a décidé de se lancer dans une approche plus solitaire et personnelle pour raconter des histoires sur son pays, en relatant les différentes vies et conflits en son sein. À 21 ans, elle est arrivée dans les plaines de l'Orénoque, la terre qu'elle croyait pouvoir explorer avec ses rêves. Elle prévoit de continuer à parcourir le territoire et l'immensité de ses rivières et plaines à la recherche d'histoires personnelles à raconter à travers des récits visuels.

Juanita est lauréate du Prix national de la photographie colombienne en 2009 pour son travail Gens – Terre, exposée au musée de Santa Clara, Bogotá. Elle a également co-écrit le livre Silences: une plaine de femmes publié par Número en 2009. Elle a été récipiendaire de la bourse numérique Crea décernée par le ministère de la Culture et des Technologies de Colombie pour la réalisation du livre électronique El llano a ras de cielo en 2012. Parmi les autres prix et distinctions remarquables qu'elle a remportés, mentionnons le Portfolio Review Prize de la National Geographic Society pour ses neuf années de travail, Llanoet participation à la World Press Photo Joop Swart Masterclass 2017 à Amsterdam.

Visitez le site Web et Instagram de Juanita Escobar pour voir plus de son travail.

Quel élan voulez-vous lancer?

C'est incroyable de voir comment une seule pensée, action ou passion personnelle peut enflammer quelque chose qui peut faire la différence. En tant que camarade photographe, nous vous invitons à partager ce qui vous motive… vers quoi voulez-vous commencer, créer un élan? Ça commence avec toi. Partagez vos histoires sociales visuelles avec #visualmomentum.

Note de l'éditeur: il s'agit d'un article de blog sponsorisé de Fujifilm.

À propos de FUJIFILM North America Corporation (Fujifilm)

FUJIFILM North America Corporation (Fujifilm) permet aux photographes et cinéastes du monde entier de construire leur héritage en partageant leurs histoires. Fondé sur son histoire de 85 ans de fabrication de films photographiques et cinématographiques, de technologies pionnières dans les objectifs et les revêtements, et de moteur d'innovation dans le développement de technologies d'appareils photo numériques sans miroir, Fujifilm continue d'être au centre de la vision créative de chaque conteur.

Repoussant les limites de la photographie numérique et des innovations cinématographiques, les appareils photo numériques sans miroir et les objectifs FUJINON de la série X et GFX de Fujifilm offrent une qualité d'image exceptionnelle aux créateurs de tous niveaux. Offrant une clarté d'image, des technologies avancées de reproduction des couleurs et une large gamme de simulations de films, la famille d'appareils photo numériques sans miroir de Fujifilm remplit sa mission intrinsèque de capture et de préservation des moments pour les générations à venir.

Avec un appareil photo numérique Fujifilm à portée de main, vous pouvez saisir l'instant, partager votre histoire et bâtir votre héritage. Apprenez-en plus sur notre site Web.

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Le photographe Zen Sekizawa fait confiance à ARRI Lighting pour «The Dance»

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Dans «The Dance», Sekizawa explore la rupture des idéaux traditionnels du raffinement japonais à travers la forme de danse avant-gardiste connue sous le nom de Butoh. Ce projet compile le ralenti, la photographie fixe et le stop-motion pour créer un film en boucle sans couture de 10 secondes.

La photographe / réalisatrice commerciale chevronnée Zen Sekizawa vient de terminer un projet multimédia qui explore le rôle des femmes japonaises à travers la danse d'avant-garde Butoh. Dans «The Dance», Sekizawa a capturé le film, la photographie et le stop-motion séparément et a compilé les éléments en un film en boucle de 10 secondes et deux photographies. Elle s'est appuyée sur ARRI SkyPanels pour toute la production.

«J'ai utilisé l'intensité lumineuse, le mouvement de la lumière et la couleur de la lumière pour explorer la relation inséparable entre le mouvement et le temps», explique-t-elle. "J'aime vraiment la quantité d'intensité et de saturation dont les SkyPanels sont capables!"

Zen Sekizawa a réalisé son projet de photographie d'art sur trois supports différents: ralenti, stop-motion et photographie

Le directeur de la photographie Ernesto Lomeli et l'animateur Musa Brooker ont collaboré avec Sekizawa pour capturer des images au ralenti de bris de verre et de l'arrêt des fleurs volant dans les airs et dépérissant. «J'ai eu le luxe d'utiliser les SkyPanels pour jouer avec toutes les séquences de synchronisation et les options de couleur», explique Sekizawa. Elle a également expérimenté les effets d'éclairage SkyPanel de manière non conventionnelle pour les éléments photographiques. «Au lieu d'utiliser le même ensemble, le même éclairage et le même aspect pour les trois supports de capture, j'ai essayé l'éclairage avec des vitesses différentes», dit-elle. "Par exemple, le ralenti a besoin de beaucoup de lumière, j'ai donc utilisé les SkyPanels S120-C à leur plein potentiel."

«Les effets sont formidables avec lesquels travailler», poursuit-elle. «Nous avions deux flashs rapides qui s'éteignaient à la fois, que nous avons utilisés pour les séquences au ralenti, par exemple. Je ne pourrais pas utiliser un autre luminaire pour capturer la couleur et le timing. L'utilisation des SkyPanels de cette manière expérimentale était amusante et spéciale. » Sekizawa et son équipe d'éclairage ont pu utiliser un iPad et un petit routeur Wi-Fi pour contrôler à distance les deux SkyPanel S120-C de la production. Le projet a également utilisé trois ARRI L7-C et deux L5-C.

Sekizawa: "Avec SkyPanels, il est très facile de contrôler la couleur et l’intensité, et la qualité de la lumière est vraiment agréable."

«Les effets sont formidables avec lesquels travailler», poursuit-elle. «Nous avions deux flashs rapides qui s'éteignaient à la fois, que nous avons utilisés pour les séquences au ralenti, par exemple. Je ne pourrais pas utiliser un autre luminaire pour capturer la couleur et le timing. L'utilisation des SkyPanels de cette manière expérimentale était amusante et spéciale. » Sekizawa et son équipe d'éclairage ont pu utiliser un iPad et un petit routeur Wi-Fi pour contrôler à distance les deux SkyPanel S120-C de la production. Le projet a également utilisé trois ARRI L7-C et deux L5-C.

L'ensemble a été construit autour d'une danseuse Butoh live.

L'équipe a construit un décor autour d'une danseuse Butoh qui – via les éléments composites – interagit avec le temps. «Les fonctionnalités de SkyPanel ont été utilisées pour explorer le concept du temps à travers la couleur, le mouvement et l'immobilité», dit-elle. "Les appareils d'éclairage continu d'autres marques ont une mauvaise chute, mais ce n'est pas le cas avec SkyPanels. Avec SkyPanels, il est très facile de contrôler la couleur et l'intensité, et la qualité de la lumière est vraiment agréable. "

"The Dance" est disponible sur le site Web de Sekizawa et sur Vimeo. «Beaucoup de gens ignorent la contribution historique des femmes japonaises à la culture japonaise, et je voulais briser les stéréotypes traditionnels et conservateurs», dit-elle. «J'adore la façon dont SkyPanels m'a aidé à raconter cette histoire.»

L'ARRI SkyPanel S120-C est entièrement réglable de 2800 K à 10000 K, offre une sélection de couleurs vibrantes (gamme de couleurs RVB + W) et un rendu des couleurs élevé ainsi qu'une grande ouverture (1290×300 mm). Le luminaire est idéal pour l'éclairage vertical et offre également une faible consommation d'énergie (400 W nominal), une sortie plus lumineuse que la lumière douce au tungstène de 2 kW et entièrement dimmable de 0 à 100%.

BTS – Photographe Zen Sekizawa – La danse

Photos: Zen Sekizawa

Note de l'éditeur: il s'agit d'un article sponsorisé d'ARRI.

Découvrez comment la photographie argentique ramène les gens dans le monde réel

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Aujourd'hui, les gens semblent vivre pour la photo plutôt que pour l'expérience. Cet homme utilise la photographie argentique pour essayer de changer cela.

Dans un article récemment publié sur CNN Travel, Jonny Bealby, propriétaire du voyagiste Wild Frontiers, a parlé de son nouveau concept de tournée passionnant. Les clients visiteront de belles destinations comme Oman et la Mongolie, mais avec une seule prise – ils doivent se déconnecter complètement de leurs appareils numériques. Cela signifie qu'aucun smartphone ne prend tout ce qu'il voit. Au lieu de cela, ils recevront des caméras analogiques, leur permettant de capturer les moments les plus importants. C’est un geste que je salue et que je trouve incroyablement excitant.

"Je crois que, à cause des appareils photo des smartphones, l'acte de prendre des photos est devenu comme un tic nerveux, plutôt qu'un processus de créativité."

Vivre à l'ère numérique

Avouons-le; nous avons tous pris des photos inutiles sur nos téléphones. Au moment où nous nous convaincons que c'est une opportunité de photo incontournable, et que nous devons abandonner tout ce que nous faisons pour la capturer. Mais ensuite, nos téléphones nous envoient le message «libérer de l'espace de stockage», et tout d'un coup, nous nous retrouvons à supprimer des photos qui n'ont aucune signification ni valeur. Je crois qu'à cause des appareils photo des smartphones, l'acte de prendre des photos est devenu comme une secousse nerveuse, plutôt qu'un processus de créativité. On pourrait en dire autant DSLR aussi. Mais c'est sans aucun doute l'ère des smartphones qui a propulsé notre addiction à photographier des choses.

"Ce qui est pire, c'est que dans une tentative de projeter une vie parfaite, ils limitent la qualité de leur réalité."

Naturellement, les entreprises ont capitalisé sur le besoin de la société de photographier. Il est commercialement judicieux que le monde instagramme votre produit et le partage sur Internet. La conséquence de cela est que jadis des hotspots dynamiques tels que les restaurants sont maintenant pleins de zombies sans âme vivant leur expérience à travers leur écran. C'est triste à voir.

La photographie argentique pourrait-elle être le remède?

Le monde de la photographie n'est pas étranger à l'impact de la société moderne. J'ai vu de première main tant de gens se rendre aux points touristiques, prendre une photo et partir tout de suite. Ils ne se soucient pas d'être dans un endroit qui célèbre notre monde. Ils se concentrent plutôt sur la publication de la photo sur Internet le plus rapidement possible et la démonstration à leurs amis de la qualité de leur vie. Ce qui est pire, c'est que pour tenter de projeter une vie parfaite, ils limitent la qualité de leur réalité. Nous ne sommes pas nés en direct sur un écran. Et quand tout est dit et fait, tant de gens n'auront qu'un nombre incalculable d'heures perdues à parler.

Donc, quand des gens comme Bealby font un geste pour interdire l'utilisation des smartphones sur un Voyage voyage, il apporte de nombreux avantages. Le premier, bien sûr, est qu'il pousse les gens à prendre leur expérience pour ce qu'elle est. Cela les rend plus présents, leur permettant de se connecter mentalement et émotionnellement à la beauté du monde. Cela signifie qu'il ne s'agit plus de la publication sur les réseaux sociaux, mais plutôt du processus de vivre pleinement sa vie. C’est une bonne chose.

"Blâmez le photographe en moi, mais je pense honnêtement qu'une photographie est quelque chose de précieux – peu importe qui vous êtes."

Encore mieux, il enseigne aux gens la photographie de film. Ce qui, à son tour, leur enseigne la photographie. Il n'y a pas de "suppression instantanée" avec un rouleau de film. Chaque exposition compte, et vous ne pouvez pas simplement pulvériser et prier toute la journée. Cela aide les gens à faire la différence entre ce qui est généralement une séance de photos et ce qui a un contretemps nerveux. Heck, pour ceux qui l'adoptent vraiment, cela pourrait les amener à prendre de meilleures photos. "Vos photos sont devenues vraiment bonnes ces derniers temps", diraient leurs amis. "Ouais, c'est parce que j'ai appris à ralentir."

Nous pourrions tous faire avec de la photographie de film

Blâmez le photographe en moi, mais je pense honnêtement qu'une photographie est quelque chose de précieux – peu importe qui vous êtes. À mon avis, photographier n'importe quoi et tout dilue l'importance d'avoir la capacité de prendre des images. Sur le plan humain, je me soucie des expériences des gens dans ce monde. Nous perdons et perdons tellement de temps dans nos technologies et nos médias sociaux, et cela ne peut pas être une bonne chose.

Peut-être que nous pourrions tous retirer une feuille du livre de Bealby. Sinon, faites une de ses tournées, la prochaine fois que nous irons quelque part, nous pourrions laisser notre téléphone à la maison, prendre un 35 mm, prendre des photos de film et vraiment se perdre dans la grandeur de l'expérience.

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5 photographes montrent la force de la caméra iPhone 11 Pro

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Avec l'iPhone 11 Pro, Apple a intensifié son jeu d'appareil photo pour smartphone, ouvrant des options plus créatives à ses fidèles supporters.

Rappelez-vous quand nous sommes tous devenus fous d'un appareil photo 2MP dans un téléphone mobile? Nous avons maintenant un appareil photo pour smartphone qui n'a pas un, mais trois options d'objectif intégrées. Apple, en aucun cas, n'est la seule (ou même la première) entreprise à avoir cette fonctionnalité, mais c'est certainement la plus populaire. Dans notre monde en développement de la technologie, les options à trois objectifs ne sont-elles qu'un autre gadget pour nous garder de remettre notre argent? Ou, cela aidera-t-il à améliorer la qualité du travail des tireurs de smartphones? Les photographes ci-dessous répondent à ces questions, alors que nous examinons cinq photographes prouvant que l'iPhone 11 Pro est l'un des meilleurs appareils photo pour smartphones sur le marché.

1. @justinbettman

Justin Betterman est un photographe éditorial professionnel basé à New York. Sa liste de clients comprend Coca Cola, The New York Times et Ikea, pour n'en nommer que quelques-uns. Il n'est pas surprenant qu'il ait été mandaté par Apple pour tester le nouvel iPhone 11 Pro. Et wow, at-il livré! Son tournage éditorial sur le thème de l'astronaute montre la force des détails de la caméra du smartphone et les capacités de ses trois objectifs. Le portrait de son sujet astronaute était particulièrement agréable, montrant pourquoi l'iPhone 11 Pro pourrait être un choix populaire pour les photographes de portraits de smartphones.

2. @kor_eon

Eon Ha n'est pas un photographe professionnel: il est juste un mec avec l'iPhone 11 Pro essayant de voir ce qu'il peut faire. En ce qui concerne la photographie en basse lumière, c'est sa photo qui a démontré ce que le dernier iPhone pouvait faire. le Google Pixel 4 a pu se vanter de certains des meilleurs clichés en basse lumière. Cependant, l'iPhone 11 Pro est certainement un rival proche. Le détail et la couleur qui restent dans l'image sont impressionnants. Plus particulièrement, le manque de bruit sur cette image montre que cet appareil photo n'est pas en reste!

3. @crestfallenanthony

Ant, 23 ans, tourne tous ses concerts sur un iPhone. Basé en Californie, il a mis sur pied un portefeuille qui laisserait ceux qui utilisent un appareil photo reflex numérique ou sans miroir envie. Le mérite doit aller à sa compréhension de l'éclairage, de la pose et de ce qui fait un sujet intéressant. Mais il est clair que l'iPhone 11 Pro est capable de suivre le rythme de ses compétences, lui permettant d'atteindre les résultats qu'il souhaite.

4. @austinmann

Austin Mann est photographe de voyage professionnel et conteur. Il a exploré le monde et créé un merveilleux travail dans le processus. Il a emmené le dernier iPhone en Chine, où il voulait mettre à l'épreuve l'objectif ultra large (13 mm). "L'Ultra Wide fonctionne vraiment très bien dans des conditions d'éclairage normales et, dans l'ensemble, je suis ravi de l'avoir", a déclaré Mann sur son blog. La deuxième photo de la galerie ci-dessus a été prise en mode rafale. Il montre comment la caméra est capable de geler le mouvement à un niveau de système professionnel. Des trucs vraiment impressionnants!

5. @eicharphotography

Le duo de photographes de mariage Lauren et Jamie est allé plus loin que les autres pour montrer la qualité de l'iPhone 11 Pro. Traditionnellement, ils photographient leurs mariages avec un Canon 5D Mark IV de confiance. Cependant, pour une séance photo, ils ont emmené leur nouvel iPhone pour voir comment il pourrait rivaliser avec le reflex numérique professionnel. Les résultats sont assez spectaculaires; à l'œil nu, vous auriez du mal à dire quelle image a été prise sur un appareil photo de smartphone et laquelle a été prise avec un équipement professionnel. Bien sûr, cela montre à quel point l'habileté du photographe est le moteur d'une bonne photographie. Mais, cela pourrait être un signe de l'avenir alors que les appareils photo des smartphones cherchent à rivaliser avec les reflex numériques et les systèmes sans miroir de niveau professionnel.

L'iPhone 11 Pro est-il le meilleur?

Il est difficile de dire si la dernière offre d'Apple est la meilleure du marché. Il a une rude concurrence du Google Pixel et du Samsung Galaxy Note 10+. Ce qui est certain, cependant, c'est que l'élite des appareils photo pour smartphones repousse de plus en plus les frontières. Bientôt, nous pourrions voir des pros choisir d'utiliser leur smartphone comme deuxième appareil photo. Comme ce serait fou?!

Partagez vos photos iPhone 11 Pro dans le commentaire ci-dessous. Nous serions ravis de les voir.

La photo principale est une capture d'écran du site Web d'Apple.

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5 inspirations tout au long de mon voyage dans la photographie de rue

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Nous avons chacun des journaux différents dans la photographie de rue. Mais, quelque chose que la plupart d'entre nous ont en commun, quel que soit le chemin que nous empruntons, c'est que nous avons des photographes de rue qui nous ont profondément inspirés en cours de route.

La photographie de rue est l'un des plus anciens genres de photographie. La première photo jamais prise avec une personne a été prise dans la rue en 1839. Puis est venu le boom dans les années 1970 après que des gens comme Garry Winograd et Joel Meyerowitz aient rendu la photographie de rue de plus en plus populaire. Aujourd'hui, la photographie de rue est pratiquée dans le monde entier, car elle continue d'être l'un des genres de photographie les plus populaires à pratiquer. Donc, avec cela, il y a beaucoup de matériel disponible pour aider les gens à tomber amoureux du métier. Ce n'est pas un secret que je suis passionné par la forme d'art. Et dans cette pièce, je veux partager les photographes qui m'ont inspiré en chemin.

1. Robert Frank

Voir Robert Frank dans un article comme celui-ci ne devrait pas surprendre. Pour moi et pour beaucoup d’autres photographes de rue, le travail de Frank a été à la fois une forme d’éducation et d’inspiration. Ce qui est intéressant à propos de l'inclusion de Frank, c'est qu'il n'a jamais été un photographe de rue hors du commun. Il appartient davantage à la conversation du documentaire social. Son livre, The Americans, était une série révolutionnaire qui remettait en question les vues sociétales de l'Amérique dans les années 1950. Frank aimait également parcourir les rues. Son travail de Paris et de Londres est de la poésie en images, et il a certainement besoin d'être mentionné dans le sujet de nos plus grands photographes de rue.

Le 9 septembre 2019, à 94 ans, Frank est malheureusement décédé. Il a laissé une histoire et une œuvre qui continueront d'inspirer les photographes de rue pour les décennies à venir.

2. Matt Stuart

En faisant entrer les choses dans l'ère moderne, Matt Stuart est l'un des plus grands photographes de rue de notre temps. Au cours d'une carrière s'étalant sur plus de 20 ans, Stuart s'est taillé un style qui a été l'influence d'une grande partie du travail que nous voyons aujourd'hui. Des coïncidences humoristiques à la photographie de rue brute, il a une œuvre que la plupart d'entre nous mourraient de possession. Il était un membre de longue date du collectif de photographie de rue iN-Public, et a été présenté dans des expositions à travers le monde.

J'ai vu Stuart parler plusieurs fois lors d'événements de photographie de rue. Ce qui est clair, c'est que sa passion ne faiblit jamais, ni son enthousiasme à partager ses connaissances avec les autres. Il est exceptionnellement talentueux et fait honneur à la scène. Quiconque cherche l'inspiration devrait consulter son livre, All That Life Can Afford.

3. Vivian Maier

Je ne sais pas si c'est le travail, son histoire ou sa philosophie qui ont rendu Vivian Maier si influente pour moi. Il est probable que ce sont toutes ces choses qui la rendent fascinante à étudier. Maier était une personne humaine, mais d'une manière extrêmement introvertie. Par cela, je veux dire qu'elle avait une compréhension très particulière du comportement humain et des émotions, même si elle les observait à distance. Ce que je trouve le plus inspirant chez Maier, c'est sa passion pour le métier. Elle ne voulait pas être célèbre, aimée ou influente. Tout ce qu'elle voulait, c'était pouvoir explorer les rues avec un Rolleiflex et documenter ce qu'elle voyait autour d'elle. C’est de l’amour pur et tout à fait admirable.

Je me suis souvent demandé si Maier serait satisfaite de la renommée qu’elle a reçue depuis son décès. J'ai toujours pensé qu'elle ne le ferait pas, mais cela aurait été dommage si son travail et son histoire n'avaient jamais été découverts. Heureusement, ils l'ont été, et la scène de la photographie de rue a une histoire qui sera racontée pendant longtemps.

4. Nick Turpin

Nick Turpin est intéressant. Son travail parle de lui-même, et il a certainement été l'une des personnalités de la scène au cours des 20 dernières années. C’est son dévouement à la communauté que j’ai toujours trouvé le plus inspirant. Je ne suis pas toujours d'accord avec son point de vue sur la façon dont la scène devrait être. Je respecte cependant qu'il est fidèle à ses valeurs et qu'il a toujours les meilleures intentions lorsqu'il s'agit de protéger la qualité et la longévité de l'engin. Que vous aimiez Turpin ou non, vous ne pouvez pas prétendre que sa connaissance de la photographie de rue est à un niveau expert. Quand revoir sa chaîne YouTube, J'ai été impressionné par son niveau de détail et la façon dont il a pu le communiquer efficacement à son public.

En passant du temps avec le travail et les mots de Turpin, je ne peux pas m'empêcher de me sentir excité de sortir et de prendre des photos de rue. Cela, en soi, est très inspirant.

5. Jane Dickson

Jane Dickson est une autre personne qui n'est pas votre photographe de rue traditionnelle. Elle est avant tout une artiste, surtout connue pour sa peinture et son dessin. Cependant, c'était sa photographie de rue de Times Square des années 1970 qui m'a saisi. Pour ceux qui ne le savent pas, Times Square n'a pas toujours été le piège à touristes brillant qu'il est aujourd'hui. En fait, c'était une partie dangereuse de la ville, connue pour sa forte criminalité, son sexe et ses drogues. Malgré la menace constante de danger, Dickson était toujours prêt à sortir et à raconter l'histoire de cette partie emblématique de New York. Elle a partagé des histoires sur les balles qui venaient par sa fenêtre, soulignant à quel point il était risqué de vivre dans la région.

Maman célibataire, artiste et résidente d'une plaque tournante du crime, Dickson a créé un ensemble d'œuvres dont on parle encore aujourd'hui. Le respect est à cent pour cent pour cette femme, mère et photographe de rue.

Qui vous inspire dans la photographie de rue?

Beaucoup d'autres photographes de rue m'inspirent, mais, en dressant cette liste, j'ai voulu partager ma plus influente. Je sais qu'il y a beaucoup de photographes de rue différents qui vous inspirent aussi. Alors, s'il vous plaît, faites-moi savoir dans les commentaires ci-dessous qui ils sont. Partagez l'amour et, plus important encore, partagez l'inspiration.

Le California Freelancer Bill (AB 5) pourrait affecter les photographes de New York

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Le nouveau projet de loi AB 5 freelancer verrait des milliers d'Américains indépendants perdre une partie importante (ou la totalité) de leurs revenus.

Comme si nous n'en avons pas déjà assez dans nos assiettes, les pouvoirs en place (en Californie) ont décidé qu'ils voulaient prendre encore plus le contrôle de la vie des résidents là-bas parce que … vous et vos revenus, c'est pourquoi. Le nouveau projet de loi sur les pigistes (connu sous le nom d'AB 5) est similaire à une proposition de loi à New York et au New Jersey qui stipule qu'après un certain nombre d'emplois indépendants, le pigiste doit devenir un employé de l'entreprise qui les paie pour leur travail. Comme vous pouvez l'imaginer, cela rend les entreprises effrayées de contracter des pigistes et, en retour, signifie que les pigistes sont encore plus sollicités. Parlons-en après la pause.

Commençons par dire que la NPPA (National Press Photographers Association) a déposé une plainte qui conteste à juste titre le stupide projet de loi AB 5. Comme nous l'avons mentionné ci-dessus, AB 5 discrimine totalement certains journalistes visuels qui travaillent comme pigistes en les forçant à devenir des employés de leurs clients, qu'ils le veuillent ou non. SMH. Je pensais que les élus étaient censés travailler pour nous, pas contre nous.

La nouvelle loi stipule que les photojournalistes et photographes pigistes ont une limite de 35 soumissions ou missions par an pour un seul client, ce qui constitue une violation du premier amendement basé sur le contenu. Des limites similaires sont également imposées aux rédacteurs, rédacteurs en chef et dessinateurs de presse indépendants. Pour une raison quelconque, cependant, les photographes marketing, les beaux-arts et les graphistes ne sont pas concernés par ce projet de loi sur les pigistes. Et vous pouvez oublier de faire des vidéos: AB 5 dit que c'est complètement interdit.

Le projet de loi, qui est censé aider les pigistes en nous empêchant d'être exploités, ruine les carrières en raison de problèmes de mauvaise classification. Les entreprises ont maintenant peur d'embaucher des photographes indépendants, des rédacteurs indépendants, etc. parce que si l'entreprise se trompe en ne comprenant pas les classifications, l'entreprise est condamnée à une amende.

Pour beaucoup (moi y compris), être pigiste est un choix que j'ai fait et j'aime la liberté que cela apporte. Heureusement, j'habite en Oklahoma, où aucune loi de ce type n'est (encore) discutée. Pour beaucoup, cependant, le choix est hors de leur contrôle. Imaginez ne pas pouvoir quitter votre domicile en raison d'un problème de santé, et maintenant on vous dit que vous ne pouvez soumettre que 35 travaux par an à l'entreprise qui vous a engagé parce que vous vivez en Californie. L'an dernier, j'ai produit 628 pièces pour The Phoblographer. Un mouvement comme celui-ci signifierait que nous, en tant que pigistes, devrions jongler avec le travail pour des dizaines d'entreprises, et ce n'est pas faisable pour moi, ou mes collègues ici. Grâce à ce nouveau projet de loi sur les pigistes, une personne perdrait son gagne-pain en un éclair.

Alors, que pouvons-nous faire pour aider à protéger notre statut de pigistes? N'oubliez pas que cela vous affecte si vous êtes photographe, vidéaste, photojournaliste et plus, qui vit en Californie. Vous pouvez aider Freelanceeny, qui a adopté le hashtag de #fightforfreelancers. Leur objectif est d'empêcher ce cancer de se propager. Vous pouvez également obtenir derrière le NPPA et leur lutte contre AB 5.

Nous avons besoin de lois qui protègent les pigistes; Cela ne fait aucun doute. Ce dont nous n'avons pas besoin, ce sont des lois comme ce projet de loi sur les pigistes qui enfonceront le clou final dans le cercueil de notre carrière en raison d'une formulation moche et de classifications médiocres qui sont impossibles à comprendre. Des milliers de photographes indépendants en Californie ont déjà perdu beaucoup de revenus, et ce gâchis ne fait que commencer. Faisons notre part pour nous assurer que ce projet de loi sur les pigistes et d'autres comme celui-ci soient détruits, ou du moins reformulés ou empêchés de se propager à davantage d'États.

La photographie de film est une forme de rébellion créative et je l'adore

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La photographie de film ne signifie probablement pas grand-chose pour la plupart des gens, mais pour certains, c'est une rébellion créative passionnante et bien nécessaire de la mouture numérique.

Quand j'ai rejoint photographie de film il y a une dizaine d'années, je ne m'attendais pas honnêtement à ce qu'elle se développe beaucoup. La plupart du monde semblait avoir quitté les stocks de films, et les appareils photo n'étaient plus que des souvenirs vintage de l'histoire de la photographie. J'obtenais des regards étranges chaque fois que les gens découvraient que je tournais avec un appareil photo argentique. Nous étions considérés comme un tas de inadaptés ou de hipsters, comme l'était la misérable étiquette. Mais, plus je m'y plongeais, plus je voyais clairement ce que le tournage signifiait pour ceux qui le faisaient: c'est une forme de rébellion créative dans un monde qui privilégie la perfection.

Je ne suis pas nouveau dans le tournage de films. J'appartiens peut-être à la dernière génération capable de le vivre dès son plus jeune âge. Je me souviens encore du rappel strict de ma mère chaque fois qu’elle me tendait un nouveau rouleau de film: ne le gaspille pas. En 2009, je me suis retrouvé à raviver ma relation avec la photographie argentique, amoureux d'un appareil photo argentique après l'autre, à commencer par un Holga multicolore pour le format moyen et un Nikon FE2 pour le 35 mm. À ce jour, j'ai tourné (et gaspillé) plus de rouleaux que je ne pouvais en avoir à l'apogée du film. Peut-être pour me réconforter et justifier la façon dont j'ai tourné à l'époque, j'ai finalement choisi de ne pas y voir du gaspillage de film; J'apprenais la photographie d'une manière qui m'était la plus accessible. Je ne pouvais pas me permettre un reflex numérique à l'époque, donc la route du film – peu pratique et désuète pour la plupart – était la prochaine meilleure chose. Surtout, ça avait l'air amusant, et j'étais fasciné par les différents types de résultats et de techniques à explorer.

Lomography et le mode de vie analogique

Comme de nombreux photographes de cinéma qui ont découvert le médium au cours de la dernière décennie, j'ai trouvé un regain d'intérêt pour le tournage de films à travers la Lomography et son approche ludique et souvent expérimentale. Cela m'a fait regarder différemment le médium apparemment dépassé et penser différemment à la façon dont la photographie peut être abordée. Pour moi, cela a enlevé beaucoup de pression pour obtenir des photos parfaites à chaque prise de vue. C'est ce qui m'a permis de tirer beaucoup et d'apprendre avec impatience dans le processus. Je n'ai pas plus tôt réalisé que son soi-disant style de vie analogique invitait les créatifs à abandonner la perfection et les détails techniques extrêmes lors du tournage. Son attrait réside dans le fait d'embrasser des résultats non conventionnels, de faire quelque chose à partir d'erreurs et d'accidents heureux et d'adapter le look au film. Je ne sais pas pour vous, mais cela ressemble à une rébellion créative pour moi, en particulier à un moment où Photoshopping, les filtres Instagram et "Je vais juste le réparer en post" sont devenus la norme.

La lomographie a contribué à la résurgence de la photographie argentique et à sa renommée en tant que média alternatif pour la photographie créative. Même si certains peuvent ne pas aimer ou même détester pour tous ses trucs "fantaisistes", nous ne pouvons pas ignorer qu'une grande partie des photographes de cinéma d'aujourd'hui a découvert et développé un amour pour le cinéma après avoir découvert Lomography. Cela rendait le médium beaucoup moins intimidant et faisait ressortir le côté amusant et expérimental de la photographie.

Développer la créativité en adoptant les imperfections

Il est facile de voir comment la photographie numérique est arrivée à la perfection comme elle le fait aujourd'hui. Les progrès technologiques signifient l'adaptation aux besoins et aux caprices de l'industrie. Cela devrait rendre tout plus rapide, plus facile et plus pratique. Les résultats doivent toujours être parfaits avec si peu d'effort. Certains réducteurs peuvent même dire, si ce n'est pas le plus récent et le plus grand, quel est l'intérêt d'obtenir un appareil photo numérique?

Mais, avec la photographie argentique et d'autres processus photographiques traditionnels, nous avons quelque chose qui a déjà résisté à l'épreuve du temps. Les méthodes nous donnent plus d'options créatives en ce qui concerne les résultats que nous voulons. Rien n'a remplacé l'apparence des processus de collodion humide comme les tintypes, c'est pourquoi il y a encore studios de type et des photographes comme Markus Hofstaetter conduit à le garder en vie et à nous y exposer. Les photos de films peuvent avoir de nombreux regards différents, mais elles auront toujours une qualité rêveuse et nostalgique parfaite pour la photographie émotive et cinématographique. Le film en noir et blanc, dans toute sa splendeur granuleuse et dramatique, dégagera toujours intemporalité et granularité dans les photographies de rue.

La disponibilité et l'accessibilité continues des stocks de films aujourd'hui signifie simplement que nous avons plus d'options pour étendre notre créativité en adoptant des supports alternatifs, aussi imparfaits soient-ils. Les procédés photographiques traditionnels sont loin d'être parfaits par rapport aux normes actuelles, mais ils ont encore quelque chose à offrir. Les garder en vie signifie simplement que nous maintenons le choix d'exploiter ce que nous pouvons en tirer.

C'est bien loin du cinéma et du numérique maintenant

Je ne tourne pas de film avec l’esprit qu’elle est supérieure à la photographie numérique. L'argument du film contre le numérique est désormais bien trop exagéré. La réponse comporte des avantages et des inconvénients, et chacun fait appel à son propre public. J'adore le fait que le film soit là pour permettre aux gens de ralentir et d'explorer d'autres approches de la photographie créative.

La photographie de film a une mauvaise réputation à cause des hipsters, mais je ne laisse pas cela décourager moi ou d'autres personnes qui ont un véritable intérêt à l'essayer. Croyez-le ou non, il y a vraiment des gens qui veulent vraiment tourner des films parce qu'ils aiment les résultats et l'expérience. Les gens se tournent vers elle quand ils veulent ralentir leur mode de vie et de création rapide. J'ai remarqué que de plus en plus d'entre eux sont des jeunes qui n'ont même jamais détenu un point de tournage et tourné un appareil photo jusqu'à ce qu'ils en achètent un par curiosité. Je suis vraiment excité à ce sujet non seulement parce qu'il aide à garder le film en vie, mais aussi parce qu'il est toujours un support pertinent et légitime pour l'expression créative.

Vous pouvez préférer la commodité du numérique à la lenteur du film. Peut-être que vous voyez la photographie de film comme rien de plus qu'une nouveauté frivole. Vous pouvez même vous moquer de chaque photographe qui hashtags fièrement les publications Instagram avec #filmisnotdead ou #believeinfilm. Mais vous ne pouvez pas nier qu'il a encore une place parmi les photographes aujourd'hui. Cela reste un appel créatif, tout comme les illustrateurs et les artistes visuels ramassent toujours de vrais pinceaux, peintures et papier sur une tablette graphique qui fait tout. Tout comme Quentin Tarantino, Christopher Nolan, J.J. Abrams et d'autres réalisateurs de renom utilisent encore des films pour leurs chefs-d'œuvre cinématographiques. Tout comme de nombreux musiciens qui proposent leurs derniers et plus grands succès sous forme de disques vinyle jouables et de collection aujourd'hui. Tous ces éléments incarnent à la fois la rébellion créative et le choix créatif, et j'adore ça.

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Saviez-vous que ces cinq célébrités sont aussi des photographes compétents?

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Loin de leur statut de superstar, ces noms bien connus sont également des photographes de célébrités.

Vous les avez vus dans des films, entendu leurs disques à succès et regardé leurs divertissements hallucinants, mais avez-vous vu leurs photographies? Loin des paillettes et du glamour du style de vie des célébrités, certaines personnes célèbres aiment prendre un appareil photo et créer des photographies. Nous ne parlons pas non plus de Brooklyn Beckham – vous savez, le jeune qui a eu un concert avec Burberry sans à peine sortir de l'automobile? Non, nous parlons de personnes qui, parallèlement à leur carrière réussie, connaissent clairement une ou deux choses pour faire une bonne image. Découvrez-les ci-dessous.

Jeff Bridges, sept fois nominé aux Oscars, est la royauté hollywoodienne. Mais, quand il n'agit pas ou ne produit pas de scènes, on peut le trouver éloigné de l'équipe, documentant tout ce qui se passe sur le plateau. Il n'est pas non plus du genre à utiliser un appareil photo traditionnel. Son arme de prédilection est un Widelux, un appareil photo panoramique à objectif oscillant qui a été produit au Japon dans les années 1950. L'appareil photo – et Jeff – ont créé des photos au look sympa qui incluent George Clooney, Katie Holmes et Meryl Streep. Nous admirons la passion de Jeff pour le métier et le remercions de nous avoir offert un look franc dans les coulisses d'Hollywood.

Nikki Sixx est l'un des membres fondateurs de Motley Crue. Il est également très franc sur son rétablissement de la dépendance. En fait, il s'est lancé dans une nouvelle dépendance non destructive: la photographie. Mis à part les records à succès, la photographie de portrait est sa confiture, et il a pu transférer sa créativité sombre à ses photographies. Ses créations de style gothique explorent les profondeurs de l'esprit humain et notre relation avec le côté énervé de la vie. Sixx est un jeu de tir Leica. En 2017, il s'est associé à la marque de luxe allemande pour sortir une édition limitée "Nikki Sixx" Leica Q. Mais cet homme n'est pas seulement un acte de nouveauté, il est extrêmement compétent avec un appareil photo, et nous respectons sa nouvelle «habitude».

Pour nos lecteurs du monde entier, Derren Brown est une énorme star au Royaume-Uni. Il est connu pour sa capacité à lire dans les esprits, à hypnotiser et à faire des tours de magie fous. Mais, à la surprise de beaucoup, il a aussi une profonde passion pour Photographie de rue. En 2018, il a sorti son premier livre photo, Rencontrez les gens avec amour. Le livre contient quatre années de travail et est une collocation d’images en noir et blanc sincères. La communauté de la photographie de rue était prête à appuyer sur la gâchette, s'attendant à le claquer pour avoir profité de sa renommée. Cependant, de nombreux tireurs de rue ont été agréablement surpris, car Brown a livré une solide série de récits et de photographies de rue esthétiques.

Helena Christensen s'est fait un nom dans les années 90. Mannequin professionnelle, elle a fait la couverture de Vogue, Elle et Harper's Bazzar. Christensen a passé beaucoup de temps autour des caméras, et son expérience d'être devant eux l'a inspirée à se mettre derrière eux. La modélisation n'est pas facile; il en faut plus qu'un joli visage. Ce qui est clair, c'est que Christensen a transféré sa propre expérience pour aider ses sujets à se sentir à l'aise lorsqu'elle les photographie. Le résultat? Un portfolio qui appartient à la catégorie professionnelle et qui lui a valu de figurer dans des galeries et des publications du monde entier.

5. Jessica Lange

Jessica Lange a remporté deux Oscars, trois Emmy’s et un Tony Award. Elle est l'une des 13 actrices à avoir réalisé ce qu'elles appellent «La triple couronne d'acteur». Mais au lieu de nous concentrer sur cela, nous voulons souligner le fait qu'elle a également publié trois albums photo. Lange possède un énorme catalogue de photographies de style documentaire qui ne seraient pas déplacées dans une collection Magnum. Elle crée des images sombres, granuleuses, noir et blanc qui trouvent leur beauté dans leur robustesse. Son livre photo, Mexique, vaut bien le détour. C’est une exploration de 15 ans du pays latino-américain.

Quels photographes célèbres aimez-vous?

Mis à part les cinq ci-dessus, quel travail aimez-vous chez les personnes qui ont acquis leur renommée ailleurs? Faites-nous savoir quelles célébrités sont plus qu'un simple poney en un tour dans les commentaires ci-dessous.

Les images sont des captures d'écran d'Instagram et de Wiki

Cet article est apparu pour la première fois et a été fourni par nos partenaires de The Phoblographer.

Cadeaux de photographie pour obtenir votre amoureux (ou vous-même) le jour de la Saint-Valentin

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La Saint-Valentin, ou la fête de la Saint-Valentin, est largement célébrée à l’occasion de montrer l’amour et l’affection à ceux qui vous sont chers.

Pendant cette période de l'année, les cadeaux du V-Day sont achetés avec impatience dans l'espoir que les «signes d'amour» offriront une sorte de compassion, de bonheur et même de romance pour les couples. Bien qu'il y ait des moments où une boîte de chocolats, des dizaines de roses et un ours en peluche surdimensionné peuvent être un bon régal à recevoir ou même à vous procurer, mais les cadeaux du V-Day se sont élargis de nos jours et il y a des façons plus personnelles d'offrir en ciblant leurs (vos) intérêts personnels! Par exemple, parlons des nombreuses possibilités offertes aux photographes pour les cadeaux du V-Day, n'est-ce pas? Vous trouverez ci-dessous dix cadeaux qui pourraient attirer votre attention et vous faire commander «avec amour» dès aujourd'hui!

ProDPI

Une image imprimée est un rappel constant de vos meilleurs souvenirs et des connexions que la vie apporte. Que vous ayez une collection de photographies à afficher ou simplement cette image chérie, les cadres ProDPI présenteront vos photos dans un style inoubliable. Avec des collections allant des finitions modernes et minimales aux finitions en bois riches et naturelles, chaque photographie trouvera une maison.
Achetez leurs styles de monture

Topo Designs

Chaque photographe passionné comprend qu'une bonne courroie d'appareil photo sauvera la vie de son appareil photo. Quelle meilleure façon de dire «je suis coincé sur toi» qu'avec une sangle d'appareil photo robuste? La toute dernière chose que quiconque possède un appareil photo veut, c'est de le laisser tomber, et ces sangles assureront une prise sûre et sécurisée, tout comme votre amour. Fabriquées à la main dans le Colorado, les bretelles Topo Designs sont légères mais très résistantes. Ils viennent dans une variété de couleurs, de textures et de designs, avec une touche rustique parfaite. Vous ne trouverez pas un bracelet comme ceux-ci ailleurs en raison de leur savoir-faire unique, et il sera sûr de faire le meilleur ajout absolu à votre cadeau V-Day!
Magasinez les modèles Topo

TogTees

Tog Tees, un rêve devenu réalité pour les photographes qui souhaitent porter leur amour de la photographie sur leur manche (jeu de mots voulu)! Avec leur récente sortie de Tog Tee Hoodies, vous pouvez maintenant continuer à faire du sport photo par une froide nuit de 14 février. Tog Tees fait vibrer des tonnes de designs dans son arsenal. Certains de nos favoris incluent les conceptions d'appareil photo vintage, Japan Camera Tee et ISO 800. Cependant, Tog Tees ne s'est pas arrêté là, vous pouvez également copier des chapeaux, des tasses, des autocollants, des dessous de verre, des épingles et bien plus pour pouvoir assembler un panier complet de cadeaux pour votre passionné de photo, Valentin.
Acheter TogTees

LumeCube

Si vous cherchez quelque chose qui pourrait être livré dans quelque chose d'aussi délicat qu'une boîte à bijoux, LumeCube 2.0 sera votre choix! Cependant, vous ne trouverez rien de délicat dans ce coffret cadeau, LumeCube est un puissant outil d'éclairage qui possède ses capacités imperméables et anti-chute. Sans parler de sa capacité à résister à toutes les conditions environnementales, il est donc à peu près aussi fort que votre amour pour votre Valentin. Il est également adaptable! Associez votre LumeCube avec n'importe quel appareil photo, smartphone ou drone pour éclairer vos plus beaux souvenirs.
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Mophie

Dites à votre Saint-Valentin que votre amour est comme le lapin énergisant, grâce à cette élégante coque de chargement pour iPhone créée par Mophie. Avec la possibilité d’alimenter un iPhone 31 heures de conversation, 18 heures de visionnage de vidéos et 16 heures d’utilisation d’Internet, vous pourriez dire «mon amour pour vous est presque aussi éternel que la batterie de mon iPhone». Sans oublier, vous ne voulez pas courir le risque de ne pas pouvoir joindre votre bien-aimé, même si vous appelez juste pour dire «je t'aime».
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Moment

Moment a attiré l'attention de nombreux Instagrammers et pourrait également attirer l'attention de votre passionné de photo. Si vous n'avez pas encore compris l'engouement, Moment se concentre sur les systèmes d'objectifs pour appareils photo mobiles, spécifiquement compatibles avec les derniers appareils Apple, Google, Samsung et OnePlus. Moment est particulièrement fier de leur conception simple à torsion et verrouillage qui permet des changements d'objectif rapides et fluides. La qualité des verres a été reconnue par les créateurs du monde entier. Bien sûr, Moment sait qu'une bonne photo ne se termine pas avec un bon objectif, ils ont donc créé de nombreux accessoires, y compris des lumières, des filtres, des cardans, des sangles, des sacs et plus encore.
Moment de la boutique

InkBox

Vous avez toujours voulu dire à votre bien-aimé que vous vous y êtes engagé … de façon semi-permanente? C'est maintenant possible avec Inkbox, une entreprise révolutionnaire qui vous permet de créer des tatouages ​​personnalisés et d'apparence authentique qui durent 1 à 2 semaines. Les possibilités sont infinies en ce qui concerne les tatouages, tout comme les idées en ce qui concerne la Saint-Valentin. Vous pouvez obtenir des cœurs assortis avec les initiales de vos proches à l'intérieur, ou un bébé Cupidon tenant une flèche d'amour, une seule rose, ou aller jusqu'au bout pour que leur nom complet soit écrit afin que tout le monde sache qu'ils sont à vous. Quoi qu'il en soit, vous obtenez le point, explorez maintenant des centaines d'idées avec Inkbox! Ce sera un cadeau que personne n'oubliera, même lorsque le tatouage finira par disparaître.
Boutique Inkbox

SanDisk

Quelle est la chose la plus importante dans une relation? Souvenirs. Sandisk doit être l'une des sociétés de mémoire flash les plus connues à ce jour, en raison de la fiabilité et de la praticité de leurs produits. Quand il s'agit de capturer les souvenirs qui composent votre vie, vous ne voulez pas tenter votre chance avec un produit de qualité inférieure. Sandisk offre des transferts à grande vitesse, une résistance aux intempéries, une résistance aux chocs et une taille compacte pour rendre tous vos efforts de capture de mémoire plus faciles et plus fiables. Ne lâchez pas vos souvenirs avec votre bien-aimé et récupérez l'un de nos produits Sandisk préférés, le SSD externe portable SanDisk 1 To Extreme!
Acheter SanDisk

CreativeLive

Le don de connaissances peut être l'un des cadeaux les plus significatifs que vous puissiez faire. Il peut faire avancer une carrière, changer une vie et, surtout, il restera avec vous pour toujours. Si vous voulez montrer à votre Valentin que vous y êtes investi, cela pourrait vraiment transmettre ce message. CreativeLive propose une gamme de cours de photo / vidéo et plus encore, donnant au créateur une immense quantité d'informations sur la façon de perfectionner sa pratique. Disponible maintenant est le Creator Pass à 39 $ / mois ou 149 $ / an qui vous permet de diffuser plus de 1500 de leurs classes à tout moment et n'importe où. Nourrissez le cerveau de votre Valentine avec un Creator Pass!
Achetez CreativeLive

Adobe Photoshop Elements

Cela peut sembler une évidence, car c'est un aliment de base de l'industrie, mais votre Valentine pourrait vraiment apprécier que vous preniez cet onglet pour un outil nécessaire. Adobe Photoshop Elements est disponible au prix de 9,99 $ par mois, un petit onglet à récupérer pour quelqu'un qui utilisera ce logiciel de retouche photo au quotidien s'il est un photographe occupé. Si vous cherchez ce cadeau présent, je sais qu’ils utiliseront tout le temps, voici votre choix! De plus, si vous pensez qu'ils vont s'étendre au-delà de Photoshop Elements, vous pouvez toujours les mettre à niveau vers Adobe Creative Cloud pour 50 $ / mois, ce qui leur donne accès à tous les programmes Creative Cloud, y compris (mais sans s'y limiter) Photoshop CC, inDesign CC, Illustrator CC, etc. Peut-être que votre Valentin vous rendra la pareille avec quelques photos de vous deux!
Achetez Adobe Photoshop Elements

Pour la Saint-Valentin, changez un peu et essayez un cadeau plus personnel pour celui qui vous intéresse. Les chocolats et les roses sont toujours beaux, mais en obtenant un cadeau qu'ils utiliseront pendant longtemps, cela montrera non seulement un témoignage spécial de votre appréciation, mais ce sera également quelque chose dont ils se souviendront pour toujours. La Saint-Valentin est une occasion amusante et spéciale de répandre l’amour, et avec une nouvelle année, une nouvelle approche pourrait être exactement ce dont nous avons tous besoin. Joyeuse saint Valentin!

Note de l'éditeur: ce message contient des emplacements sponsorisés.

10 cadeaux photo pour amener votre amoureux (ou vous-même) le jour de la Saint-Valentin

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La Saint-Valentin, ou la fête de la Saint-Valentin, est largement célébrée à l’occasion de montrer l’amour et l’affection à ceux qui vous sont chers. Pendant cette période de l'année, les cadeaux du V-Day sont achetés avec impatience dans l'espoir que les «signes d'amour» offriront une sorte de compassion, de bonheur et même de romance pour les couples. Bien qu'il y ait des moments où une boîte de chocolats, des dizaines de roses et un ours en peluche surdimensionné peuvent être un bon régal à recevoir ou même à vous procurer, mais les cadeaux du V-Day ont augmenté de nos jours et il y a des façons plus personnelles d'offrir en ciblant leurs (vos) intérêts personnels! Par exemple, parlons des nombreuses possibilités offertes aux photographes pour les cadeaux du V-Day. Vous trouverez ci-dessous dix cadeaux qui pourraient attirer votre attention et vous faire commander «avec amour» dès aujourd'hui!

ProDPI

Une image imprimée est un rappel constant de vos meilleurs souvenirs et des connexions que la vie apporte. Que vous ayez une collection de photographies à afficher ou simplement cette image chérie, les cadres ProDPI présenteront vos photos dans un style inoubliable. Avec des collections allant des finitions modernes et minimales aux finitions en bois riches et naturelles, chaque photographie trouvera une maison.

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Topo Designs

Chaque photographe passionné comprend qu'une bonne courroie d'appareil photo sauvera la vie de son appareil photo. Quelle meilleure façon de dire «je suis coincé sur toi» qu'avec une sangle d'appareil photo robuste? La toute dernière chose que quiconque possède un appareil photo veut, c'est de le laisser tomber, et ces sangles assureront une prise sûre et sécurisée, tout comme votre amour. Fabriquées à la main dans le Colorado, les bretelles Topo Designs sont légères, mais très résistantes. Ils viennent dans une variété de couleurs, de textures et de designs, avec une touche rustique parfaite. Vous ne trouverez pas un bracelet comme ceux-ci ailleurs en raison de leur savoir-faire unique, et il sera sûr de faire le meilleur ajout absolu à votre cadeau V-Day!

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TogTees

Tog Tees, un rêve devenu réalité pour les photographes qui souhaitent porter leur amour de la photographie sur leur manche (jeu de mots voulu)! Avec leur récente sortie de Tog Tee Hoodies, vous pouvez maintenant continuer à faire du sport photo par une froide nuit de 14 février. Tog Tees fait vibrer des tonnes de designs dans son arsenal. Certains de nos favoris incluent les conceptions d'appareil photo vintage, Japan Camera Tee et ISO 800. Cependant, Tog Tees ne s'est pas arrêté là, vous pouvez également copier des chapeaux, des tasses, des autocollants, des dessous de verre, des épingles et bien plus pour pouvoir assembler un panier complet de cadeaux pour votre passionné de photo, Valentin.

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LumeCube

Si vous cherchez quelque chose qui pourrait être livré dans quelque chose d'aussi délicat qu'une boîte à bijoux, LumeCube 2.0 sera votre choix! Cependant, vous ne trouverez rien de délicat dans cette boîte cadeau, Lube Cube est un puissant outil d'éclairage qui possède ses capacités imperméables et résistantes aux chutes. Sans parler de sa capacité à résister à toutes les conditions environnementales, il est donc à peu près aussi fort que votre amour pour votre Valentin. Il est également adaptable! Associez votre LumeCube avec n'importe quel appareil photo, smartphone ou drone pour éclairer vos plus beaux souvenirs.

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Mophie

Dites-vous à Valentine que votre amour est comme le lapin énergisant, grâce à cet élégant étui de chargement pour iPhone créé par Mophie. Avec la possibilité d'alimenter un iPhone en 31 heures de conversation, 18 heures de visionnage de vidéos et 16 heures d'utilisation d'Internet, vous pourriez dire «mon amour pour vous est presque aussi éternel que la batterie de mon iPhone. Sans oublier, vous ne voulez pas courir le risque de ne pas pouvoir joindre votre bien-aimé, même si vous appelez juste pour dire «je t'aime».

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Moment

Moment a attiré l'attention de nombreux Instagrammers et pourrait également attirer l'attention de votre passionné de photo. Si vous n'avez pas encore compris l'engouement, Moment se concentre sur les systèmes d'objectifs pour appareils photo mobiles, spécifiquement compatibles avec les derniers appareils Apple, Google, Samsung et OnePlus. Moment est particulièrement fier de leur conception simple à torsion et verrouillage qui permet des changements d'objectif rapides et fluides. La qualité des verres a été reconnue par les créateurs du monde entier. Bien sûr, Moment sait qu'une bonne photo ne se termine pas avec un bon objectif, ils ont donc créé de nombreux accessoires, y compris des lumières, des filtres, des cardans, des sangles, des sacs et plus encore.

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Vous avez toujours voulu dire à votre bien-aimé que vous vous y êtes engagé … de façon semi-permanente? C'est possible maintenant avec Inkbox, une entreprise révolutionnaire qui vous permet de créer des tatouages ​​sur mesure et authentiques qui durent 1 à 2 semaines. Les possibilités sont infinies en ce qui concerne les tatouages, tout comme les idées en ce qui concerne la Saint-Valentin. Vous pouvez obtenir des coeurs assortis avec les initiales de vos proches à l'intérieur, ou un bébé Cupidon tenant une flèche d'amour, une seule rose, ou aller jusqu'au bout pour obtenir leur nom complet écrit afin que tout le monde sache qu'ils sont à vous. Quoi qu'il en soit, vous obtenez le point, explorez maintenant des centaines d'idées avec Inkbox! Ce sera un cadeau que personne n'oubliera, même lorsque le tatouage finira par disparaître.

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SanDisk

Quelle est la chose la plus importante dans une relation? Souvenirs. SanDisk doit être l'une des sociétés de mémoire flash les plus connues à ce jour, en raison de la fiabilité et de la praticité de leurs produits. Quand il s'agit de capturer les souvenirs qui composent votre vie, vous ne voulez pas tenter votre chance avec un produit de qualité inférieure. SanDisk offre des transferts à grande vitesse, une résistance aux intempéries, une résistance aux chocs et une taille compacte pour rendre tous vos efforts de capture de mémoire plus faciles et plus fiables. Ne lâchez pas vos souvenirs avec votre bien-aimé et récupérez l'un de nos produits SanDisk préférés, le SSD externe portable SanDisk 1 To Extreme!

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CreativeLive

Le don de connaissances peut être l'un des cadeaux les plus significatifs que vous puissiez faire. Il peut faire avancer une carrière, changer une vie et, surtout, il restera avec vous pour toujours. Si vous voulez montrer à votre Valentin que vous y êtes investi, cela pourrait vraiment transmettre ce message. CreativeLive propose une gamme de cours de photo / vidéo et plus encore, donnant au créateur une immense quantité d'informations sur la façon de perfectionner sa pratique. Disponible maintenant est le Creator Pass à 39 $ / mois ou 149 $ / an qui vous permet de diffuser plus de 1500 de leurs classes à tout moment et n'importe où. Nourrissez le cerveau de votre Valentine avec un Creator Pass!

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Adobe Photoshop Elements

Cela peut sembler une évidence, car c'est un aliment de base de l'industrie, mais votre Valentine pourrait vraiment apprécier que vous preniez cet onglet pour un outil nécessaire. Adobe Photoshop Elements est disponible au prix de 9,99 $ par mois, un petit onglet à récupérer pour quelqu'un qui utilisera ce logiciel de retouche photo au quotidien s'il est un photographe occupé. Si vous cherchez ce cadeau présent, je sais qu’ils utiliseront tout le temps, voici votre choix! De plus, si vous pensez qu'ils vont s'étendre au-delà de Photoshop Elements, vous pouvez toujours les mettre à niveau vers Adobe Creative Cloud pour 50 $ / mois, ce qui leur donne accès à tous les programmes Creative Cloud, y compris (mais sans s'y limiter) Photoshop CC, inDesign CC, Illustrator CC, etc. Peut-être que votre Valentin vous rendra la pareille avec quelques photos de vous deux!

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Pour la Saint-Valentin, changez un peu et essayez un cadeau plus personnel pour celui qui vous intéresse. Les chocolats et les roses sont toujours beaux, mais en obtenant un cadeau qu'ils utiliseront pendant longtemps, cela montrera non seulement un témoignage spécial de votre appréciation, mais ce sera quelque chose dont ils se souviendront pour toujours. La Saint-Valentin est une occasion amusante et spéciale de répandre l’amour, et avec une nouvelle année, une nouvelle approche pourrait être exactement ce dont nous avons tous besoin. Joyeuse saint Valentin!

La photographie de film est une forme de rébellion créative et je l'adore

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La photographie de film ne signifie probablement pas grand-chose pour la plupart des gens, mais pour certains, c'est une rébellion créative passionnante et bien nécessaire de la mouture numérique.

Quand j'ai rejoint photographie de film il y a une dizaine d'années, je ne m'attendais pas honnêtement à ce qu'elle se développe beaucoup. La plupart du monde semblait avoir quitté les stocks de films, et les appareils photo n'étaient plus que des souvenirs vintage de l'histoire de la photographie. J'obtenais des regards étranges chaque fois que les gens découvraient que je tournais avec un appareil photo argentique. Nous étions considérés comme un tas de inadaptés ou de hipsters, comme l'était la misérable étiquette. Mais, plus je m'y plongeais, plus je voyais clairement ce que le tournage signifiait pour ceux qui le faisaient: c'est une forme de rébellion créative dans un monde qui privilégie la perfection.

Je ne suis pas nouveau dans le tournage de films. J'appartiens peut-être à la dernière génération capable de le vivre dès son plus jeune âge. Je me souviens encore du rappel strict de ma mère chaque fois qu’elle me tendait un nouveau rouleau de film: ne le gaspille pas. En 2009, je me suis retrouvé à raviver ma relation avec la photographie argentique, amoureux d'un appareil photo argentique après l'autre, à commencer par un Holga multicolore pour le format moyen et un Nikon FE2 pour le 35 mm. À ce jour, j'ai tourné (et gaspillé) plus de rouleaux que je ne pouvais en avoir à l'apogée du film. Peut-être pour me réconforter et justifier la façon dont j'ai tourné à l'époque, j'ai finalement choisi de ne pas y voir du gaspillage de film; J'apprenais la photographie d'une manière qui m'était la plus accessible. Je ne pouvais pas me permettre un reflex numérique à l'époque, donc la route du film – peu pratique et désuète pour la plupart – était la prochaine meilleure chose. Surtout, ça avait l'air amusant, et j'étais fasciné par les différents types de résultats et de techniques à explorer.

Lomography et le mode de vie analogique

Comme de nombreux photographes de cinéma qui ont découvert le médium au cours de la dernière décennie, j'ai trouvé un regain d'intérêt pour le tournage de films à travers la Lomography et son approche ludique et souvent expérimentale. Cela m'a fait regarder différemment le médium apparemment dépassé et penser différemment à la façon dont la photographie peut être abordée. Pour moi, cela a enlevé beaucoup de pression pour obtenir des photos parfaites à chaque prise de vue. C'est ce qui m'a permis de tirer beaucoup et d'apprendre avec impatience dans le processus. Je n'ai pas plus tôt réalisé que son soi-disant style de vie analogique invitait les créatifs à abandonner la perfection et les détails techniques extrêmes lors du tournage. Son attrait réside dans le fait d'embrasser des résultats non conventionnels, de faire quelque chose à partir d'erreurs et d'accidents heureux, et d'adapter le look au film. Je ne sais pas pour vous, mais cela ressemble à une rébellion créative pour moi, en particulier à un moment où Photoshopping, les filtres Instagram et «Je vais juste le réparer en post» sont devenus la norme.

La lomographie a contribué à la résurgence de la photographie argentique et à sa renommée en tant que média alternatif pour la photographie créative. Même si certains peuvent ne pas aimer ou même détester pour tous ses trucs "fantaisistes", nous ne pouvons pas ignorer qu'une grande partie des photographes de cinéma d'aujourd'hui a découvert et développé un amour pour le cinéma après avoir découvert Lomography. Cela rendait le médium beaucoup moins intimidant et faisait ressortir le côté amusant et expérimental de la photographie.

Développer la créativité en adoptant les imperfections

Il est facile de voir comment la photographie numérique est arrivée à la perfection comme elle le fait aujourd'hui. Les progrès technologiques signifient l'adaptation aux besoins et aux caprices de l'industrie. Cela devrait rendre tout plus rapide, plus facile et plus pratique. Les résultats doivent toujours être parfaits avec si peu d'effort. Certains réducteurs peuvent même dire, si ce n'est pas le plus récent et le plus grand, quel est l'intérêt d'obtenir un appareil photo numérique?

Mais, avec la photographie argentique et d'autres processus photographiques traditionnels, nous avons quelque chose qui a déjà résisté à l'épreuve du temps. Les méthodes nous donnent plus d'options créatives en ce qui concerne les résultats que nous voulons. Rien n'a remplacé l'apparence des processus de collodion humide comme les tintypes, c'est pourquoi il y a encore studios de type et des photographes comme Markus Hofstaetter conduit à le garder en vie et à nous y exposer. Les photos de films peuvent avoir de nombreux regards différents, mais elles auront toujours une qualité rêveuse et nostalgique parfaite pour la photographie émotive et cinématographique. Le film en noir et blanc, dans toute sa splendeur granuleuse et dramatique, dégagera toujours intemporalité et granularité dans les photographies de rue.

La disponibilité et l'accessibilité continues des stocks de films aujourd'hui signifie simplement que nous avons plus d'options pour étendre notre créativité en adoptant des supports alternatifs, aussi imparfaits soient-ils. Les procédés photographiques traditionnels sont loin d'être parfaits par rapport aux normes actuelles, mais ils ont encore quelque chose à offrir. Les garder en vie signifie simplement que nous maintenons le choix d'exploiter ce que nous pouvons en tirer.

C'est bien loin du cinéma et du numérique maintenant

Je ne tourne pas de film avec l’esprit qu’elle est supérieure à la photographie numérique. L'argument du film contre le numérique est désormais bien trop exagéré. La réponse comporte des avantages et des inconvénients, et chacun fait appel à son propre public. J'adore le fait que le film soit là pour permettre aux gens de ralentir et d'explorer d'autres approches de la photographie créative.

La photographie de film a une mauvaise réputation à cause des hipsters, mais je ne laisse pas cela décourager moi ou d'autres personnes qui ont un véritable intérêt à l'essayer. Croyez-le ou non, il y a vraiment des gens qui veulent vraiment tourner des films parce qu'ils aiment les résultats et l'expérience. Les gens se tournent vers elle quand ils veulent ralentir leur mode de vie et de création rapide. J'ai remarqué que de plus en plus d'entre eux sont des jeunes qui n'ont même jamais détenu un point de tournage et tourné un appareil photo jusqu'à ce qu'ils en achètent un par curiosité. Je suis vraiment excité à ce sujet non seulement parce qu'il aide à garder le film en vie, mais aussi parce qu'il est toujours un support pertinent et légitime pour l'expression créative.

Vous pouvez préférer la commodité du numérique à la lenteur du film. Peut-être que vous voyez la photographie de film comme rien de plus qu'une nouveauté frivole. Vous pouvez même vous moquer de chaque photographe qui hashtags fièrement les publications Instagram avec #filmisnotdead ou #believeinfilm. Mais vous ne pouvez pas nier qu'il a encore une place parmi les photographes aujourd'hui. Cela reste un appel créatif, tout comme les illustrateurs et les artistes visuels ramassent toujours de vrais pinceaux, peintures et papier sur une tablette graphique qui fait tout. Tout comme Quentin Tarantino, Christopher Nolan, J.J. Abrams et d'autres réalisateurs de renom utilisent encore des films pour leurs chefs-d'œuvre cinématographiques. Tout comme de nombreux musiciens qui proposent leurs derniers et plus grands succès sous forme de disques vinyle jouables et de collection aujourd'hui. Tous ces éléments incarnent à la fois la rébellion créative et le choix créatif, et j'adore ça.

Cet article est apparu pour la première fois et a été fourni par nos partenaires de The Phoblographer.

Saviez-vous que ces cinq célébrités sont aussi des photographes compétents?

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Loin de leur statut de superstar, ces noms bien connus sont également des photographes de célébrités.

Vous les avez vus dans des films, entendu leurs disques à succès et regardé leurs divertissements hallucinants, mais avez-vous vu leurs photographies? Loin des paillettes et du glamour du style de vie des célébrités, certaines personnes célèbres aiment prendre un appareil photo et créer des photographies. Nous ne parlons pas non plus de Brooklyn Beckham – vous savez, le jeune qui a eu un concert avec Burberry sans à peine sortir de l'automobile? Non, nous parlons de personnes qui, parallèlement à leur carrière réussie, connaissent clairement une ou deux choses pour faire une bonne image. Découvrez-les ci-dessous.

Le candidat aux Oscars à sept reprises, Jeff Bridges, est la royauté hollywoodienne. Mais, quand il n'agit pas ou ne produit pas de scènes, on peut le trouver éloigné de l'équipe, documentant tout ce qui se passe sur le plateau. Il n'est pas non plus du genre à utiliser un appareil photo traditionnel. Son arme de prédilection est un Widelux, un appareil photo panoramique à objectif oscillant qui a été produit au Japon dans les années 1950. L'appareil photo – et Jeff – ont créé des photos au look sympa qui incluent George Clooney, Katie Holmes et Meryl Streep. Nous admirons la passion de Jeff pour le métier et le remercions de nous avoir offert un look franc dans les coulisses d'Hollywood.

Nikki Sixx est l'un des membres fondateurs de Motley Crue. Il est également très franc sur son rétablissement de la dépendance. En fait, il s'est lancé dans une nouvelle dépendance non destructive: la photographie. Mis à part les records à succès, la photographie de portrait est sa confiture, et il a pu transférer sa créativité sombre à ses photographies. Ses créations de style gothique explorent les profondeurs de l'esprit humain et notre relation avec le côté énervé de la vie. Sixx est un jeu de tir Leica. En 2017, il s'est associé à la marque de luxe allemande pour sortir une édition limitée "Nikki Sixx" Leica Q. Mais cet homme n'est pas seulement un acte de nouveauté, il est extrêmement compétent avec un appareil photo, et nous respectons sa nouvelle «habitude».

Pour nos lecteurs du monde entier, Derren Brown est une énorme star au Royaume-Uni. Il est connu pour sa capacité à lire dans les esprits, à hypnotiser et à faire des tours de magie fous. Mais, à la surprise de beaucoup, il a aussi une profonde passion pour Photographie de rue. En 2018, il a sorti son premier livre photo, Rencontrez les gens avec amour. Le livre contient quatre années de travail et est une collocation d’images en noir et blanc sincères. La communauté de la photographie de rue était prête à appuyer sur la gâchette, s'attendant à le claquer pour avoir profité de sa renommée. Cependant, de nombreux tireurs de rue ont été agréablement surpris, car Brown a livré une solide série de récits et de photographies de rue esthétiques.

Helena Christensen s'est fait un nom dans les années 90. Mannequin professionnelle, elle a fait la couverture de Vogue, Elle et Harper's Bazzar. Christensen a passé beaucoup de temps autour des caméras, et son expérience d'être devant eux l'a inspirée à se mettre derrière eux. La modélisation n'est pas facile; il en faut plus qu'un joli visage. Ce qui est clair, c'est que Christensen a transféré sa propre expérience pour aider ses sujets à se sentir à l'aise lorsqu'elle les photographie. Le résultat? Un portfolio qui appartient à la catégorie professionnelle et qui lui a valu de figurer dans des galeries et des publications du monde entier.

5. Jessica Lange

Jessica Lange a remporté deux Oscars, trois Emmy’s et un Tony Award. Elle est l'une des 13 actrices à avoir réalisé ce qu'elles appellent «La triple couronne d'acteur». Mais au lieu de nous concentrer sur cela, nous voulons souligner le fait qu'elle a également publié trois albums photo. Lange possède un énorme catalogue de photographies de style documentaire qui ne seraient pas déplacées dans une collection Magnum. Elle crée des images sombres, granuleuses, noir et blanc qui trouvent leur beauté dans leur robustesse. Son livre photo, Mexique, vaut bien le détour. C’est une exploration de 15 ans du pays latino-américain.

Quels photographes célèbres aimez-vous?

Mis à part les cinq ci-dessus, quel travail aimez-vous chez les personnes qui ont acquis leur renommée ailleurs? Faites-nous savoir quelles célébrités sont plus qu'un simple poney en un tour dans les commentaires ci-dessous.

Les images sont des captures d'écran d'Instagram et de Wiki

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Pour ajouter ou soustraire – Une introduction créative

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Bien que les créatifs aient concentré leurs efforts sur les médias sociaux et virtuels, les produits en papier restent le moyen de présentation dominant pour les spécialistes du marketing et les créatifs. Malgré des déclarations cohérentes dans l'actualité selon lesquelles «l'impression est morte», un rapport de 2019 de PG Paper indique que la consommation mondiale de papier a en fait ressuscité de 2,5% au cours des quatre dernières années. Par conséquent, il est plus important que jamais que les créatifs apprennent l'une des bases du design: la couleur additive et la couleur soustractive.

Utilisation des couleurs: quelques notions de base

L'une des premières choses que les créateurs professionnels apprennent généralement est le fonctionnement de la couleur, et cette couleur d'impression est très différente de celle de la couleur d'affichage. Lorsque les appareils intelligents, tablettes et autres appareils électroniques utilisent des palettes de couleurs basées sur les couleurs primaires de la lumière (rouge, vert et bleu), les imprimés nécessitent une connaissance des couleurs primaires de l'impression (cyan, magenta, jaune et noir). Comprendre la différence de couleurs primaires est une base fondamentale pour toute conception.

Ajouter ou soustraire?

Lors de la conception de mises en page d'impression, il est important de comprendre non seulement ce qu'est la couleur additive et soustractive, ni quand l'utiliser réellement. Autrement dit, les termes sont exactement ce qu'ils impliquent – les couleurs additives sont le résultat de l'ajout de pigments à une couleur de base puis appliqués à un substrat, qui absorbe le liquide, ce qui donne l'image. Aux fins d'impression, les encres liquides sont de nature additive car elles doivent être mélangées et mélangées pour obtenir une couleur, soit en mélangeant les encres liquides réelles en termes de tons directs, soit par le biais du procédé offset quadrichromie. Le même principe s'applique aux imprimantes à jet d'encre numériques et à la sublimation des colorants, bien que ces imprimantes nécessitent une méthode d'application différente en raison de l'absorption du colorant appliqué sur le substrat.

Gros plan d'une demi-teinte quadrichromie.

Lorsque les encres et les colorants se mélangent, soit optiquement, soit par absorption ou mélange physique, les couleurs et les images souhaitées sont obtenues. Le processus de décalage de quatre couleurs nécessite un soin et une diligence particuliers dans les mises en page, ainsi qu'un examen approfondi pour garantir que l'alignement des couleurs, également connu sous le nom d'enregistrement, est précis. Même un écart d'un demi-millimètre dans le repérage peut entraîner une image de mauvaise qualité ou un changement de couleur.

Les couleurs soustractives sont généralement observées dans les imprimantes et les périphériques de sortie qui utilisent des colorants ou des toners secs pour obtenir les couleurs et les images souhaitées. Le colorant est appliqué sur le substrat en couches car il ne peut pas être absorbé, mais est plutôt fondu ou fondu (d'où le terme d'équipement «fuser») sur le support. L'enregistrement est toujours essentiel dans ce processus, en particulier lorsque la découpe et le pliage du produit sont nécessaires. L'un des défis de la couleur soustractive pour les professionnels du design est de savoir comment elle se traduit sur les supports imprimés.

Quatre couleurs primaires de toner (dans le sens des aiguilles d'une montre) Cyan, noir, jaune et magenta.

Quand l'utiliser

Lorsque la couleur additive a tendance à se traduire sur un support imprimé avec des couleurs plus fidèles à l'écran de conception, la sortie couleur soustractive peut varier considérablement selon le fabricant de l'imprimante, car la sortie couleur dépend fortement des paramètres de chaleur de l'unité de fusion. De plus, la couleur soustractive est incompatible avec la thermographie (impression en relief) et a également tendance à être beaucoup plus difficile à faire correspondre avec précision lors de l'utilisation de palettes personnalisées telles que Pantone. De plus, des unités de fusion mal calibrées peuvent entraîner un décollement du toner et des bourrages. Cependant, les systèmes de sortie couleur soustractifs ne nécessitent pas de temps de séchage, pas de ressuage, un coût inférieur et une interface conviviale.

Les couleurs additives, qui entraînent généralement une sortie écran sur support plus précise, souffrent de problèmes tels que le ressuage, le temps de séchage et les coûts d'exploitation élevés. De plus, ce support nécessite des types d'imprimantes spécifiques, généralement des presses offset, qui doivent être gérées par des opérateurs de presse qualifiés qui ont généralement besoin d'années de formation pour pouvoir produire efficacement des documents imprimés de haute qualité. Enfin, alors que la plupart des imprimantes ont accès à des encres à base de soja et à base de plantes respectueuses de l'environnement, de nombreux travaux de conception nécessitent des supports traditionnels peu respectueux de l'environnement qui sont à la fois coûteux à obtenir et doivent être éliminés en utilisant des protocoles de matériaux dangereux.

Au final, le choix de la couleur additive ou soustractive est du ressort du client, mais il appartient au concepteur de connaître les supports nécessaires pour avoir un contrôle qualité optimal. Apprendre les pratiques les plus avancées derrière ces théories est une bonne pratique pour tout designer ou professionnel de la création.

Les mémoires ne sont pas seulement pour les écrivains, ils le sont pour chaque création

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Lorsque quelqu'un choisit d'écrire un mémoire, une réflexion détaillée entre dans le contenu de sa pièce. Le temps qu'il faut pour terminer un mémoire varie selon chaque individu. Les mémoires peuvent prendre des années pour certains, des mois pour d'autres, voire des semaines pour des écrivains plus rapides. L'une des choses les plus difficiles à écrire dans un mémoire est de choisir la mémoire à utiliser comme base. Imaginez, en regardant dans votre fichier de souvenirs et en avoir à choisir un sur lequel vous concentrer. Intense, non? La vérité est que les mémoires peuvent être difficiles à écrire, mais au final ça vaut le coup. Il faut du courage pour écrire un mémoire, car il expose des événements qui ont changé la vie dans la vie de quelqu'un et qui ont contribué à les façonner qui ils sont aujourd'hui. Tout, du traumatisme à la pauvreté, à l'abandon de la maladie et même au chagrin causé par la perte, sont tous des points focaux communs des mémoires. Cela ne signifie pas que les mémoires sont entièrement axés sur le négatif, mais peut-être que le plus grand élément de la transformation en de meilleures versions de soi-même est de surmonter d'abord la douleur.

Quel que soit le thème, chaque mémoire est important. Voici 5 à considérer, et ils ne sont pas tous originaires du milieu des écrivains.

Prenez par exemple la photographe primée, Sally Mann. Elle a écrit ses mémoires en s'inspirant de trouver de vieilles photos de famille et des papiers qui expliquaient des histoires de scandale et de curiosité inconnues. Ces photographies ont déclenché le désir de Mann de raconter une histoire et ses mémoires améliorées de photographie sont aujourd'hui considérées comme une lecture inspirante pour les autres écrivains et photographes désireux de se tourner vers lui. Quiconque entend leur passion les appeler comme une sirène, le ressent dans leurs reins, mais a du mal à le trouver, se rapportera à ce mémoire à un niveau immense.

Nos prochains mémoires proviennent de Joan Didion, une romancière de renom ayant écrit plusieurs livres à succès au cours de sa carrière. «L'année de la pensée magique», un livre à succès, plonge dans le monde du traitement du deuil après le décès de quelqu'un que vous aimez. Ce mémoire est considérablement l'une des meilleures sélections pour ceux qui pleurent une perte et essaient de surmonter ses ombres.

Ce prochain mémoire a été écrit par Patti Smith, une musicienne des années 60 et 70 basée à New York. Juste des enfants parle surtout de sa jeune relation avec le photographe Robert Mapplethorpe avec une touche poétique. Il a remporté un National Book Award pour son approche non conventionnelle et sa créativité.

Philip Glass, un compositeur minimaliste bien connu de la musique a écrit Mots sans musique décrit un éventail de composants influents dans sa vie, allant de la musique à des voyages de New York à Paris en Inde. Pour l'écrivain new age qui cherche à capturer la façon dont les vagues créatives peuvent transformer la vie de chacun, ce mémoire est un must absolu. Après tout, la musique nourrit l'âme et lire les paroles d'un musicien sans musique peut vous inspirer une méga inspiration.

Notre dernier mémoire à l'honneur vient d'Oscar Niemeyer, un architecte qui a remporté un prix Pritzker pour son travail pendant plus de soixante ans. Basé au Brésil, les mémoires non linéaires de Niemeyer donnent un aperçu de la façon dont le cadre et l'histoire vont de pair. Il explique comment la politique, la philosophie et les passions (y compris la famille et les proches) ont façonné son architecture et son mode de vie. Ce pionnier du «modernisme» a beaucoup de matière à réflexion à partager avec vous et ce mémoire ne vous décevra pas.

Que vous soyez photographe, musicien, compositeur, architecte ou romancier, tout créateur peut rédiger un mémoire. Nous vivons à une époque où les idéaux d'avoir une formation professionnelle pour écrire un mémoire ne limitent pas les gens qui veulent en écrire un. Ces cinq mémoires ne sont que quelques-unes des nombreuses œuvres inspirantes à envisager pour la lecture.

Cet article a été écrit avec inspiration / références à ces articles:

https://www.creativelive.com/blog/10-creative-memoirs/

Dix grands couchers de soleil du sud

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S'il y a une chose pour laquelle le sud-est des États-Unis est célèbre, ce sont les couchers de soleil. Peut-être que seule la côte du Pacifique a des vues plus spectaculaires au crépuscule, et les photographes à la recherche de ce moment magique auraient du mal à trouver une région plus remplie de lieux incroyables pour capturer une image éblouissante. Pourtant, certains endroits offrent des opportunités incroyablement belles pour des photos de coucher de soleil qui transforment un clic de l'obturateur en véritable art. Voici dix endroits à considérer sérieusement:

Birmingham, Alabama

Nichée dans les contreforts occidentaux extrêmes des Appalaches, The Steel City of the South offre certaines des vues les plus spectaculaires au sommet des montagnes pour les couchers de soleil. Vulcan Park, dans le sud du centre-ville, et la région de Trussville, près de l'aéroport de la ville, offrent de superbes photos. La photographie des heures d'or est particulièrement brillante à l'automne, lorsque le feuillage à couper le souffle de l'Alabama commence à s'installer.

Fort Mountain, Géorgie

Ce parc d'État a des vues cristallines à son sommet où l'on peut capturer des images au-dessus des nuages ​​tout en surplombant les terres agricoles du nord-ouest de la Géorgie. Au coucher du soleil, ce parc particulier combine le meilleur de la montagne avec le meilleur du ciel, créant une véritable expérience «paradis sur terre». L'entrée à ce parc peut être achetée en ligne sur le site Web des parcs d'État de Géorgie, avec des campings et des chalets disponibles pour les créatifs qui souhaitent le faire.

Miami Beach, Floride

Quiconque a regardé des films et des séries télévisées à Miami au cours de la dernière décennie comprendra comment la plus grande ville du sud de la Floride offre une silhouette éblouissante au coucher du soleil. Au bon moment, les photographes peuvent, depuis une position sur West Avenue face à la baie de Biscayne le long de Miami Beach, capturer une imagination magique du soleil couchant dans l'horizon ou le long de South Beach, l'un des décors les plus emblématiques d'Hollywood.

Savannah, Géorgie

Les bâtiments historiques de Savannah ont une manière de refléter la lumière du coucher du soleil qui ne peut être décrite que comme élégante. Cette ville, autrefois capitale coloniale, offre une variété de superbes couchers de soleil, l'un des plus beaux couchers de soleil derrière le pont Eugene Talmadge, qui relie la Caroline du Sud. D'autres opportunités incluent les couchers de soleil le long des voies navigables, le centre-ville le long de River Street depuis le côté Caroline du Sud de la rivière Savannah, et diverses fermes et champs entourant la ville.

Nashville, Tennessee

Music City n'est généralement pas associé à la photographie au coucher du soleil, mais son horizon unique offre aux photographes la possibilité de capturer des images époustouflantes. L'un des bâtiments les plus emblématiques de la ville, AT&T Plaza (ou, comme les habitants le surnomment, le «Batman Building»), offre des scènes éblouissantes à capturer par les créatifs.

Gatlinburg, Tennessee

Aucune liste de coucher du soleil du sud n'est complète ou crédible sans un clin d'œil aux Great Smoky Mountains. Gatlinburg est à l'extrémité ouest de cette zone et, malgré son atmosphère touristique, offre des vues spectaculaires au crépuscule. Alors que Johnson City à l'est et Chattanooga à l'ouest ont des vues élevées, Gatlinburg a deux choses importantes à faire: un feuillage magnifique pour peindre le sol et un manque remarquable de pollution lumineuse.

Nouvelle-Orléans, Louisiane

Le Big Easy a un vaudou sérieux qui lui donne certains des couchers de soleil les plus incroyables du sud. La lumière du crépuscule confère à cette ville légendaire une magie supplémentaire, qui ne fait que renforcer la réputation de Crescent City en tant que haut lieu de la photographie. Les photos de silhouette mettant en vedette le Superdome sont à la mode, mais creuser dans l'histoire de la ville offrira des rappels étonnants mais sombres de la mesure dans laquelle cette ville a parcouru après la dévastation provoquée par l'ouragan Katrina.

Clearwater Beach, Floride

Constamment classée parmi les meilleures plages du monde, cette île de la région de Tampa Bay est une destination de classe mondiale authentique pour les photographes. La lumière du soleil dansant sur les vagues du golfe, combinée avec des silhouettes de bateaux et le touriste occasionnel en maillot de bain fournit des photos incroyables pour ceux qui recherchent des photos de qualité magazine. Il est également considéré comme l'un des lieux de coucher de soleil les plus emblématiques de la Floride.

Atlanta, Géorgie

La capitale de l'État de Géorgie offre d'immenses possibilités de coucher de soleil, allant du sommet du Westin Peachtree Hotel (un véritable restaurant sur le toit en rotation), à l'est de Stone Mountain, où les photographes peuvent souvent obtenir des photos spectaculaires de la ville. Dans la ville, des photos réfléchissantes peuvent être prises à divers endroits, allant de la gare de l'Atlantique à l'extrémité nord, à Georgia Tech à Midtown, au parc olympique Centennial près du célèbre quartier des cinq points. Et n'oubliez pas de prendre une photo du «V» rouge éclairé depuis le point de repère de Varsity Drive-In, situé juste à côté de la I-75/85 sur North Avenue.

Saint-Pétersbourg, Floride

«L'autre moitié» de la région de Tampa Bay, le Sunshine Skyway Bridge de Saint-Pétersbourg est le véritable joyau photographique de la Floride. Considéré comme le pont emblématique de l'État, «la Skyway», comme l'appellent les habitants, il offre des opportunités absolument magiques au coucher du soleil, à la fois en silhouette et en forme éclairée. Pour couronner le tout, la jetée de pêche Skyway, la plus longue et la plus haute du monde, s'étend sur près de 3 km dans les rives extérieures de Tampa Bay et offre une photographie du coucher de soleil dégagée qui rivalise avec Clearwater Beach.

Du papier à l'iPad – un aperçu de l'évolution des médias depuis les années 1990

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Les créations d'aujourd'hui ont d'immenses avantages technologiques avec un logiciel capable de prendre des images et du texte, les transformant en tout, des pages de magazine à la vidéo animée. Pour apprécier ces technologies et ces compétences, il est logique de faire un voyage dans le temps dans les années 1990, où les logiciels de PAO, la conception graphique et les nouveaux médias étaient à leurs balbutiements.

L'aube de l'ère numérique

Au début des années 1990, la plupart des magazines, des journaux et des entreprises de conception créative utilisaient une combinaison de systèmes de conception informatique et de savoir-faire artisanal à l'ancienne. La notion de «fabriqué à la main» qui est tellement le mot à la mode marketing était la règle générale à l'époque. Lithographie (l'impression offset a toujours eu un élément «artisanal» jusqu'à la fin des années 1980 et au début des années 1990, lorsque les machines de développement de plaques automatisées ont pris une grande partie de l'exposition aux produits chimiques dangereux en encapsulant le processus dans ces machines. Lorsque les plaques offset numériques – principalement des plaques de vinyle à travers des imprimantes et des copieurs laser – est entré en vogue dans les années 1990, le monde de l'impression artisanale est entré dans une nouvelle ère, et de nombreuses imprimantes à court terme et des créateurs de bureau à domicile ont profité de cette technologie.

Gestion de contenu: éditeurs et éditeurs

De telles chambres noires n'étaient souvent que le domaine des écoles et des éditeurs. Aujourd'hui, avec l'essor de l'impression à la demande, celles-ci sont désormais soit louées à des photographes, soit remplacées par des appareils photo numériques.

Il y a vingt ans, les rédacteurs avaient deux fonctions principales: approuver le contenu et inciter les rédacteurs, les photographes et les contributeurs à proposer un contenu qui vendrait et satisferait leurs éditeurs, qui dirigeaient l'ensemble de l'entreprise. Lorsque le contenu ne se vendait pas, les éditeurs ont pris des mesures, de la même manière que les propriétaires de sports professionnels licencient les directeurs généraux et les entraîneurs qui ne gagnent pas. Très peu de choses ont changé avec les éditeurs, mais les rédacteurs en chef ont assumé bien plus de responsabilités, devant même travailler comme fantassins à un moment où ils pouvaient profiter d'être derrière un bureau. Certains rédacteurs apprécient d'être «au rez-de-chaussée» tandis que d'autres préfèrent retourner derrière le bureau. Ces décideurs ont également eu le dernier mot sur qui pourrait utiliser les chambres noires pour développer des photographies. Dans un environnement axé sur les délais, ce pouvoir faisait la différence entre l'avancement professionnel et la recherche d'un nouvel emploi.

Une différence significative – les usines de contenu et les artistes et écrivains affamés sont plus répandus que jamais, et Hollywood présente ces gens comme les «artistes affamés» à la mode, alors que la réalité est que de nombreux emplois de jour, travaillent à temps partiel pour très peu de temps et se retrouvent en concurrence avec d'innombrables autres prêts à travailler pour à côté et quelque chose en fait rien. Les portiers, généralement des assistants administratifs et éditoriaux, prennent un grand plaisir à être les juges, les jurys et les bourreaux de ce qu'ils perçoivent comme du matériel digne d'être payé.

Un mauvais collage a entraîné de nombreuses heures de travail perdues pour l'édition, la correction, la re-dactylographie et l'utilisation du papier. Il n'était pas rare qu'un artiste en pâte soit licencié le premier jour pour avoir fait des bévues catastrophiques.

Collage: à l'ancienne

L'équipement de collage, illustré ci-dessus, nécessitait une formation et des compétences à utiliser, entraînant souvent des coupures, des brûlures et des heures de travail perdues en raison de blessures.

Les créatifs en herbe d'aujourd'hui voient «couper» et «coller» comme des raccourcis dans leurs programmes, mais ces commandes trouvent leurs racines dans le monde lent, fastidieux et méticuleux de Paste-Up, le côté sale de la conception graphique et de l'impression. Au milieu des années 1990, un nombre important de magasins et de professionnels faisaient encore les choses à l'ancienne. De nombreuses petites publications, magazines et entreprises utilisaient des tables à dessin, des feuilles factices et des tableaux lumineux pour aligner avec précision le texte, les illustrations et le ruban adhésif pour créer une copie pour la reproduction. La cire collante collante, les couteaux à stylo tranchants comme des rasoirs et les crayons de marquage étaient les outils de la vieille école. Il n'était pas rare que les employés et les créatifs mettent fin à la nuit avec des pansements en raison de leur découpe et de leur brûlure par l'équipement. Coller était, en effet, un sale boulot et une profession sanglante.

Des termes tels que «bleu chroma» (une couleur si claire qu'elle ne pouvait pas être reproduite par les appareils photo à plaques et les premiers scanners), «4-up» (mettre quatre images sur une seule feuille factice pour maximiser l'espace utilisable sur une feuille et réduire le coût du papier, l '«émulsion» (les revêtements chimiques photosensibles sur les plaques et les films) et le «fixateur» (un produit chimique utilisé à la fois dans le monde de la photographie et de l'impression qui empêchait les produits chimiques en développement de réagir avec l'émulsion susmentionnée) étaient ce que tous les graphistes , des photographes et d'autres créatifs les avaient approfondis en classe et avaient appris l'importance de leur utilisation. Un mauvais collage a entraîné de nombreuses heures de travail perdues pour l'édition, la correction, la recomposition et l'utilisation du papier. Il est rare qu'un artiste de collage soit renvoyé le premier jour pour avoir commis des erreurs catastrophiques. Le collage d'aujourd'hui se compose presque exclusivement d'artistes et de professionnels utilisant des terminaux informatiques, des tablettes et même des smartphones pour concevoir des mises en page et les télécharger. à des serveurs pour la navigation Web et l'impression.

Production – Le «sale boulot»…

Il s'agit du changement le plus radical dans le monde de la création dans le domaine de la production et des supports de sortie utilisés. Il est révolu le temps où l'imprimé était roi; la plupart des magazines et autres périodiques ont vu leurs ventes d'imprimés chuter de plus de la moitié au cours de la dernière décennie, tandis que les vues en ligne ont bondi à pas de géant. Il n'était pas rare que les magasins commandent des milliers d'exemplaires de périodiques avec des images incroyables à vendre. Des événements tels que le Moon Landing, le Challenger Disaster et le 11 septembree les attaques ont généré des images et des médias imprimés qui évoquent l'émotion à ce jour.

Les presses à imprimer d'aujourd'hui ont parcouru un long chemin depuis l'époque où les presses pour une publication en noir et blanc à l'ancienne pouvaient occuper leur propre bâtiment.

À mesure que les médias numériques progressaient et qu'Internet se resserrait, le monde granuleux, sale et souvent dangereux des presses à imprimer, de l'emballage et de la distribution a été réduit, les opérations souvent externalisées ou consolidées, et de nombreuses startups passant des produits imprimés aux médias en ligne. Newsweek, qui est passé du statut de porte-parole de la presse écrite à une publication exclusivement en ligne il y a plusieurs années, en est l'un des exemples les plus étonnants. D'autres magazines ont réduit leur tirage alors que les prix du papier et de l'encre montent en flèche. Les médias sociaux transformeraient davantage l'entreprise, les médias «à la demande» étant désormais la norme par opposition à une nouveauté. L'avantage de cela a été l'avènement des presses d'impression à encre directe, qui ont éliminé le besoin de plaques et permis aux publications de petite série, comme les journaux étudiants, de produire des exemplaires limités de leur produit et de devenir plus respectueuses de l'environnement grâce à des avancées telles que 100 % chiffon recyclé et encres à base de soja.

Métriques – mêmes chiffres, nouvelles étiquettes…

Peut-être nulle part n'a-t-on vu une telle transformation dans le monde créatif en tant que mesures utilisées pour mesurer les performances. Dans les années 90, le succès a été mesuré dans trois domaines généraux: les impressions, les droits d'auteur et les copies. Les deux derniers étaient faciles à suivre grâce aux normes et aux fonds réels, tandis que l'initiale était plus abstraite et basée sur une analyse statistique. Les impressions, le nombre de fois où une image de quelque sorte que ce soit est vue, a été la plus facile à faire la transition vers le monde des nouveaux médias car elle n'a pas beaucoup changé. Les statistiques de CPM étaient basées sur l'impression en ce que, plus votre contenu recevait de vues, plus les annonceurs susceptibles de s'y associer seraient favorisés. «Clickbait», ou titres trompeurs utilisés pour attirer les lecteurs et les ventes, pourrait trouver ses racines dans les titres sensationnalistes des tabloïds des supermarchés, dont beaucoup sont tombés au bord du chemin (Weekly World News, The Sun, etc.)

Des volumes géants d'appâts cliquables avec un contenu de qualité inférieure seront toujours éclipsés à long terme par des écrivains solides, des photographes de premier ordre et des concepteurs capables de créer des mises en page attrayantes et accrocheuses.

Là où le sensationnalisme vendait des copies, les appâts cliquables ont généré des vues et donc des revenus publicitaires basés sur les statistiques CPM. Enfin, les redevances de droits sont devenues de plus en plus une petite source de revenus, le piratage de vidéos et de contenus étant répandu sur Internet. À l'exception des contributions de célébrités ou du contenu protégé par des avocats d'entreprise, c'est le contenu rare qui coûte en fait un prix élevé. La plupart des frais de droits sont désormais facturés par les créatifs qui revendent les droits de reproduction et de réutilisation aux clients mêmes avec lesquels ils ont travaillé en premier lieu.

Normalisation – plus les choses changent…

Ces trois journaux de Floride appartiennent à des chaînes de médias et, à ce titre, suivent des normes d'entreprise spécifiques pour la mise en page. La disposition du Sun-Sentinel reflète celle de l'Orlando Sentinel (également détenue par Tribune Media. Le Pensacola News Journal (au milieu) emprunte beaucoup à USA Today, propriété de Gannett, tandis que St Lucie News Tribune (à droite), propriété de Gatehouse Media, suit une disposition générale et un modèle de contenu de nouvelles dicté par Gatehouse et utilisé par ses autres publications.

La normalisation des médias est devenue une nouvelle norme. Il y a des années, un magazine, un journal ou une chaîne de télévision était défini par son apparence. Le New York Times (alias «La vieille dame grise») était le summum des journaux artisanaux; une création aurait du mal à trouver une ligne égarée ou un paragraphe mal aligné, tandis que États-Unis aujourd'hui a été considéré comme «transformé», ce surnom doit à sa conception colorée mais carrée et préformatée. Le magazine Time était célèbre pour la photographie cristalline, et Newsweek pour des mises en page attrayantes et engageantes. Condé Nast Traveler était connu pour ses scènes brillantes, appelant les lecteurs à des destinations exotiques. CNN était le réseau câblé bon marché au contenu granuleux, The Weather Channel était célèbre pour ses graphismes époustouflants, et les stations de télévision locales ne pouvaient jamais rivaliser avec les actualités de New York, Chicago, DC et LA.

Les médias d'aujourd'hui sont devenus beaucoup plus centralisés, avec un contenu et un emballage largement uniformes, les chaînes de télévision des grands marchés et des petites villes se ressemblent en grande partie grâce aux progrès de la gestion graphique numérique. De nombreux journaux et magazines ont rationalisé leurs opérations et ont désormais adopté une stratégie de marque unifiée pour accroître la reconnaissance et l'efficacité de la production. Ce n'est cependant pas entièrement négatif, car cette normalisation a créé un nouveau marché pour des publications de niche et des sites destinés aux téléspectateurs et aux lecteurs qui aspirent à des jours d'unicité dans les médias.

Il y a un vieux dicton; plus les choses changent, plus elles restent les mêmes. Au fil du temps et à mesure que les médias évoluent rapidement, de nombreuses choses restent les mêmes. Le besoin de contenu de qualité, de concepteurs qualifiés et de spécialistes du marketing compétents est plus important que jamais. Des volumes géants d'appâts cliquables avec un contenu de qualité inférieure seront toujours éclipsés à long terme par des écrivains solides, des photographes de premier ordre et des concepteurs capables de créer des mises en page attrayantes et accrocheuses. Pourtant, nous avons parcouru un si long chemin depuis les jours de la cire collante pour le collage, les produits chimiques toxiques en développement et les presses à machine dangereuses, il est difficile d'imaginer un moment où des choses telles que le papier sans acide, les murs de paiement et l'encre de soja étaient ne fait pas partie de notre lexique. C'est un nouveau jour à bien des égards, mais nous devons beaucoup à ceux qui ont tracé ces sentiers.

«Les années folles» parmi les tendances créatives de 2020, déclare Shutterstock

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Vous êtes curieux des tendances créatives qui s'envoleront cette année? Shutterstock vient d'annoncer ses prédictions pour les tendances mondiales et locales qui influenceront la conception et la culture visuelle pour 2020.

C'est encore cette période de l'année où la communauté créative fait référence à des prévisions audacieuses en haut tendances créatives pour guider leurs projets personnels et leur travail professionnel. Parmi les plus fiables, le rapport annuel sur les tendances créatives de Shutterstock, qui en est à sa neuvième édition. Pour 2020, la société a identifié trois tendances majeures, les favoris locaux trouvés dans 25 pays à travers le monde, et cinq tendances à la hausse qui devraient gagner du terrain.

Le rapport basé sur les données de Shutterstock fournit des informations qui permettent aux marques, aux responsables marketing et aux créatifs de conserver leur contenu visuel frais et pertinent pour une meilleure performance de leurs campagnes marketing. Les trois principales tendances créatives qui ont été identifiées pour mener ceci sont: Les années folles, Occulture, et En pleine floraison.

le Années folles, selon le rapport, s'inspire des années 1920, l'esthétique de l'époque revenant au centre du monde un siècle plus tard. Les recherches de «motifs en or» sont en hausse de 4 223% sur douze mois, tandis que «rétro des années 20» est en hausse de 189% par rapport à l'année dernière. le Occulture La tendance, quant à elle, suggère que la génération Y, la génération Z et la génération Alpha se lancent dans des croyances alternatives et des croyances séculaires. Cela est révélé par davantage de recherches de mots clés tels que «magie» et «spirituel», qui sont respectivement en hausse de 525% et 289%. Enfin, En pleine floraison nous dit que les arrangements élégants et les étalages délicats sont de sortie; les visuels floraux en grande, brillante et pleine floraison sont en jeu. Cela se reflète dans la vague de recherches pour «flowerscape» à 141% et «bloom» à 136%.

Selon le directeur marketing de Shutterstock, Lou Weiss, les données révèlent que cette année est consacrée à «la recherche de sens, de bonheur et d'opportunités dans de nouveaux projets créatifs». Cette analyse, a-t-il ajouté, était basée sur des données recueillies à partir de milliards de recherches de mots clés effectuées par les spécialistes du marketing, les gestionnaires de médias sociaux, les producteurs de vidéos et les concepteurs. «Il sert également de source d'inspiration à nos clients et contributeurs alors qu'ils développent des projets créatifs en 2020.»

Quant aux tendances prometteuses et aux mots-clés associés, le rapport indique qu'elles vont des piliers du design et des arts traditionnels à la photographie élégante et aux visuels modernisés. Ceux-ci sont Cannabiz, Noir minimaliste, Faune, Peinture à l'encre de Chine, et Game On. Les tendances à travers le monde et les tendances locales devraient être en mesure d'aider les photographes, les concepteurs et les créateurs de contenu à avoir une meilleure idée de ce qui est chaud dans leurs propres communautés créatives.

En savoir plus sur les tendances créatives 2020 sur le blog Shutterstock.

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Apple, Google, Huawei et Samsung: les vrais concurrents des appareils photo traditionnels

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Canon, Nikon, Sony et les autres doivent cesser de se soucier les uns des autres, du moins pour le moment.

Il y a un très gros problème dans le monde de la fabrication et des caméras et ce ne sont pas les fabricants de caméras eux-mêmes. Ce sont des téléphones. Au cours des 10 dernières années, les fabricants d'appareils photo se sont placés dans un coin très délicat pour le développement de produits. Au début, les téléphones étaient destinés à des appareils photo plus petits et compacts. Puis, au fil des ans, ils sont venus pour les plus grandes options de capteurs avec des campagnes marketing complètes disant que vous n'avez pas besoin d'un reflex numérique pour un appareil photo à capteur plus grand. Bien sûr, certains d'entre nous connaissent mieux. Mais ceux qui savent sont dans une très petite minorité de consommateurs. Heck, la plupart des gens ne savent pas ce qu'est l'ouverture et ils s'en moquent franchement. Ils regardent un reflex numérique ou un appareil photo sans miroir et ils s'inquiètent du mode Auto, et c'est tout.

Pour être honnête, tous les fabricants d'appareils photo doivent cesser de se considérer comme une concurrence. Au lieu de cela, ils doivent commencer à regarder les téléphones et commencer à les surpasser, car les téléphones innovent (en quelque sorte) à un rythme beaucoup plus furieux. Alors que les fabricants d'appareils photo sont obsédés par de très petits détails, il y a des images partagées sur les médias sociaux qui montrent à quel point l'appareil photo d'un téléphone peut être bon. Parallèlement aux améliorations logicielles des deux dernières années, nous avons vu tout ce qui est possible avec les téléphones. Beaucoup de gens pourraient même ne pas être capables de faire la différence entre une image de smartphone et un appareil photo à objectif interchangeable.

À cette fin, je pense que le haut de gamme des caméras doit aller encore plus loin. Mais il en va de même pour l'extrémité inférieure. Les reflex numériques d'entrée de gamme et les caméras sans miroir sont tout simplement correct. Mais les téléphones sont capables de faire bien plus à un prix égal.

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Xyza Cruz Bacani raconte l'histoire personnelle poignante des travailleurs migrants

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Dans son livre fascinant, Nous sommes comme l'air, Xyza Cruz Bacani s'est tournée vers ses expériences personnelles pour raconter l'histoire de travailleurs migrants à Hong Kong.

"Si je les photographie, cela signifie que j'ai le pouvoir", explique Xyza Cruz Bacani, auteur et photographe philippin basé à Hong Kong dans une interview avec Cette semaine en photo, référence à son travail documentant les travailleurs migrants. "Mais parce que je photographie … ma propre famille, ce pouvoir m'a été enlevé." Caché contre les gratte-ciel imposants, les quartiers commerçants et les lieux de renommée mondiale de Hong Kong sont des histoires moins connues de sa population de travailleurs migrants. Bien que des éclaircissements aient été apportés sur leur sort, il reste une réalité sous-déclarée qui est à la fois partagée et personnelle pour les travailleurs migrants et leurs familles. C'est ce que Xyza a sensibilisé à travers son travail, en particulier à travers son livre Nous sommes comme l'air.

Note de l'éditeur: Visual Momentum fait référence au flux de la narration et à son effet sur le processus de réflexion du spectateur. Cette série met en lumière des créateurs qui utilisent avec succès leurs outils et leurs esprits pour créer un impact sur le monde grâce à l'imagerie dans le but d'inciter à l'action. Avec le soutien de Fujifilm, nous partageons leurs histoires. N'oubliez pas de consulter également l'interview de This Week in Photo.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=OjiQdrMRw8M (/ intégré)

Xyza documente la vie à Hong Kong à travers une perspective unique: elle a travaillé comme travailleuse domestique migrante de deuxième génération pendant près d'une décennie. Lorsqu'elle est passée à la photographie documentaire, cette perspective lui a permis de développer un intérêt pour faire la lumière sur les problèmes et la plupart des histoires inédites sur la fracture migratoire aujourd'hui.

«Lorsque je suis passé à la photographie documentaire, j'ai réalisé que la photographie est un médium que je peux utiliser pour raconter des histoires sous-déclarées. En tant qu'enfant d'un travailleur migrant et moi-même migrant, j'ai un aperçu des deux côtés de la fracture migratoire. Ma motivation est de savoir que mes œuvres sont devenues une plate-forme pour ces histoires inédites. »

Mon père et ma nièce Lexuz. J'adore tellement cette photo. Cela me rappelle mon enfance qui n'a jamais été. Quand ma mère est partie, mon père a pris le rôle d'une maman dans la famille. C'était difficile pour nous mais c'était aussi difficile pour lui, de manquer sa femme tout en prenant soin de trois enfants. Il faut un grand homme pour rester et être cela pour sa famille. Mon père est un grand homme. 05 octobre 2016.
Une photo de ma mère (à gauche), de ma sœur et de ses deux enfants. Trois générations de femmes dans notre famille. Ma mère travaille si dur pour que ma sœur ne quitte jamais ses enfants. C’est l’une de mes images préférées du livre. Ils ne m'ont même pas remarqué. Ils étaient dans l'instant, appréciant le peu de temps qu'ils étaient ensemble. Nueva Vizcaya, Philippines. 18 juillet 2017.
Jana pose pour un portrait à l'intérieur de sa maison aux Philippines. Jana s'apprête à quitter son fils aux Philippines pour qu'elle puisse aller travailler à Hong Kong comme sa mère l'a fait. 04 août 2017.
Shirley Dalisay, 31 ans, des Philippines, a souffert de brûlures au dos et aux bras lorsqu'une casserole de soupe bouillante est tombée sur elle après que son employeur ait «accidentellement» mis la soupe au-dessus du support à chaussures de la famille où Shirley a rangé ses chaussures. 02 juillet 2014, Hong Kong.
Shirley Dalisay la montre brûlée. Le traitement de Dalisay a nécessité une hospitalisation, mais son ancien employeur a refusé de l'emmener voir un médecin, n'a pas autorisé son congé de maladie et a mis fin à son contrat, ce qui est contraire à la loi de Hong Kong. Elle est restée au refuge de Bethune pendant neuf mois pendant son rétablissement. 16 août 2014, Hong Kong.

Faire face aux complexités de la migration

"La migration est très complexe", a souligné Xyza, et cela ne peut pas être plus vrai qu'à cette époque et à cet âge. Le choix d'être un travailleur migrant découle d'une nécessité financière, prenant souvent le pas sur son impact sur l'individu et la famille laissés pour compte. Pourtant, une grande partie du monde reste inconsciente ou indifférente aux réalités auxquelles elle est confrontée. Selon une recherche réalisée en mai 2019 par Marie Dorredam et Charles Agyemang, il y a:

  • On estime déjà à 258 millions le nombre de travailleurs migrants internationaux, soit environ 63% (164 millions) de migrants internationaux.
  • Une grande partie d'entre eux (61%) sont basés en Amérique du Nord (23%), en Europe septentrionale, méridionale et occidentale (24%) et dans les États arabes (14%).
  • Le reste réside dans d'autres endroits comme Hong Kong, où il y a environ 385000 travailleurs domestiques migrants – soit près de 10% de la population active de la ville – comme l'a noté un rapport TIME de mars 2019.

"Malgré les effets bénéfiques de la migration internationale de main-d'œuvre, les travailleurs migrants sont confrontés à de nombreux défis, notamment l'esclavage moderne, la discrimination, les violations de contrat, les abus et l'exploitation, et les conditions de travail dangereuses, qui sont souvent sales, dégradantes et dangereuses", ont souligné les chercheurs. En outre, il a mentionné que des millions de travailleurs migrants, en particulier ceux qui ont des emplois peu qualifiés, risquent de subir des effets graves sur leur santé physique et mentale. Ce sont ces complexités et la vulnérabilité qu'elles causent que Xyza met en lumière à travers sa photographie.

Araceli donne quelques dernières notes à Jana alors qu’elle marche dans le couloir de sa nouvelle maison d’employeur à Hong Kong. 18 février 2018. Araceli et Jana, une mère et sa fille employées de maison migrantes à Hong Kong. Leur histoire fait écho à la mienne. Lorsque je documentais leur histoire, cela me rappelait ma relation avec ma mère. Toutes les luttes de séparation des familles à cause de la migration et comment la migration nous a réunis à nouveau.
La Géorgie ouvre le domicile de son employeur à Hong Kong pour 19 ans. Des décorations du Nouvel An chinois sont affichées à l'entrée. 18 février 2018.
Les travailleurs migrants à Hong Kong prient dans l'église Saint Joseph. La religion est une grande partie de la migration. Les travailleurs migrants apportent souvent leurs croyances et leurs pratiques dans les pays où ils étaient employés et utilisés comme forme d'expression. 31 août 2017.

Invisible mais important

Les idées et les efforts de Xyza ont porté leurs fruits Nous sommes comme l'air, qui a pris deux ans à mettre en place. «Mon idée initiale est de créer un livre qui tentera de comprendre la complexité de la migration des travailleurs domestiques des Philippines vers Hong Kong», a-t-elle déclaré. En plus d'être un commentaire social, le livre s'est également révélé être une opportunité pour un regard introspectif sur sa propre histoire personnelle. «J'ai documenté la migration dans différentes villes mais je n'ai jamais vraiment pointé mon objectif vers ma famille. J'ai décidé que c'était bien d'être vulnérable, et cette vulnérabilité a aidé à photographier mes proches. »

Nous sommes comme l'air fait allusion au fait souvent méconnu des travailleurs migrants et à leur contribution aux sociétés les plus riches du monde: ils sont souvent traités comme de l'air, invisibles mais vitaux. Le rapport TIME de mars 2019 mentionnait également que «les travailleuses domestiques jouent également un rôle clé dans l'augmentation de la participation des femmes à la main-d'œuvre de la ville en déchargeant les femmes des responsabilités de garde d'enfants pendant la journée. Cela permet finalement à de nombreux ménages de gagner un revenu plus élevé et augmente le bien-être financier global. »

De même, leurs histoires personnelles, aussi invisibles qu'elles puissent paraître, sont importantes. «Je pense qu'il est entendu que les migrants sont plus que leur emploi, qu'ils sont comme tout le monde», a déclaré Xyza à propos des réalités de la vie souvent méconnues des travailleurs migrants aujourd'hui.

«Ce sont aussi des mères, des sœurs, des filles, des épouses et leur vie dépasse leur gagne-pain. Il y a des tonnes de stéréotypes avec les migrants et cela m'a affecté en tant qu'individu. Je me sentais «l’autre» de certaines situations. J'espère que nous les considérons comme des humains comme tout le monde. »

Trois travailleurs migrants indonésiens rient avec leurs amis tout en participant à un rassemblement pour les droits des travailleurs à Hong Kong. 03 septembre 2017. Ces femmes migrantes se joignent à une manifestation pour lutter pour leurs droits à Hong Kong. Leur courage m'a tellement inspiré ce jour-là. Prendre la parole est un privilège et ces femmes extraordinaires utilisaient leur voix et risquaient même leur emploi.
Les travailleurs migrants traînent ensemble dans le centre de Hong Kong. 03 septembre 2019.
Travailleurs domestiques migrants dans un concours de beauté à Hong Kong. Les concours de beauté sont l'une des activités récréatives des employés de maison de la ville. 05 avril 2015.
Les travailleurs migrants se rassemblent dans un espace public devant une publicité à Hong Kong.

Traverser des histoires profondément personnelles

Dans son livre, Xyza a rassemblé un récit personnel de l’histoire de la travailleuse domestique migrante à travers huit chapitres d’histoires qui s’entrelacent. «Le récit suit l'histoire de ma mère, de ma famille et de sept autres histoires. Il explore les histoires d'amour, de famille et de sacrifices. C’est très personnel. Très proche de ma peau. "

Les événements, les circonstances et les expériences entourant ces histoires peuvent être subjectifs et personnels. Quand elle les traverse, Xyza s'assure de rester objective pour s'assurer que son travail soit aussi révélateur que possible. «Je documente ce qui se passe devant moi. Je dois avoir zéro jugement lorsque je documente des histoires. Être ouvert à qui ils sont et espérer que les images montreront cette intimité et ce respect. »

«Toutes les histoires que j'ai faites sont mémorables pour moi. Je suis toujours en contact avec la plupart des gens que je photographie », a-t-elle déclaré lorsqu'on lui a posé des questions sur les histoires fascinantes qu'elle a faites jusqu'à présent au cours de ses années en tant que photographe documentaire. Des projets comme Nous sommes comme l'air lui permettre d'explorer des histoires dans une perspective à multiples facettes, il est donc facile de voir comment chaque histoire est unique et l'affecte différemment. «Qu'ils partagent ma vie avec moi et me permettent de la partager avec le monde, cela les rend tous convaincants. Je suis super chanceux et reconnaissant de leur générosité. "

Assembler Nous sommes comme l'air

"Je cherche des histoires qui me intéressent, des histoires qui me font sentir", a déclaré Xyza sur ce qu'elle s'efforce de découvrir avec chaque projet dans lequel elle se consacre. Donc, ce n'était qu'une question de temps qu'elle mettrait en place Nous sommes comme l'air, guidée par sa vision très unique en tant qu'enfant d'un travailleur migrant et maintenant elle-même migrante.

«Cela a fait de moi un meilleur être humain. Cela m'a appris à être plus patient et reconnaissant. Je me suis rendu compte que c’était normal d’être vulnérable », a-t-elle dit sur la façon dont consolider son travail Nous sommes comme l'air l'a influencée en tant que photographe. "En regardant les photos, exercer la vulnérabilité peut être épuisant mais j'ai beaucoup de chance que la Commission WMA (qui a commandé le livre) et mon éditeur m'ont fourni une équipe qui m'a aidé à chaque étape. La vérification des faits a été rigoureuse. Il nous a fallu 13 versions avant de finalement l'exécuter. »

«J'ai pris cette photo en 2013 alors que je travaillais encore comme domestique migrante à Hong Kong. Ceci est le balcon de la maison de mon ancien employeur et je l'ai pris de l'intérieur », a déclaré Xyza sur la couverture du livre. «Les oiseaux de cette époque représentaient mon désir de liberté et de pouvoir faire ce que j'aime le plus, la photographie. Mais à cause de la nature de mon travail et lié par des responsabilités, tout ce que je pouvais faire était regarder depuis un mur de verre. J'ai choisi cela comme couverture car il correspond au titre Nous sommes comme l'air. "

Depuis la sortie du livre en décembre 2018, Xyza l'a trouvé cathartique non seulement sur le plan personnel, mais aussi pour sa famille. «Personnellement, le livre a guéri beaucoup de blessures dans notre famille. J'adore le fait que les travailleurs migrants, leurs familles et leurs employeurs aient chaleureusement réagi au livre », a-t-elle noté. «Il a également touché différentes institutions et personnes. Pour moi, il y a plus à faire mais nous avons fait du bon travail. »

Dans le cadre de projets comme ce livre, elle tend également la main à tout le monde pour faire connaître sa cause. «Je n'ai aucun contrôle sur qui voit mon travail. Je fais de mon mieux. J'ai fait beaucoup d'expositions, d'enseignement, de discussions, d'ateliers pour les migrants et les enfants, et j'ai parlé avec des gens qui sont en mesure de faire quelque chose pour la communauté. »

À propos de Xyza Cruz Bacani

Xyza Cruz Bacani est une auteure et photographe philippine qui utilise son travail pour sensibiliser aux histoires sous-déclarées. Ayant travaillé comme employée de maison de deuxième génération à Hong Kong pendant près d'une décennie, elle s'intéresse particulièrement à l'intersection de la migration de main-d'œuvre et des droits de l'homme. Aujourd'hui, elle est connue pour plusieurs réalisations exceptionnelles obtenues par sa photographie documentaire exceptionnelle.

Elle est membre de la Magnum Foundation Photography and Social Justice Fellows en 2015, a exposé dans le monde entier et a remporté des prix en photographie. Elle est également la récipiendaire d'une résolution (HR No.1969) adoptée par la Chambre des représentants des Philippines en son honneur. Xyza est également l'un des jeunes leaders d'Asia 21 (promotion 2018), le bénéficiaire de la Commission WMA en 2017, un Pulitzer Center et un bénéficiaire de l'Open Society Moving Walls 2017. Elle est l'une des 100 femmes du monde de la BBC 2015, 30 femmes photographes de moins de 30 ans 2016, Forbes 30 moins de 30 ans Asie 2016, ambassadrice Fujifilm et auteure du livre We Are Like Air. Elle est représentée par Redux Pictures New York City, USA et Christine Park Gallery: Londres et New York.

Xyza, également ambassadeur de Fujifilm, a trouvé un ardent défenseur de l'entreprise au fil des ans. «Fujifilm a été généreux en soutenant mes œuvres. En utilisant leurs appareils photo, je peux me concentrer davantage sur la partie narration car les appareils photo Fujifilm sont super conviviaux. Je suis redevenu amoureux des couleurs lorsque j'ai commencé à utiliser les formats moyens GFX50S et GFX50R. »

Avec sa photographie étant à la fois une entreprise personnelle et sociale, Xyza est poussée à raconter des histoires qui reflètent ses expériences et la communauté qui sert de moteur à son travail. «Je documente, témoigne, rassemble les faits, publie les histoires et j'espère juste pour le mieux que les œuvres auront un impact sur la communauté.»

Alors que la photographie documentaire est principalement objective, des approches créatives et astucieuses permettent aux photographes comme Xyza de raconter leurs histoires différemment, en particulier lorsqu'il s'agit de thèmes couramment explorés dans le genre. Pour cela, l'inspiration qu'elle trouve dans sa famille et la consommation de différents médiums d'art sont essentielles à son style et à son approche de la narration. «Je regarde des films, je lis des livres, je vais dans des musées. La photographie est visuelle, et en utilisant les différents éléments du design, je peux être créatif. Je développe également mon style visuel avec l'aide de mentors qui ont été très généreux avec leurs connaissances et leurs expériences. »

Interrogée sur ce qu'elle espère que son héritage photographique serait, Xyza a une réponse courte mais poignante. «L'héritage est une chose si lourde à penser, mais j'espère que les gens seront plus gentils avec les migrants et entre eux à cause des histoires que j'ai faites.»

Visitez son site Web et suivez Xyza Cruz Bacani sur Instagram pour en savoir plus sur son travail.

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Note de l'éditeur: il s'agit d'un article de blog sponsorisé de Fujifilm.

À propos de FUJIFILM North America Corporation (Fujifilm)

FUJIFILM North America Corporation (Fujifilm) permet aux photographes et cinéastes du monde entier de construire leur héritage en partageant leurs histoires. Fondé sur ses 85 ans d'histoire de fabrication de films photographiques et cinématographiques, de technologies pionnières dans les objectifs et les revêtements, et de moteur d'innovation dans le développement de technologies d'appareils photo numériques sans miroir, Fujifilm continue d'être au centre de la vision créative de chaque conteur.

Repoussant les limites de la photographie numérique et des innovations cinématographiques, les appareils photo numériques sans miroir et les objectifs FUJINON de la série X et GFX de Fujifilm offrent une qualité d'image exceptionnelle aux créateurs de tous niveaux. Offrant une clarté d'image, des technologies avancées de reproduction des couleurs et une large gamme de simulations de films, la famille d'appareils photo numériques sans miroir de Fujifilm remplit sa mission intrinsèque de capture et de préservation des moments pour les générations à venir.

Avec un appareil photo numérique Fujifilm à portée de main, vous pouvez saisir l'instant, partager votre histoire et bâtir votre héritage. Apprenez-en plus sur notre site Web.

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Cet article est apparu pour la première fois et a été fourni par nos amis de The Phoblographer.

Quatre appareils photo jouets pour les enfants qui sont une explosion du passé

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À la fin des années 90 et dans les années 2000, l'une des plus grandes tendances était les appareils photo jouets. Les entreprises ont fabriqué ces caméras pour vendre au public des produits bon marché mais efficaces. Ils ont vite compris que les caméras pouvaient également être vendues aux enfants. En conséquence, le monde s'est retrouvé avec plusieurs caméras étranges mais intéressantes.

Appareils photo jouets de Mattel

Mattel a sorti deux caméras jouets entre 1998 et 1999. La première était la Barbie Digital Camera. L'histoire derrière cet appareil photo est peut-être plus intéressante que l'appareil photo lui-même. Une entreprise nommée Vision a rencontré Mattel à propos de la création d'un appareil photo numérique en 1995. Mattel a choisi de ne pas travailler avec Vision en raison du logiciel de l'appareil photo.

Ce logiciel a permis aux utilisateurs de brancher l'appareil photo sur un ordinateur afin d'afficher ou de modifier des photos. Mattel ne pensait pas que les filles, le public cible de la caméra, feraient même quelque chose comme ça. Cependant, ils ont changé d'avis une fois qu'ils ont vu des images d'une fille faisant cela avec un prototype de la caméra. Le produit final est venu avec un logiciel qui a permis aux utilisateurs de modifier des photos prises avec l'appareil photo.

La source

En 1999, Mattel a sorti une autre caméra, le Nick Click. La société a utilisé les mêmes spécifications de la caméra Barbie dans celui-ci, il y a donc peu de différence entre elles en dehors du prix. Mattel a facturé 69,99 $ pour la caméra Barbie lors de sa sortie. Qu'ont-ils facturé pour le Nick Click? Environ 79,99 $. Ironiquement, un peut être acheté sur Ebay pour environ 29,00 $.

Cela n'a aucun sens pourquoi le Nick Click coûte plus cher lorsqu'il a les mêmes spécifications et que les photos se ressemblent. Les deux caméras avaient une résolution de 160 x 120. À quoi cela ressemble-t-il sur une caméra jouet? Voir par vous-même.

Source: https://www.superkids.com/aweb/pages/reviews/camera/1/nick/merge.shtml

C'est le type d'image qu'un Nick Click produit. Selon les normes d'aujourd'hui, c'est affreux, mais en 1999, c'était probablement de haute qualité pour certaines personnes. Si vous souhaitez prendre des photos avec cet appareil photo ou l'appareil photo numérique Barbie, n'hésitez pas à en acheter un sur eBay.

WWF Slam Cam

Mattel n'était pas le seul à sortir un appareil photo dans les années 90. Toymax s'est associé au WWF (maintenant connu sous le nom de WWE) pour sortir un appareil photo en 1999 dans l'espoir de profiter de l'engouement pour les appareils photo jouets. Tout comme les appareils photo Mattel, le Slam Cam a permis aux utilisateurs de modifier des photos à l'aide d'un logiciel fourni avec l'appareil photo.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=2RYFiOVco38 (/ intégré)

Cette annonce des années 90 fait un bon travail pour montrer les fonctionnalités du logiciel.

Les spécifications de la caméra sont assez intéressantes car la mémoire interne est de 0,1 Mo et sa résolution est de 160 × 120, tout comme les caméras jouets Mattel. En conséquence, les photos entre les deux caméras se ressemblent.

Si vous voulez en acheter un, vous pouvez pour 13,00 $ sur ebay. En tant que fan de lutte, j'aurais certainement acheté si j'avais regardé la lutte pendant cette période. Faire de pauvres photoshop de moi avec Stone Cold Steve Austin ou The Rock? Enregistre-moi.

Polaroid i-Zone

Il peut sembler que les seules caméras jouets qui existaient étaient celles qui avaient une sorte de licence comme Nickelodeon ou WWF, mais il y avait des caméras jouets normales produites. L'un d'eux est le Polaroid i-Zone. La i-Zone est sortie en 1999

Avantages et inconvénients de l'utilisation du Wi-Fi et de l'Internet cellulaire

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Les professionnels de la création trouvent que l'Internet mobile est essentiel à leur travail, et les fournisseurs ont répondu avec une pléthore d'options. Les grands garçons de l'internet par câble, Comcast et Spectrum (anciennement connus sous le nom de Charter et Time Warner), ont même déployé un service cellulaire au cours des 24 derniers mois pour rivaliser avec les goûts d'AT & T, Verizon et T-Mobile / Sprint. Maintenant que les créateurs ont de plus en plus de choix sur leur Internet sans fil, il est essentiel qu'ils tiennent compte des avantages et des inconvénients de chacun.

INTERNET «WI-FI» SANS FIL

Schéma d'architecture Wi-Fi

À moins que le système wi-fi ne soit crypté et protégé par mot de passe (c'est-à-dire les murs payants, les connexions par abonnement), le wi-fi «ouvert» n'est pas le choix idéal pour les créatifs en déplacement pour plusieurs raisons, dont la piraterie est la plus importante. Alors que les informations financières et personnelles sont la cible privilégiée des voleurs en ligne, le piratage de documents créatifs a augmenté ces dernières années et le sans fil non sécurisé est la principale voie de vol. Comme la plupart des bureaux professionnels sont plutôt sécurisés grâce aux pare-feu de routeur intégrés, la grande majorité de ces vols se produisent dans des endroits «wi-fi gratuits» tels que les cafés, les restaurants de restauration rapide et autres. De nombreuses sociétés Internet et de câblodistribution offrent des points d'accès sécurisés gratuits à leurs clients en raison de cette préoccupation, les clients se connectant à l'aide de leur profil de compte pour accéder à des points d'accès Wi-Fi haut débit, avec un micrologiciel de sécurité intégré. Lorsqu'elles sont disponibles, ces connexions sont toujours préférables.

Cela étant dit, le principal avantage du Wi-Fi est la vitesse brute. C'est la rare connexion wi-fi qui est en dessous de 10 Mo de téléchargement et 2 Mo de téléchargement, bien qu'ils existent, principalement dans des endroits plus éloignés et ruraux. Malheureusement, la vitesse est également basée sur la proximité de la source du signal – plus la distance est grande, plus la vitesse est lente. Dans les régions qui ont déployé des débits en gigabits, il n'est pas rare de voir jusqu'à 100 Mbps de wi-fi gratuit. Certaines grandes villes ont même commencé à offrir une connexion Wi-Fi extérieure publique, bien qu'il soit dans l'intérêt des professionnels de la création d'utiliser un mot de passe et un cryptage supplémentaires lors de l'accès à ces supports particuliers.

AVANTAGES: Généralement plus rapide que l'Internet cellulaire. Stabilité du signal. Pour les hotspots avec paywalls d'abonnement (Comcast, Spectrum, AT&T) une sécurité optimale.

LES INCONVÉNIENTS: Pas aussi facilement accessible que cellulaire. Pour les hotspots «publics», risques de sécurité extrêmes. La vitesse diminue à mesure que la distance à la source du signal augmente. Limites occasionnelles du nombre d'utilisateurs à tout moment.

TOURS DE CELLULES

Les connexions par téléphone portable pour les professionnels de la création présentent de nombreux avantages, la sécurité étant primordiale. Comme les fournisseurs de services cellulaires ont continué de développer la vitesse de leurs réseaux, beaucoup plus d'entre eux sont également conscients de la nécessité d'une sécurité accrue. Bien que les connexions Internet Bluetooth aux hotspots soient relativement sous-utilisées, elles offrent certaines des meilleures opportunités aux pirates d'exploiter les failles de sécurité, il est donc préférable d'utiliser une fonctionnalité de hotspot intégrée à presque tous les appareils. Un autre inconvénient majeur de l'utilisation des connexions de téléphone portable est le manque de fiabilité de certaines tours de télécommunication dans les zones rurales ou légèrement urbanisées.

Une autre préoccupation est la priorisation des données: également connue sous le nom de «soft cap», ou étranglement, où les opérateurs ralentissent Internet à des heures de trafic élevé et donnent la priorité aux clients commerciaux qui paient généralement pour des forfaits de données plus élevés. Quelques fichiers multi-gig peuvent facilement ralentir un réseau, c'est pourquoi de nombreux opérateurs sont passés à la hiérarchisation des données comme moyen de «rationner» les données cellulaires à haut débit. Gardez également à l'esprit qu'en dépit d'intenses campagnes de marketing à ce sujet, seules quelques villes américaines sélectionnées ont bénéficié d'un déploiement complet des données 5G.

AVANTAGES: Mobilité – possibilité de déplacer la connexion avec l'appareil utilisé. Généralement plus sûr. Aucune limite sur le nombre d'utilisateurs à tout moment.

LES INCONVÉNIENTS: Dans de nombreuses régions, des variations de vitesse importantes en fonction de la tour utilisée. Dans les zones plus rurales, la limitation est plus courante. Des signaux plus faibles nécessitent plus de puissance de batterie pour être capturés. Des vitesses de pointe extrêmement limitées aux principaux marchés avec un manque prévu de construction par les principaux transporteurs.

Les informations de RCRWireless et ElProcus ont été utilisées dans ce rapport.

Le déploiement de la 5G: ce que cela signifie pour les professionnels de la création

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L'une des plus grandes avancées technologiques de ces dernières années a finalement commencé avec le déploiement de la cinquième génération, ou 5G, du sans fil cellulaire. Bien qu'elle ne soit probablement disponible que dans des zones urbaines sélectionnées à court terme, cette technologie représente un bond en avant dans la vitesse globale d'Internet et, pour ceux qui ont la chance de vivre dans des zones qui y ont accès, fournira un avantage concurrentiel aux professionnels de la création.

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Une petite tour cellulaire 5G

POURQUOI LA 5G EST-ELLE SI IMPORTANTE?

L'arrivée de la vitesse 5G sur des marchés tels que New York, Los Angeles, Chicago et d'autres représente un investissement majeur des télécommunications cellulaires dans l'avenir de la fiabilité et de l'intégrité du réseau. Cette mise à niveau apportera des vitesses plus rapides, une capacité accrue et une plus grande sécurité dans de nombreuses régions qui ont longtemps souffert de problèmes de signal. À mesure que la technologie évolue, une bande passante encore plus grande suivra.

QUE SIGNIFIE CELA POUR LES CRÉATIFS?

Le professionnel de la création qui bénéficiera immédiatement de cette nouvelle technologie sera le vidéaste. À mesure que de plus en plus de professionnels de la vidéo entrent dans le monde de l'utilisation de l'équipement 4K, les fichiers sont de plus en plus volumineux. C'est là que la 5G entre en jeu. Selon justaskgemalto, un site Web consacré aux avantages de la technologie, "vous seriez également en mesure de regarder une vidéo 4K presque immédiatement sans avoir à subir de temps de mise en mémoire tampon." En règle générale, une vidéo 4K sur 4G standard nécessite plusieurs minutes de mise en mémoire tampon (chargement ) temps au minimum. Une telle amélioration de la vitesse offrira aux vidéastes des marchés disponibles un avantage concurrentiel.

Supposons, pour un instant, qu'une entreprise ait envoyé des échantillons vidéo 4K à deux créations distinctes pour l'édition des enchères. Un créateur vit à Memphis, l'autre à Atlanta. Memphis n'a pas encore de 5G, mais Atlanta est construit. Dans le monde des enchères, les minutes comptent, ce qui signifie que la créatrice d'Atlanta pourra accéder instantanément au matériel d'évaluation et de soumission des offres, auquel son homologue de Memphis sera retardé de plusieurs minutes. Pour de nombreuses entreprises, la rapidité de réponse à une offre est tout aussi importante que l'offre elle-même. En supposant que les deux offres ont des coûts et des capacités comparables, l'offre reçue plus tôt représente une meilleure affaire en raison de la rapidité. Un build 5G offre cela.

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Capture d'écran d'une vidéo 4K de LoungeV Films.

Un autre scénario est celui d'une créatrice qui collabore avec un partenaire à travers la ville via la vidéoconférence cellulaire sur un projet sensible aux délais pour un client majeur. Ce client nécessite une vidéo 4K, une photographie UHD et un son et des effets d'une clarté cristalline, qui utilisent tous d'énormes quantités de données. Leur contrat prévoit une livraison juste à temps du produit final, ce qui signifie qu'une coordination à la seconde est essentielle au succès. Un parfait exemple de cela est les présentations d'événements spéciaux tels que les conventions, les grands événements sportifs ou de divertissement, ou les réunions d'entreprise critiques. Une connexion 5G permettra à ces professionnels de collaborer en temps réel avec ces gros fichiers, de les visualiser simultanément à partir de systèmes cloud sécurisés hors site, de les modifier à la volée, puis de transmettre le produit final presque instantanément à leur client, ce qui permet d'économiser du temps, de l'argent et de fournir une rentabilité maximale.

Les professionnels créatifs bénéficieront également de la capacité de la 5G, avec les protocoles de sécurité appropriés, à transmettre de grandes quantités de données pour la sauvegarde. Rien ne fait plus peur à un créateur que la notion de perte de données catastrophique, et la sauvegarde instantanée et continue du flux de données en temps réel procurera une tranquillité d'esprit à de nombreux professionnels qui, autrement, souffriraient de nerfs bruts en raison d'un manque de disponibilité de stockage hors site pendant leur utilisation. le feu vert. Lorsque l'on considère le temps et la consommation de ressources des systèmes informatiques pour sauvegarder les données via des connexions 4G, le besoin de 5G devient clair.

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De nombreuses entreprises, en particulier les entreprises créatives, passent à la vidéoconférence 4K pour améliorer la collaboration. Crédit photo: The Conferencing Zone

O STAND SE TROUVE LA 5G

De nombreuses grandes zones urbaines profitent déjà de la 5G. Sprint, considéré comme le plus petit et le plus faible des fournisseurs de services sans fil «Big Four», a été le premier à sortir de la porte 5G en 2019, fournissant des services à neuf métros majeurs, tandis que Tomsguide rapporte que le partenaire de fusion T-Mobile emboîtait le pas rapidement, lançant un service à Atlanta , Cleveland, Dallas, Las Vegas, Los Angeles et New York. Selon Fierce Wireless, Verizon a ensuite été déployé à Phoenix, Atlanta, Chicago, Denver, Detroit, Indianapolis, Minneapolis, Providence, St. Paul et Washington, DC AT&T est resté à la traîne, mais a récemment annoncé un service qui sera déployé dans plus d'une douzaine de villes américaines, mais probablement pas avant le début de 2020. Certains clients du sans fil ont signalé des indicateurs de signal 5G limités à Dallas, Tampa, Orlando et Miami.

Une vue des 60 premiers satellites Starlink de SpaceX en orbite, toujours en configuration empilée, avec la Terre en toile de fond bleu brillant le 23 mai 2019. "width =" 461 "height =" 259
Un satellite SpaceX StarLink en orbite. Crédit photo: SpaceX

CE QUI A VENIR

Au fur et à mesure que la construction se poursuit, ce saut de vitesse particulier bénéficiera aux professionnels du monde entier. Selon Space.com, cela incite déjà les prestataires et les entrepreneurs à prendre des risques pour capitaliser sur ce marché. SpaceX, le fournisseur privé de services aéronautiques à Cape Canaveral, est déjà en train de déployer son StarLink Global Internet, et il a été dit qu'il serait capable de la 5G dès sa mise en ligne. Amazon est également en train de développer son propre système 5G. Les opportunités sont infinies pour les entreprises, et les créateurs qui tirent parti de cette nouvelle technologie seront à l’avant-garde des nouveaux succès.

CONNEXES: Space.com – «Les sociétés spatiales investissent beaucoup dans la technologie 5G:

Information provenant de justaskgemalto, Fierce Wireless, Tomsguide et Space.com ont été utilisés dans ce rapport.

Demandez d'abord: un guide de permission pour les photographes et vidéastes

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Levez la main si cela vous est arrivé:

La journée a été longue derrière l'objectif vidéo ou photo. Vous avez travaillé sans relâche pour obtenir cette image ou séquence parfaite. Tout semble parfait et vous avez édité jusqu'à la dernière image et le dernier pixel. Vous l'envoyez à votre client ou à votre éditeur pour examen, puis vous recevez un e-mail avec une question simple: avez-vous toutes les autorisations et versions?

(Cue jaw drop).

Résultat d'image pour les images à mâchoire tombante

Erreur de débutant. Nous avons tous réussi à un moment ou à un autre; ce redoutable «verrouillage du cerveau» où vous réalisez soudainement, dans votre précipitation pour faire le travail, vous avez oublié la plus essentielle de toutes les tâches pour un professionnel de la création.

Vous avez oublié de demander la permission.

CONNEXES: Quand avez-vous besoin d'une libération de photos

N'ayez pas peur, jeune créatif. Bien que les prochaines étapes puissent provoquer des déchirures intestinales et des palpitations, une erreur honnête n'est pas (généralement) la fin du monde. Donc, voici quelques choses à retenir à ce moment-là, et pour chaque fois par la suite.

(Remarque: il s'agit d'une liste de «conseils pratiques» de haut niveau. Vérifiez toujours les lois de votre pays – ces conseils sont basés principalement sur la loi américaine sur le droit d'auteur)

CONNAISSEZ LA LOI

C'est la toute première chose que toute création doit faire avant de se lancer dans son projet. La raison: les lois dictent ce qui peut et ne peut pas être fait, et comment le faire correctement. Cela peut également réduire le travail inutile.

EXEMPLE: un photographe veut prendre une photo d'un bâtiment et a le choix entre trois bâtiments qui seront parfaits. L'un a été construit en 2001, tandis que les deux autres ont été achevés en 1989. Selon NOLO, un site Web de référence juridique, le photographe peut utiliser l'un ou l'autre de ces derniers bâtiments car ils ont été construits avant 1990. La loi américaine sur le droit d'auteur a été modifiée en 1990 afin que les photos d'architecture (photographies extérieures) d'un bâtiment achevé avant cette date peuvent être utilisées sans autorisation à condition que la photo soit prise d'un espace public (trottoir, servitude, parc public). Cette exemption ne s'applique pas aux intérieurs.

Vérifiez auprès de vos autorités locales pour déterminer quelles lois du domaine public s'appliquent. Cela vous évitera beaucoup de maux de tête. Si vous avez besoin d'une version, lisez la suite…

Les communiqués de localisation, comme celui-ci, peuvent souvent être trouvés en ligne gratuitement ou moyennant des frais minimes. De nombreuses entreprises ou entités gouvernementales ont leurs propres versions personnalisées.

CRÉER LA LIBÉRATION

Un formulaire de décharge est essentiel pour obtenir le droit d'utiliser le terrain dans n'importe quelle image ou vidéo. Il s'agit de la première ligne de défense d'un propriétaire contre toute action en justice si, par exemple, vous choisissez d'être un casse-cou et décidez de vous accrocher à une branche d'arbre pour obtenir une photo de l'oiseau suivant, de tomber et de casser plusieurs os (cela arrive ). Les poursuites font peur aux propriétaires de propriétés, et beaucoup hésitent à autoriser les photographes et les vidéastes sur leur propriété sans aucune sorte de décharge de responsabilité. Un formulaire de décharge est une manière écrite légale (mais fragile) de convenir «si je fais quelque chose de stupide et que je me blesse, c'est à moi, pas à vous». Gardez à l'esprit que de nombreux propriétaires de biens insisteront pour que le formulaire soit notarié à vos frais (don ne vous inquiétez pas, la plupart des notarisations peuvent être effectuées gratuitement dans votre banque).

REMARQUE: il est toujours bon d'avoir à portée de main des formulaires de décharge. Certains endroits ont le leur, mais la préparation est une bonne forme.

Des sites Web tels que l'évaluateur immobilier du comté de Seminole (FL) ont des outils pour retrouver qui est propriétaire d'une propriété.

VOIR SI C'EST PUBLIC OU PRIVÉ

C'est en fait la chose la plus facile à faire. Chaque État exige que les impôts fonciers sous forme de tri soient payés et, à ce titre, disposent d'une certaine forme de système d'enregistrement des biens en ligne. Cela signifie une base de données prête des propriétaires qui peuvent être contactés pour autorisation. N'oubliez pas que vous avez peut-être affaire à une fiducie de placement, à une société ou à un propriétaire qui doit obtenir la permission du locataire, ce qui peut ajouter du temps. Si la propriété est considérée comme «publique», comme un édifice gouvernemental, un parc, une forêt nationale ou nationale ou une servitude en bordure de route, les gens de référence sont généralement le ministère des Travaux publics local, une agence au niveau de l'État comme les transports, la foresterie ou Parks and Recreation, ou le National Parks Service (ce dernier est le moins préférable, car il nécessite plusieurs approbations par le biais des bureaux du NPS à Washington). Dans le cas des immeubles fédéraux, toujours consulter d'abord le Département de la sécurité intérieure.

CONTACTER LA PERSONNE POINT

Qu'il s'agisse d'une maison, d'un terrain, d'un édifice gouvernemental ou d'une cour d'école, chaque parcelle, chaque structure construite qui nécessite la permission de photographier a une personne-clé, quelqu'un dont le travail consiste à accorder la permission. Contactez-les par e-mail, téléphone ou courrier. Ils devraient vous donner les paramètres pour recevoir l'autorisation, généralement en faisant signer votre formulaire de décharge ou en vous envoyant un formulaire pré-rempli et signé. De nombreux endroits vous enverront un communiqué par e-mail ou par fax (toujours une bonne pratique pour obtenir un fichier signé avec un nom), mais certains (de nombreux organismes gouvernementaux) insisteront sur le courrier certifié avec un SASE (enveloppe pré-affranchie).

APRÈS AVOIR OBTENU LA PERMISSION

Premier, lis il – de nombreux formulaires d'autorisation ont des erreurs (adresses, emplacements qui peuvent être utilisés) qui peuvent le rendre invalide. Vérifiez en particulier les restrictions d'utilisation – certains propriétaires ne permettent pas la modification ou l'utilisation pour autre chose que la vente au détail, et certains propriétaires exigent une redevance pour tout l'argent gagné. Ensuite, enregistrez ou numérisez (puis enregistrez, bien sûr) le document d'autorisation et stockez-le avec une protection de sécurité. Conservez une copie écrite pour vous-même dans un endroit sûr (au cas où le fichier serait perdu ou endommagé) et envoyez-en une copie à celui qui en fait la demande immédiatement. Ensuite, suivez le communiqué à la lettre et jamais tenter de «contourner les règles» avec une version. Un bon avocat emmènera un photographe ou un vidéaste chez les nettoyeurs si un propriétaire immobilier apprend que quelqu'un l'a frappé en utilisant sa propriété d'une manière autre que celle qu'il a acceptée.

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ENFIN, AVOIR AMUSEMENT!

Obtenir la libération a été la partie la plus difficile. Maintenant que vous l'avez, ou déterminé si vous en avez besoin, faites ce que vous faites le mieux et l'amour il! Le temps du dur labeur est terminé – il est temps de profiter du travail!

Des informations provenant d'ExpertPhotography.com, de Nolo.com et du gouvernement des États-Unis ont été utilisées dans cet article.

Ce que vous devez savoir sur les images «libres de droits»

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La plupart des designers aiment les images libres de droits pour une raison; ils sont généralement pré-formatés en fonction des besoins créatifs. Les concepteurs expérimentés utilisent ces images régulièrement et de manière responsable, mais les créateurs en herbe et les amateurs se méprennent souvent sur ce qu’ils représentent, ou se moquent simplement des règles.

Veuillez tenir compte de ces éléments lorsque vous utilisez ce support, car les erreurs peuvent être coûteuses et nuire à la réputation d'un concepteur dans la communauté professionnelle.

Résultat de l'image pour les images libres de droit d'auteur

«Libre de droits» ne signifie pas «totalement gratuit»

Il est facile de penser que «libre de droits» signifie qu’aucun argent ne change de mains. En réalité, ce que signifie libre de redevance est que le vendeur est payé une redevance pour une utilisation illimitée de l'image, et que cette utilisation est, presque sans exception, réservée à des fins de non-revente, telles que le matériel promotionnel, le marketing ou à des fins d'information. La majorité des sites qui fournissent des images libres de droits spécifient en fait que leurs images ne peuvent pas être utilisées à des fins matérielles ou monétaires sans autorisation, et cette autorisation implique généralement le paiement de redevances.

Il n'y a rien de tel que «sans droit d'auteur»

C'est l'erreur la plus courante commise par de nombreux nouveaux professionnels et tous les amateurs. En vertu des lois américaines et internationales, toute image créée est immédiatement protégée par le droit d'auteur par le créateur – les seules différences d'un gouvernement à l'autre sont l'utilisation équitable et les délais de prescription. L'achat des droits d'utilisation d'une image sans payer de redevance n'est que cela; le droit de utilisation, ne pas la possession. Les photographes et les sociétés de photographie gagnent leur argent en vendant des autorisations de droits. C'est un cas rare où les photographes vendent l'image elle-même (c'est-à-dire le droit d'auteur) à quelqu'un qui l'utilisera dans une entreprise commerciale. La propriété du droit d'auteur n'est traditionnellement vendue qu'à des parties privées pour un usage personnel (c'est-à-dire – des photos de mariage) en raison de la difficulté à faire respecter la loi sur le droit d'auteur sans une preuve claire de la propriété.

RECOMMANDÉ: Le Guide des Blogueurs pour des Images Libres de Droits

Les termes et conditions ne s'appliquent pas seulement, ils sont forcée

La raison pour laquelle la plupart des amateurs invoquent la violation des conditions d'utilisation des sites Web d'images libres de droits est un refrain courant dans les affaires; ce n'est une violation que si vous vous faites prendre. Eh bien, voici un récit édifiant mettant en vedette deux grands garçons dans le monde des affaires et du monde universitaire américain, respectivement: Facebook et Princeton University.

Selon Grit Daily, une action en justice déposée devant la Cour fédérale par Planner5d, une entreprise qui fournit des outils de conception libres de droits, demande des dommages-intérêts à Facebook et à l'Université de Princeton pour ce qu'ils prétendent être une utilisation non autorisée de leur site Web pour obtenir des fichiers de scène, qui sont essentiels pour tout design d'intérieur. Bien que le comportement de Facebook et de Princeton soit allégué et non encore prouvé devant les tribunaux, il s'agit toujours d'un récit édifiant sur la raison pour laquelle les concepteurs doivent TOUJOURS comprendre les termes et conditions d'un site Web. Étant donné que les poursuites sont des documents publics et, par conséquent, faciles à rechercher, un employeur qui envisage d'embaucher un designer verra où il a contourné les règles pour répondre à ses besoins, et ce travail que le designer espérait deviendrait une mémoire instantanée.

Résultat de l'image pour la pixellisation

Même suivre les règles ne signifie pas bien images

Bien que les images libres de droits soient pratiques et économiques, leur utilisation présente certains inconvénients. Même dans des conditions idéales, de nombreuses images ont des filigranes qui ne peuvent pas être supprimés, des droits d'auteur qui sont parfois disgracieux et nuisent à la qualité de l'image, et certaines images ne peuvent pas être agrandies au risque d'une grave dégradation de l'image. Pire encore, certaines images qui peuvent être visualisées ne peuvent pas être enregistrées – une pratique utilisée par de nombreux fournisseurs libres de droits moins chers. Dans certains cas, les images sont même codées pour devenir complètement noires lorsque le fichier est envoyé pour impression ou converties en PDF ou, pire encore, apparaissent éblouissantes à l'écran mais sont en fait de faible résolution 72 DPI, qui s'impriment horriblement. La meilleure pratique est de lire les termes et conditions de l'abonnement ou de l'achat et de contacter le fournisseur pour savoir s'il propose des images libres de droits à des fins d'impression. Certains le font, d'autres non.

Soyez intelligent, soyez juste

En tant que commentaire mineur sur l'état des images libres de droits et des abus de droits d'auteur dans l'ensemble, il est sûr de dire que pour chaque concepteur de «règles faites pour être enfreintes», il y a des centaines de personnes qui veulent faire ce qui est bien. Malheureusement, il y a de mauvaises pommes dans chaque groupe, et il en va de même pour les sites Web et les fournisseurs d'images. Le meilleur conseil est de respecter les règles, de faire vos devoirs et de demander autour. Les professionnels expérimentés sont une excellente ressource pour trouver des images et la meilleure façon de les utiliser légalement. Les créatifs apprécient quand les autres respectent les règles et quand les autres honorent leur travail en étant prêts à les utiliser comme prévu. Cela peut faire la différence entre une journée de travail ou de concert de rêve et le fait d'être un «artiste affamé» parce que vous n'avez pas ressenti le besoin de jouer selon les règles que tout le monde fait.

Les informations de Shutterstock, Grit Daily et Stock Photo Guide ont été utilisées dans cet article.

FEATURE: En conversation avec Allaire Bartel sur Boundaries II

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Avec la montée des accusations d'inconduite sexuelle envers le président Donald J. Trump, le photographe Allaire Bartel utilise sa plate-forme pour éclairer son comportement non traité à travers la représentation via la photographie. Sur les 22 accusations d'inconduite sexuelle contre Trump, beaucoup ont impliqué ses positions tout au long de sa vie, sans se limiter au propriétaire du concours, au golfeur, au militant et maintenant président. À partir de son site Web que vous pouvez trouver ici, Bartel écrit à propos de son dernier projet, Limites II.

J'espère que ces photographies jetteront ces accusations sous un jour nouveau et en montreront la gravité d'une manière que ne peut pas faire un reportage. Ils sont mon appel à tous ceux qui les voient non seulement sortir et voter, mais voter armés de connaissances, d'empathie et de but.

Allaire Bartel pour Limites

Ici à Magazine de ressources, nous avons demandé à Bartel ce qu'elle pensait de son dernier Limites II pièce et plus.

Magazine de ressources: Votre intention est très claire quant à la façon dont vous avez décidé d'aborder votre projet. C'est une intersection difficile, la politique où la politique ne devrait pas être un problème, et l'art. Compte tenu de l'impartialité et de la portée du contenu, avez-vous reçu des réponses qui tentent d'arrêter ou d'avilir ce que vous avez démontré dans Limites II? Si oui, comment y avez-vous répondu?

Allaire Bartel: J'ai reçu la réponse que le projet est essentiellement de la propagande partisane et qu'en se concentrant uniquement sur une seule personnalité politique, il ne regarde pas la situation dans son ensemble ni ne reconnaît les allégations d'agression sexuelle / harcèlement dirigées contre les démocrates. Dans un sens, c'est vrai; prise à la lettre, la série illustre les nombreuses allégations contre Trump, si cohérentes que sa culpabilité ne semble guère être un problème, et pourtant il n'a fait face à aucune conséquence et reste en fonction. Je tiens les républicains responsables de cela. Mais dans un sens plus large, la série illustre le fait de mettre la politique avant les gens et de ne croire ou de poursuivre des actions concernant les allégations d'agression sexuelle que lorsque cela est politiquement opportun, et je pense que les représentants et les électeurs des deux partis en sont coupables. Je pense donc que les photos peuvent être des commentaires sur l'homme, la fête et le problème dans son ensemble simultanément.

RM: À quel moment avez-vous décidé que ce projet était quelque chose que vous vouliez poursuivre? La réponse différée du public et des médias concernant l'inconduite sexuelle ici dans notre propre gouvernement est très inquiétante, encore moins partout dans notre pays et dans le monde. Je me demandais s'il y avait une autre motivation qui a mené à ce projet?

UN B: Je pense que c'est quand j'ai appris, pas trop loin dans le mouvement #MeToo, qu'une majorité d'électeurs de Trump fait croient aux allégations contre Harvey Weinstein, mais une écrasante majorité ne croyait pas ou n'était pas sûre des allégations contre Trump. Ce rapport est resté avec moi et m'a fait penser au phénomène de ne croire que les survivants lorsque cela était politiquement commode, et je savais que je pouvais représenter c'est un moyen puissant.

RM: Avec la frustration du sujet, avez-vous trouvé difficile de vous déplacer sur un territoire en fonction de vos propres réactions à ses actions? Avez-vous trouvé réagir à ses actions personnellement une partie pivot de Limites II?

UN B: Je pense que mon point de vue personnel doit être crucial dans une certaine mesure parce que bien qu'il y ait beaucoup de gens qui désapprouvent ses actions, je ne pense pas que beaucoup le diraient d'une manière aussi ouverte. C'est une combinaison de ma forte conviction dans le sujet et, je pense, de ma volonté de créer un travail ouvertement stimulant, un peu choquant et difficile à regarder, la priorité du premier projet Boundaries ayant déjà un format disponible pour moi à construire sur. Mais alors que le projet a été déclenché par la frustration, le processus de montage a nécessité beaucoup de réflexion et de planification et ne ressemble en rien à une réaction émotionnelle instable.

(URL instagram = https: //www.instagram.com/p/zdlmBtjDeg/)

La manière de présenter le sujet, les éléments à inclure et à omettre, l'exécution technique des photos, les réponses qui pourraient être apportées et la manière d'y réagir étaient tous des facteurs à considérer. De plus, j'ai connu pas mal de contrecoups négatifs sur les premières frontières, et il faut une certaine discipline mentale pour savoir que vous pourriez éventuellement vous préparer à cela et suivre de toute façon. En plus de tout cela, j'avais besoin et je comptais absolument sur une grande équipe qui devait à la fois avoir une forte opinion du sujet et être disposée à se présenter de la même manière. Donc, pour résumer, je pense que mes croyances et mes antécédents étaient cruciaux pour le projet, ainsi que ceux de mon équipe, mais toutes nos compétences combinées et notre travail acharné au-delà de nos croyances étaient tout aussi cruciaux.

RM: Enfin, je sais Limites I traite d'un thème similaire d'inconduite sexuelle et de harcèlement à travers différentes vies personnelles et différents rôles normatifs des femmes, allant d'une femme à la maison ou en public. Il est frustrant et troublant de voir comment les problèmes d’inconduite sexuelle, en particulier sur le lieu de travail, sont considérés comme un problème partisan. Avec ce sujet brûlant en politique et débattu tant par les hommes que par les femmes, y aura-t-il un Limites III dans les ouvrages? Si oui, que prévoit-il pour un public 2019?

UN B: Je n'ai pas encore de plan concret pour mon prochain versement, mais je pense que je vais continuer à étendre le projet. Malheureusement, j'ai l'impression de pouvoir continuer les frontières indéfiniment, d'explorer de nouveaux sujets et cela restera toujours d'actualité. Mon intérêt est de continuer à me concentrer sur les cas d'agression sexuelle et de harcèlement au sein des institutions, où le pouvoir de l'institution prime sur le bien-être des personnes concernées. Dans cet esprit, j’envisage actuellement l’Église catholique, les centres de détention ICE et le système carcéral américain… et je suis ouvert aux suggestions!

Suivez Allaire Bartel sur Instagram et consultez son site Web. Allaire travaille à la fois avec le travail commercial et le travail personnel sur les problèmes des femmes. Elle est basée à New York et au Connecticut.

6 raisons pour lesquelles le Sony RX0 II est un appareil photo de voyage idéal

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Avec le récent lancement du Sony RXO II, j'ai commencé à penser aux outils que nous utilisons tous pour créer le contenu photo et vidéo que nous partageons avec le monde. Alors que les ventes d'appareils photo reflex numériques ont stagné récemment, la popularité des appareils photo plus légers, plus petits et souvent plus portables a augmenté. La tendance semble pointer vers des personnes souhaitant des appareils plus puissants dans des packages plus petits, moi y compris. Ces petits forfaits sont idéaux pour les voyageurs qui préfèrent se concentrer sur les expériences plutôt que d'avoir à réaliser un kit photo lourd afin de documenter leurs voyages.

Donc, aussi souvent que je voyage, lorsque Sony a lancé le petit RX0 II, je savais que je voulais en acheter un. Avec son capteur CMOS Exmor RS de 15,3 MP, son boîtier robuste et étanche, la prise en charge de la vidéo 4k interne et un tout nouveau mode time-lapse intégré, je savais que je ne pouvais pas le tester n'importe où! J'ai dû trouver un endroit qui non seulement m'a permis de voir ce qu'il était capable de capturer, mais qui a également mis au défi l'appareil. Pour moi, la réponse était évidente! J'avais besoin de prendre le RXO II avec moi l'une de mes chaînes montagneuses préférées dans le monde, le sud de la Patagonie.

Après avoir utilisé l'appareil photo pendant des semaines, j'ai vraiment senti que le RXO II était un appareil photo idéal pour les voyageurs qui souhaitent emballer de la lumière, mais qui veulent une qualité photo et vidéo forte. Voici quelques-unes des raisons pour lesquelles j'ai adoré voyager avec le Sony RXO II.

Petit ensemble léger

L'une des premières choses que j'ai remarquées sur le RX0 II est à quel point il est petit et portable. Je peux facilement placer deux ou trois RX0 II dans la paume de ma main. Pesant seulement 4,7 oz, il est également incroyablement léger, bien qu'il semble solide. En raison de sa taille, j'ai pu l'emporter partout avec moi tout au long de mes voyages en Patagonie, sans même y penser. Souvent, je le jetais simplement dans la poche de mon manteau d'hiver. Pour moi, c'est un de ces appareils si portable que je dois activement réfléchir aux raisons pour lesquelles je ne voudrais pas l'avoir avec moi, ce qui contraste fortement avec la façon dont la plupart des photographes pensent de leur équipement.

Installation facile

Tout au long de mon séjour en Patagonie, j'ai associé mon RX0 II à un petit trépied Joby léger, ce qui m'a permis de positionner discrètement le RX0 II partout où j'en avais besoin. Avec un support pour trépied au bas de l'appareil photo, il était incroyablement facile à fixer. L'ajout de l'écran LCD articulé arrière a contribué à en faire un combo parfait, car je pouvais toujours voir l'écran sous n'importe quel angle.

Qualité photo et vidéo impressionnante

Bien que vous soyez limité à un objectif fixe 24 mm f / 4, la puissance du capteur CMOS Exmor RS de 15,3 MP est assez incroyable, ce qui ne devrait pas être une surprise car il s'agit du même capteur que celui de la populaire série Sony RX 100. Les fichiers bruts AWR Sony issus du RX0 II vous offrent beaucoup d'espace pour le post-traitement et offrent des résultats d'une netteté remarquable comme vous pouvez le voir ci-dessous.

Vidéo Time-lapse d'aspect professionnel et facile à utiliser

L'une des choses qui me passionnent le plus avec le RXO II est la création de clips time-lapse. Avec le nouvel Intervalomètre intégré de Sony, j'ai maintenant la possibilité de filmer facilement une variété de différents types de laps de temps avec facilité. Associé à sa taille discrète, je me suis retrouvé à configurer le time-lapse beaucoup plus que je ne le ferais normalement avec mes plus grands appareils photo sans miroir Sony.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=BmzF3jGivvA (/ intégré)

L'écran LCD arrière articulé

L'une des fonctionnalités les plus demandées avec presque tous les appareils photo Sony est d'avoir un écran LCD arrière qui non seulement s'articule, mais qui se retourne également. Bien que certaines personnes puissent être enthousiasmées par cette fonctionnalité car elle vous permet de prendre facilement un selfie, je pense que le cas d'utilisation le plus excitant serait pour les Vloggers qui espèrent utiliser le petit RX0 II pour leur caméra de voyage quotidienne portable.

Transfert WiFi en déplacement

Lorsque vous êtes sur la route, il y a des moments où vous voulez obtenir le contenu que vous venez de filmer immédiatement afin de pouvoir le télécharger sur Instagram ou Facebook. Lorsque vous associez le RX0 II à votre smartphone à l'aide de l'application Imaging Edge (Android et IOS), vous pouvez facilement transférer des fichiers JPEG et vidéo (même 4k) vers l'appareil de votre choix. Il est important de noter que vous ne pouvez actuellement pas transférer vos fichiers bruts Sony AWR à l'aide de cette méthode.

Donc, dans l'ensemble, j'ai adoré mon temps avec le Sony RXO II. Bien qu'il ne puisse jamais remplacer mon kit sans miroir complet Sony, l'appareil photo offre une qualité étonnante dans un petit boîtier, le rendant parfait pour entreprendre presque toutes les aventures, que ce soit comme appareil photo principal ou appareil photo secondaire pour capturer rapidement des photos grand angle sur le go, vidéo time-lapse ou pour prendre un selfie ou enregistrer un Vlog.

Suivez Colby Brown sur son site Internet, Instagram et Facebook.

Achetez le Sony RXO II via Amazone ou Photo de B&H.

Ce photographe aide les autres à trouver une thérapie avec l'art de la photographie

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Le programme de photothérapie de Nina Robinson exploite la capacité innée de la photographie à susciter la guérison et l'inspiration à la fois pour elle et ses étudiants âgés.

En tant que photographe documentaire, Nina Robinson, basée à Minneapolis, s'inspire à la fois des personnes qu'elle a interviewées et de ses collègues photographes dont les œuvres explorent la transformation, la famille, les problèmes sociaux et le journalisme axé sur les solutions. Mais en tant qu’éducatrice, elle ne savait pas comment le programme de photothérapie qu’elle a aidé à développer cultiverait également une passion pour l’enseignement aux personnes âgées.

Note de l'éditeur: Visual Momentum fait référence au flux de la narration et à son effet sur le processus de réflexion du spectateur. Cette série met en lumière des créateurs qui utilisent avec succès leurs outils et leurs esprits pour créer un impact sur le monde grâce à l'imagerie dans le but d'inciter à l'action. Avec le soutien de Fujifilm, nous partageons leurs histoires. N'oubliez pas de consulter également l'interview vidéo sur This Week in Photo

Tout a commencé comme un programme de deux ans qu'elle a nourri et développé de manière indépendante avec le département de médecine familiale du Bronx Lebanon Hospital en 2015. D'un cours de photographie pour débutants pour personnes âgées au William Hodson Senior Center dans le Bronx, le travail de Nina a évolué de façon organique en un cours de photothérapie après avoir décidé de sa structure et de son impact, il a fallu réévaluer. Ce changement est survenu après plusieurs exercices et projets qui ont révélé qu'il se dirigeait vers une voie plus profondément personnelle. «En tant qu'instructeur, mon objectif était de motiver, engager et parler de mes étudiants, de la population âgée, sur les sujets qui comptaient pour eux afin de stimuler leur esprit», explique Nina au Phoblographe dans une interview. «Il s'agissait de comprendre le lien humain et de créer un environnement confortable pour que les personnes âgées parlent ouvertement et honnêtement, au lieu d'intérioriser les problèmes.»

Les photographes ne sont pas étrangers à l'utilisation du médium pour évoquer des émotions, inciter des idées et raconter des histoires personnelles. «La profondeur de certaines des discussions sur les photos partagées a souvent évoqué des émotions et des pensées cachées sur la découverte de soi, l'expérience et les opinions sociales dans leur ensemble pour de nombreux étudiants ainsi que pour moi», a noté Nina. Elle a également compris que ce programme avait le potentiel d'ajouter une autre dimension. Construit sur les perspectives des personnes âgées, il pourrait être une avenue de réflexion pour faire surface leurs histoires uniques en attente d'être racontées.

Déballage des souvenirs avec ou sans l'objectif

«Je me sentais très attirée par les images photographiées par mon élève Sarah Carter, qui avait un appareil photo numérique et de prise de vue qu'elle emporterait partout avec elle. De ses trajets en bus à travers la ville, à d'autres événements auxquels elle assistait et l'ensemble des travaux qu'elle m'apportait à réviser était incroyable. Barry Hardy, il était chauffeur de camion et à travers la discussion, il a révélé combien il avait manqué de conduire.Il a donc choisi d'incorporer une photo prise avec son appareil photo reflex en prenant des photos par la fenêtre pendant qu'il conduisait. Il en a tiré des photos incroyables. »

Après les brise-glaces typiques de chaque classe, Nina a demandé à ses élèves d'apporter des photos de famille. Ceux qui n'avaient pas de photos ont apporté des objets de famille ou des objets d'importance personnelle. Construire une discussion sur ces photos et objets a forgé le lien de la classe et les a aidés à s'identifier sur le plan personnel. Le programme de photothérapie est finalement devenu l'avenue idéale pour ses étudiants âgés pour confronter et explorer divers thèmes personnels – les plus courants étant la mémoire, la famille, la politique et la race. Certains d'entre eux avaient des appareils photo – du point de vue numérique et des prises de vue aux appareils photo reflex numériques, et même un appareil photo Polaroid Land – pour décortiquer tous ces problèmes et les canaliser vers des photographies convaincantes et simples. D'autres se sont contentés d'assister aux cours uniquement pour les discussions sur la photographie, ou de s'engager dans les discussions sur les photos apportées aux séances.

Deux de ces élèves ont fait forte impression sur Nina – ses interactions ont incité à se rendre compte qu'elle établirait des liens émotionnels et inspirants avec eux. Leurs photos ont donné un aperçu de leur vie quotidienne et même des choses apparemment insignifiantes qu'ils ont manquées à un moment antérieur de la vie. Malgré tous ses avantages, la photothérapie est également venue avec son propre ensemble de défis à la fois pour Nina et les participants. Elle a trouvé que cela tournait principalement autour du traitement de nombreuses réponses aux images qu'elle montrait pendant les sessions. Celles-ci pouvaient également souvent dégénérer en discussions sur leurs expériences personnelles, leurs croyances, leurs émotions et leurs souvenirs – des sujets qui, selon elle, avaient été supprimés pendant de nombreuses années mais avaient refait surface avec la combinaison de la douleur et de la libération.

Les avenues créatives et les activités artistiques expressives comme la photographie ont toujours été encouragées pour les personnes âgées à enrichir leur vie et à apporter une multitude d'avantages à la santé des personnes âgées. Parmi ceux-ci, selon Barbara Bagan, PhD, ATR-BC dans Geriatric Monthly, il s'agit notamment de réduire la dépression et l'anxiété, d'aider à la socialisation, de favoriser un sentiment d'identité plus fort et d'offrir une cognition sensorielle. Ces avantages jouent un rôle particulièrement important dans le programme développé par Nina.

«Notre population âgée est souvent ignorée dans notre société et nous devons comprendre l'importance de leur donner une plateforme comme celle-ci, car ils ont encore beaucoup à dire et beaucoup à faire. S'engager dans la photothérapie amplifie leurs voix. Cela leur donne un espace pour parler, partager, se sentir responsabilisés et rencontrer de nouvelles personnes qu'ils n'auraient peut-être pas rencontrées autrement. »

Les étudiants de la classe de photothérapie de Nina Robinson au William Hodson Senior Center pratiquent la photographie de rue avec des appareils photo Polaroid.

La photothérapie va dans les deux sens

Il n'est pas surprenant que la photographie puisse être un outil très puissant pour guérir et dessiner l'inspiration, et le programme de photothérapie a montré à quel point cela va souvent dans les deux sens. Pour les étudiants seniors, une seule image pourrait déclencher une discussion et puiser dans des émotions qu’ils n’ont jamais ressenties ou qu’ils n’ont pas ressenties depuis longtemps. Partager leurs histoires personnelles aide à renforcer leur confiance et leur individualité, encouragés par un espace sûr construit sur le respect et l'autonomisation. Nina a souligné que parmi les leçons importantes pour elle en tant qu'éducatrice, il faut comprendre que les enseignants sont également des étudiants, et chaque session est un effort de collaboration. Cette perspective a fait passer son processus photographique du simple fait de raconter une histoire sur les communautés à l'implication des communautés dans la conversation.

Nina continue d'enseigner des ateliers visuels et sociaux comme le programme de photothérapie à travers les États-Unis. Bien que ce programme se soit terminé avec son déménagement en Arkansas, il a servi d'inspiration pour l'atelier photo multigénérationnel et le camp de démarrage pour jeunes photos qu'elle a animés dans l'État. «Je suis heureuse de savoir que des organisations comme le Bronx Documentary Center se sont inspirées de mon travail et ont développé un cours de photographie pour soutenir la population âgée du Bronx», a-t-elle déclaré. «Mon espoir est de travailler en partenariat avec des hôpitaux et des cliniques pour fournir ces ateliers photo / sociaux aux communautés des États-Unis qui n'auraient pas normalement accès à un programme comme celui-ci.»

Le processus créatif pour le photographe documentaire

Utilisateur de Fujifilm depuis cinq ans, l’appareil photo de choix de Nina est le Fujifilm X-Pro2 pour sa taille compacte et son mode d’obturation électronique. «Il tient parfaitement dans mes mains et me rappelle mon tout premier appareil photo, le Minolta X 700. Ce que j'aime le plus dans mon X-Pro2, c'est le mode d'obturation électronique, qui m'a énormément aidé lorsque je capture des images fixes sur des plateaux de tournage, intimes des moments en famille et au William Hodson Senior Center où j'enseignais. J'ai utilisé des objectifs XF 16-55 mm f2.8 et XF 35 mm f1.4 pour capturer les portraits de mes étudiants et d'autres personnes âgées qui considéraient le centre pour personnes âgées comme une deuxième maison. »

Il est intéressant de noter l’impact du programme de photothérapie sur Nina elle-même, à la fois en tant que facilitatrice des cours et photographe documentaire face à l’occasion de s’inspirer des histoires de ses élèves. Cependant, son objectif principal en tant qu'éducatrice prime, et c'est là qu'elle a surtout consacré ses énergies créatives. Lorsqu'elle a réussi à prendre des photos dans le centre pour personnes âgées, elle a pu canaliser ce qu'elle avait appris de ses élèves en termes de narration visuelle.

Un portrait de Thelma, une étudiante en photothérapie au William Hodson Senior Center et une de ses photographies.

Un portrait de Sarah, étudiante en photothérapie au William Hodson Senior Center et une de ses photographies.

Un portrait de M. Brown, étudiant en photothérapie au William Hodson Senior Center et une de ses photographies.

Un portrait de Berry, un étudiant en photothérapie au William Hodson Senior Center et une de ses photographies.

"JE n'était pas trop concentré sur la documentation de ce que je faisais car le but de ma classe était d'amener mes élèves à parler et à interagir les uns avec les autres, à les exciter à créer des images ou à discuter d'un sujet autour d'une photographie – comprendre ce qu'ils voient dans le l'image et aussi comment l'image les fait se sentir. Puisque j'étais l'animateur, il était assez difficile de documenter à moins d'avoir un conférencier, lors d'une excursion ou lorsque mes élèves se séparaient par paires pour se photographier ou photographier le quartier. Je venais souvent tôt ou restais tard et photographiais autour du centre pour personnes âgées. »

"Ce fut de loin l'une des expériences les plus gratifiantes de ma carrière photo que j'aie jamais vécues (sans prendre mon appareil photo). Mes élèves me manquent vraiment. Je ne pense pas qu'ils savent à quel point ils ont changé ma vie et ce que j'ai appris d'eux. La façon dont je vois la narration visuelle a maintenant beaucoup à voir avec ce que nous avons collectivement partagé en classe. »

Regardez l'interview du podcast de Nina sur TWiP

(embarqué) https://www.youtube.com/watch?v=cMO4wIT_GHU (/ embarqué)

À propos de Nina Robinson

La photographie documentaire de Nina couvre des histoires dans le sud américain, le Midwest et la côte est. Elle décrit son travail comme un mélange de ses expériences passées, dans le but de faire le pont entre le documentaire, les éléments personnels et les beaux-arts. Son style de narration visuelle, a-t-elle déclaré, est présent depuis qu'elle a pris la caméra pour la première fois. Il développait la confiance nécessaire pour poursuivre ce qu'elle pensait être intéressant au lieu de se faire dire ce qui était acceptable qu'elle devait apprendre au fil du temps.

En tant que créatrice, elle permet à sa propre approche astucieuse de se manifester naturellement. "Je pense à la citation d'Edward Alby:" Si vous intellectualisez et examinez le processus créatif trop attentivement, il s'évapore et disparaît. "Mes cadeaux sont ancrés en moi et ne veulent pas s'émousser ou se déconnecter de mon travail en réfléchissant trop fort de les ajouter à mon travail. "

L'attention actuelle de Nina tombe fortement sur les communautés sous-représentées pour briser les préjugés visuels de la race, de la classe, de l'âge et du sexe. La force de la photographie documentaire, pour elle, réside à la fois dans l'œil, la compréhension et le respect des personnes devant l'objectif. Ses photos sont apparues dans American Photo, TIME Lightbox, Lens Culture, New York Times Lens Blog et Wall Street Journal. En plus des expositions, elle était l'une des trois photographes récompensées par la subvention Getty Instagram en 2017 et récipiendaire d'une subvention de reportage du Pulitzer Center on Crisis Reporting.

En tant que conteuse visuelle, elle cherche à révéler la beauté de la vérité et de l'honnêteté en son cœur. Pour ses projets personnels, elle s'assure que chacun se sente personnel et unique en remodelant la façon dont elle communique visuellement et à qui. «Dans cette industrie, nous parlons beaucoup d'influencer le changement avec nos images, mais qu'est-ce que cela signifie même? En posant cette question, je suis devenu plus intéressé par le photographe non traditionnel, les communautés que je photographie et la façon dont les individus se voient dans la photographie moderne. »

Note de l'éditeur: Ceci est un article de blog sponsorisé de Fujifilm

À propos de FUJIFILM North America Corporation (Fujifilm)

FUJIFILM North America Corporation (Fujifilm) permet aux photographes et cinéastes du monde entier de construire leur héritage en partageant leurs histoires. Fondé sur ses 85 ans d'histoire de fabrication de films photographiques et cinématographiques, de technologies pionnières dans les objectifs et les revêtements, et de moteur d'innovation dans le développement de technologies d'appareils photo numériques sans miroir, Fujifilm continue d'être au centre de la vision créative de chaque conteur.

Repoussant les limites de la photographie numérique et des innovations cinématographiques, les appareils photo numériques sans miroir et les objectifs FUJINON de la série X et GFX de Fujifilm offrent une qualité d'image exceptionnelle aux créateurs de tous niveaux. Offrant une clarté d'image, des technologies avancées de reproduction des couleurs et une large gamme de simulations de films, la famille d'appareils photo numériques sans miroir de Fujifilm remplit sa mission intrinsèque de capture et de préservation des moments pour les générations à venir.

Avec un appareil photo numérique Fujifilm à portée de main, vous pouvez saisir l'instant, partager votre histoire et bâtir votre héritage. Apprenez-en plus sur notre site Web.

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Cet article est apparu pour la première fois et a été fourni par nos amis de The Phoblographer.

Quelles sont les caractéristiques des personnes créatives et en faites-vous partie?

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Lorsque vous entendez le mot «créatif», à quoi pensez-vous? La créativité peut prendre toutes les formes et toutes les formes, faire émerger toutes sortes d'idées et inspirer le changement dans le monde. Mais la créativité est également un terme vague en raison du nombre de débouchés, et avec cela vient deux choses: un défi et une opportunité. Par exemple, il est très facile de marcher à côté d'un groupe de personnes créatives et de devenir aveugle de voir dont les intentions sont authentiques. Il est encore plus facile de devenir aveugle aux vôtres. Examiner les caractéristiques personnelles de temps en temps est une excellente occasion de voir quels traits de la vôtre sont pratiqués de manière créative, car nous savons tous que les humains ont de nombreux traits dans d'autres départements. Cela peut non seulement vous aider à prendre du recul, mais aussi à voir ce qui constitue réellement une caractéristique créative, ce qui en retour peut vous aider à voir si vos intentions «créatives» sont mises en pratique ou oubliées. Je sais, une bouchée non? La vérité est que, parfois, nous nous perdons de vue, parfois nous perdons de vue notre objectif, et parfois nous perdons de vue ce qu'est la véritable créativité. La créativité se démarque, elle n'a pas de certaine définition, et elle existe juste telle quelle. Quelles sont donc les caractéristiques des créatifs? Et vous en faites partie? En voici dix qui pourraient mettre certaines choses en perspective.

(Steffy B. via Flickr)

1. Énergique

Les créatifs ont une certaine énergie qui les entoure. Ils ont tendance à rayonner beaucoup d'énergie et à mettre tout leur cœur dans ce sur quoi ils dépensent leur énergie. Ce type d'énergie est différent de, disons, l'hyper-nesse, car il conduit le créateur dans une direction positive et n'est pas dépensé sans but. L'énergie aide le créateur à mettre de la passion dans son création et diffuser de l'énergie aux autres quand ils voient ce qu'ils ont créé. Être énergique est souvent contagieux, et les gens créatifs aiment frotter leur énergie sur d'autres personnes. Croyez-moi, cette énergie ne ressemble à rien d'autre et si vous l'avez déjà ressentie, vous saurez de quoi je parle.

(Pimthida via Flickr)

2. Intelligent

Être intelligent est une autre caractéristique de la créativité. Il y a un éventail de sagesse dans l'esprit d'une personne créative, un peu comme un cadeau difficile à trouver. Les créatifs sont intelligents et savent comment l'utiliser dans tous les bons domaines. Ils arrivent rapidement avec des idées et sont ingénieux avec leur environnement. L'intelligence peut prendre plusieurs formes, mais les créatifs ont tendance à pratiquer le plus souvent l'aspect abstrait et artistique de l'intelligence. La sagesse est une caractéristique forte dans l'esprit d'un créateur, car plus d'intelligence mène naturellement à plus de succès créatif.

(Svetlana Nova via Flickr)

3. Sensible

Bien que l'intelligence soit une caractéristique dominante, les personnes créatives ont également un côté soumis. Ils sont sensibles à beaucoup de choses, car leur cœur est constamment ouvert au monde. Être émotif leur vient facilement et beaucoup de choses les font pleurer. Les créatifs voient facilement à la fois la joie et la douleur dans la vie quotidienne, ce qui les rend sensibles à l'ensemble du spectre de la vie. Être sensible et vulnérable permet à un créatif de dissiper tout doute de soi et de répandre sa passion et ses efforts dans son travail. Un cœur sensible peut être perçu comme soumis, mais c'est vraiment un cadeau à posséder pour un créateur.

(Charlotte Klein via Flickr)

4. Ambitieux

Les créatifs sont très ambitieux dans leurs activités. Ils sont toujours à la recherche du prochain projet et ont une main enthousiaste. Presque rien ne décourage leur préférence pour essayer quelque chose de nouveau. La création constante incite les créatifs à rechercher davantage, et l'ambition leur en donne plus. Ils cherchent et cherchent et finissent par trouver ce qu'ils recherchent. Que ce soit dans la plus petite partie de leur journée ou le plus grand événement de leur vie, il y a toujours quelque chose à tirer de leur expérience pour inspirer leur travail.

(DeadArtistsSociety via Flickr)

5. Naive

Une autre caractéristique soumise de nombreux créateurs est d'être naïf. Être naïf peut être une chose très dangereuse dans ce monde, et les gens créatifs ont tendance à tomber dans ce bassin naïf assez souvent. Mais être naïf n'est pas entièrement dangereux, cela peut aider les créateurs à tirer des leçons de leurs erreurs et à grandir. Cela peut les aider à ouvrir certaines portes accidentellement, ce qui les aide à s'épanouir de nouvelles découvertes. Il y a une certaine innocence enfantine chez une personne créative parce qu'elle regarde le monde avec des yeux pleins d'espoir et essaie de voir le meilleur de l'humanité. Être curieux ou avoir un esprit errant va de pair avec la naïveté; Le monde est votre arrière-cour, mais attention au chien, le monde peut parfois mordre.

(Soyeux-Banksy Via Flickr)

6. rebelle

Les créatifs sont beaucoup plus rebelles qu'on ne le pense. Ils prennent beaucoup de risques et souvent. Ils n'ont pas peur de gâcher parce qu'ils ont tendance à voir le bien en eux s'ils le font. Ils peuvent avoir beaucoup d'ecchymoses et de cicatrices pour prouver leurs erreurs, mais leur rébellion maintient leur cœur en vie avec le feu. Avec un cœur plein de feu et d'esprit audacieux, rien ne peut blesser un créateur, pas même la réponse la plus méchante du monde. Être rebelle signifie sortir de la boîte et essayer quelque chose, même si cela entraîne un échec, car les créateurs choisissent de regarder est l'occasion de se développer dans les deux cas.

(Rachel Lucas via Flickr)

7. Extraverti et introverti

Une personne peut-elle être à la fois extravertie et introvertie? Les créatifs le peuvent! Les créatifs ont deux faces: la face privée et la face publique. Ils peuvent être sociaux et personnels, bavards et silencieux, timides et confiants, tous dans le même corps. Être extraverti a ses avantages, tout comme être introverti. Les créatifs sont très disposés à embrasser les choses et à voir les avantages à équilibrer juste la bonne quantité d'extraverti et d'introverti afin de récolter tous ses avantages.

(Jean Louis Mazières via Flickr)

8. Ludique

Être ludique est la raison d'être des créatifs. Ils jouent avec les idées jusqu'à obtenir le résultat souhaité. Ils jouent avec les peintures pour obtenir la bonne couleur, jouent avec l'objectif pour capturer la photo parfaite, jouent avec le métal pour construire le bon modèle, et vous savez très bien que les créatifs «jouent avec le feu». Être ludique permet à un créatif de s'amuser. Cela leur permet de prendre ce qu'ils font moins au sérieux et d'y mettre de la joie en passant simplement un bon moment. Et parfois, les meilleures choses viennent par erreur, ou par accident, ou en jouant avec Feu.

(Christian Weidinger via Flickr)

9. ouvert d'esprit

S'il y a une personne qui est ouverte d'esprit, c'est votre ami créatif, ou toute personne qui est créative dans ce monde d'ailleurs. C'est un gros problème, compte tenu de l'ouverture des possibilités offertes aux créateurs pour réussir. Être ouvert d'esprit permet aux créatifs de gravir des montagnes et de s'aventurer dans des terres secrètes. Il permet aux gens de voir à travers un autre objectif sans se captiver dans une boîte de frontières ou de restrictions. Être ouvert d'esprit aide les créatifs à se libérer, et une création libre a le ciel comme limite.

(Denis Kuschter via Flickr)

10. Rêveur

Les créatifs ne cessent de rêver. Ils rêvent le jour, dans leur esprit en permanence, le soir, la nuit et encore le lendemain. Les créatifs rêvent en raison de leur orientation vers les objectifs, et ils rêvent de ces objectifs de manière réaliste afin de les motiver. Les créatifs peuvent également se laisser emporter, comme tout individu. Mais pour la plupart, ce rêve dont nous parlons, c'est intouchable, car quand une personne créative veut quelque chose, elle y va de tout son cœur, même si cela a commencé comme un rêve.

Voyez-vous une de ces caractéristiques en vous? La vérité est que ce ne sont que quelques-unes des nombreuses autres caractéristiques qui peuvent être répertoriées pour les créatifs. Mais si l'un de ces éléments est en vous, n'ayez pas peur de les pratiquer de manière créative! Ce sont des traits très spéciaux à chérir! Et si l'un de ces ne sont pas en vous, cela ne signifie pas que vous n'êtes pas une personne créative ou que vous ne pouvez pas vous transformer en une seule personne au fil du temps. Ce ne sont que dix qualités qui peuvent vivre au plus profond de vous et de moi, votre compagnon de chambre créatif ou votre collègue artistique, votre voisin. Vous pouvez naître avec certaines de ces qualités et certaines que vous pouvez apprendre à hériter. Au bout du compte, être créatif est en chacun de nous. N'ayez jamais peur de canaliser votre créativité intérieure, c'est ce qui nous maintient en vie.

Cette pièce a été écrite avec l'inspiration de cet article:

https://www.verywellmind.com/characteristics-of-creative-people-2795488

Les meilleures ventes du Black Friday / Cyber ​​Monday pour les photographes

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Dans une ligne de travail où votre métier nécessite des outils (équipements) et parfois coûteux, la meilleure chose que vous puissiez faire est d'être à l'affût lorsque des opportunités se présentent. Les ventes du Black Friday sont à nos portes et cela pourrait changer la façon dont nous menons nos affaires en 2020. Vous voulez obtenir des informations sur certaines des meilleures ventes pour les photographes? Jetez un œil à notre liste ci-dessous et faites le plein pour la nouvelle année.

Vente Black Friday et Cyber ​​Monday de DJI

Le moment que vous attendiez tous est arrivé. La vente du vendredi noir de DJI arrive le 24 novembre, marquant une période de vente extraordinaire pour les drones, les cardans et les accessoires DJI. Le Black Friday revient cette année avec jusqu'à 34% de réduction. Les possibilités sont infinies, et maintenant il est temps de découvrir les vôtres!

Mavic 2 Pro

Obtenez l'accord: https://www.adorama.com/djim2pro.html

Osmo Pocket

Obtenez l'accord: https://www.adorama.com/djiosmopo.html

Osmo Action

Obtenez l'accord: https://www.adorama.com/djiosmocam.html

Anthropiques

Économisez 20% PortraitPro 19. Le dernier développement en matière de retouche portrait d'Anthropics Technology et regorge de fonctionnalités conçues pour faciliter l'édition de vos images. Avec la nouvelle technologie Clear Skin ™ 5 qui maintient la texture naturelle de la peau de votre sujet tout en éliminant les imperfections. PortraitPro 19 signifie plus de portraits à l'aérographe ou d'aspect plastique. Saisissez votre coupon TD1990 avant d'effectuer votre paiement pour bénéficier de votre remise.

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Peak Design

Jusqu'à 20% des sacs de tous les jours, des sacs de voyage et du matériel photo.

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Différentes façons de réorganiser votre espace de travail pour obtenir plus d'idées créatives

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Être à la maison et être également créateur de n'importe quel domaine; il y a toujours un espace pour vous de créer ou même de brainstorming. Parfois, l'espace peut être mouvementé et différents documents peuvent s'empiler. En outre, il y aurait des cas où vous ne serez pas motivé à faire une partie du travail que vous avez à faire. Il existe de nombreuses façons de réorganiser votre espace de travail afin de remettre cette motivation sur la bonne voie avec les nombreux projets que vous pourriez avoir en attente.

Débarrassez-vous des éléments indésirables

L'organisation est définitivement la clé pour changer votre espace. Vous pouvez avoir des articles de plusieurs mois et vous avez des tas de piles – le nettoyage est ce qui est le mieux. Il existe de nombreuses façons intéressantes de réorganiser votre espace de travail. Mais il faut nettoyer pour aller de l'avant dans votre projet de réorganiser votre espace.

Trouvez des mots inspirants pour votre bureau

Les mots peuvent faire beaucoup pour une personne, même motiver en cas de besoin. Une fois que vous vous êtes débarrassé de toutes les ordures inutiles de votre bureau, vous pouvez maintenant rechercher des citations pour vous inspirer. Il existe de nombreuses citations sur le marché parmi lesquelles vous pouvez choisir. Vous avez même la possibilité de créer votre propre devis et "DIY" si vous le souhaitez. Ce sera un bon moyen de faire preuve de créativité et de laisser couler ces jus.

N'ajoutez pas d'horloge

Dans votre domaine, vous devez réaliser certains projets en temps opportun, mais avoir une horloge ou même la regarder de manière contente vous stressera. Comme alternative, n'en obtenez pas. Essayez de prendre l'habitude de simplement produire du contenu et d'être créatif à votre rythme, afin de ne pas devenir un peu fou.

Nouvelle chaise de bureau

Enfin, après avoir tout placé au-dessus de votre nouvel espace de travail, vous aurez besoin d'une belle chaise pour vous asseoir. Avoir un espace où son espace et son confort feront vraiment couler votre créativité.

photos incluses de pexels.com

Voici quelques-uns des meilleurs endroits pour les photographes pour voyager en décembre

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(Via Flickr)

Voyager pendant la période des fêtes est l'une des périodes les plus populaires de l'année. Avec de nombreuses destinations à considérer, il y a certains endroits vers lesquels les photographes gravitent absolument en tenant compte de clichés impeccables de beaux paysages d'hiver, du beau temps et, bien sûr, d'un petit bonheur de vacances. À cette époque de l'année, la plupart des endroits changent avec la saison et transforment les paysages verts en peintures d'hiver, et avec la transition du temps, de la température et des paysages, «les photographes doivent temporairement apprendre à« aimer le froid arctique et réserver un voyage et monter votre jeu de photographie d'hiver pour s'épanouir cette saison »(Magazine Focus). Vous trouverez ci-dessous une poignée d'endroits dont vous pourriez ou non avoir entendu parler, mais nous espérons vous inspirer à voyager cet hiver après avoir lu ceci.

1.Parc national de Yellowstone, Wyoming / Montana / Idaho

(Via Flickr)

En l'honneur de la vôtre, les États-Unis, notre premier emplacement a été surnommé l'un des plus beaux endroits d'hiver à résider aux États-Unis pendant l'hiver. Certaines de ces raisons sont que cette destination "est idéale pour la photographie de paysages, d'animaux, de vie marine et d'oiseaux (ils ont tout, les gens)." Pour les photographes, la variété de photos à capturer dans ce parc national donne à ceci emplacement un atout majeur pour ceux qui recherchent un appareil photo plein de divers plans. Non seulement cela place cet endroit sur le radar des photographes, mais cela soulage également la pression de l'artiste parce que p.s: tout bon photographe sait que l'art de choisir la meilleure photo sur une centaine de photos peut être fastidieux. Donc, si vous cherchez des paysages enneigés nets et propres, des plaines accidentées de la nature hivernale et un ciel bleu glacial, violet et indigo, le parc national de Yellowstone est un excellent endroit à considérer.

2. Les Alpes suisses, Suisse

(Via Flickr)

En voyageant jusqu'à la région européenne du monde, la Suisse est deuxième sur la liste des endroits où nos plus chers photographes peuvent vouloir réserver un voyage, et bien les raisons sont copieuse (c'est «abondant» en français). Est-ce les Alpes suisses construites majestueusement au-dessus de la forteresse de nuages ​​qui donnent aux photographes une hauteur et une profondeur dramatiques dans leurs photos? Ou peut-être à cause de la beauté de la neige sur les Alpes, presque comme si les anges eux-mêmes avaient répandu de la magie sur les sommets de la montagne? «Cette chaîne de montagnes est internationalement connue pour sa beauté et comme destination de sports d'hiver» (Concentrer). Et bien une chose est sûre, les Alpes suisses sont une vision à couper le souffle à captiver et il est douteux qu'un photographe ait jamais regretté de visiter cette magnifique Suisse sans quelques photos inestimables à emporter avec elles. Attrapez votre œil givré encore?

3. New York City, New York

(Via Flickr)

Ils disent que la beauté vous attend devant votre porte d'entrée, et bonjour New York, vous savez que c'est quelque chose d'extraordinaire pendant l'hiver. Pour certains, visiter New York est une tradition de vacances. Pour les photographes, New York a toujours quelque chose de nouveau dans sa manche et elle ne déçoit jamais. Cela dit, la combinaison des lumières de la ville et des bâtiments classiques mélangés à des feuilles de neige et à un éclairage des fêtes scintillant fait de New York un endroit magique pour les photographes. Corrigez-moi si je me trompe, mais il est si facile de voyager dans le temps et de ressentir la nostalgie de Noël classique lorsqu'une photo de New York est éditée en noir et blanc. Qu'attendez-vous pour celui-ci?

4. Prague, République tchèque

(Via Flickr)

En revenant en Europe, la belle Prague, la République tchèque est connue pour son architecture vierge et son environnement mystique, en particulier pendant l'hiver. Quelque chose au sujet des vieux châteaux et ponts de Prague fait de cet endroit un endroit très artistique pour tourner. Par exemple, il «possède de nombreuses séances de photos remarquables de l'horloge astronomique, du château de Prague, du pont Charles et de la place de la vieille ville» (Concentrer), qui attirent des photographes du monde entier dans ce paradis hivernal. Vous voulez capturer un conte de fées sur une photo? Une image vaut mieux que mille mots.

5. Monument national de White Sands, Nouveau-Mexique

(Via Flickr)

En voici un autre pour vous, le White Sands National Monument au Nouveau-Mexique. Oui, du sable blanc, pas de la neige blanche. Mais ne vous y trompez pas, pendant la période hivernale lorsque les températures chutent au-dessous du point de congélation, ces plaines de sable blanc sont un paradis hivernal vif. L'avantage de la terre plate et pâle donne au ciel une grande hauteur et de la place pour que les nuages ​​vantent leur beauté. Même OutdoorPhotographer.com affirme que «c'est un terrain de jeu pour les photographes où la conception soignée et la composition des règles du minimalisme». Détrompez-vous, ce paradis de sable peut être aussi hivernal que la neige. Prenez votre appareil photo et découvrez!

6. South Rim, Parc national du Grand Canyon, Arizona

(Via Flickr)

Cher Arizona, n'oublions pas le Grand Canyon à cette époque de l'année. Quelle expérience de voir des montages de roche si magnifiquement conçus et de voir la neige légèrement saupoudrée sur les riches rouges et bruns. Les photographes grouillent autour de cette destination toute l'année, mais c'est quelque chose de vraiment spécial de la visiter en décembre. «Le lever du soleil à Mather Point est un endroit préféré; le désert à l'est du canyon est moins susceptible de contenir des nuages ​​et permet aux flots de lumière de se glisser sous les nuages ​​»(Photographe d'extérieur). Assurez-vous de faire ce voyage plus tôt que tard, car le mirage neigeux n'existe que très longtemps avant de fondre.

7. Sommet du Mauna Kea, Hawaï

(Via Flickr)

Toutes les destinations hivernales ne sont pas froides toute l'année, mais Hawaï est l'un des endroits les plus tropicaux où des photos à couper le souffle peuvent être obtenues lorsqu'elles sont visitées au bon moment. Le sommet du Mauna Kea est l'une des plus hautes chaînes de montagnes d'Hawaï et si sa base sous-marine était mesurée, elle serait la plus haute du monde. L'une des beautés de cet endroit est le lever du soleil. La lueur rose que le soleil du matin projette sur la neige à travers une feuille de nuages ​​violets donne aux photographes une image unique. Dites Aloha au sommet du Mauna Kea cet hiver et vivez une fantaisie scénique inoubliable!

Bien, tu l'as maintenant! Une poignée de destinations pour les photographes qui aiment voyager pendant la saison d'hiver. Ce ne sont que quelques-uns des nombreux endroits dans le monde pour ceux qui aiment le frisson de l'Arctique et même pour ceux qui ne peuvent tout simplement pas refuser de prendre des photos inestimables, et chaque endroit a sa propre fusée de vacances. Donc, avant de partir à la recherche d'autres endroits, essayez de considérer certains de ces trésors, je suis sûr que vous ne le regretterez pas!

Sites Web référés pour cet article

Vendre votre appareil inutilisé? Cinq choses à garder à l'esprit

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La vente d'appareils technologiques inutilisés est courante chez les professionnels de la création qui ont besoin de lever des fonds rapidement. Cela a créé une industrie de revente de plusieurs milliards de dollars qui a profité non seulement à ceux qui cherchent à marquer beaucoup, mais à ceux qui cherchent à décharger leurs marchandises pour un prix équitable. Comme les escrocs ont maintenant proliféré dans cette industrie, la plupart des acheteurs réputés utilisent maintenant une certaine forme de processus de classement impliquant une combinaison d'inspection humaine et de logiciels standard tels que Phonecheck, pour détecter tout type de problème et déterminer la juste valeur, mais la plupart des gens ne le font pas connaître certains des critères qui entrent en ligne de compte dans le prix d'offre. Voici ce qu'il faut vérifier lors de la vente de votre appareil inutilisé:

QUALITÉ ET PERFORMANCE DE L'ÉCRAN

De tels défauts d'écran réduisent la valeur de l'offre d'un appareil.

Mettez un fond tout en brillant sur votre appareil et regardez attentivement. Y a-t-il des cercles gris, des taches blanches ou des décolorations? Y a-t-il une ombre importante dans le coin, ou des «vagues» dans les écrans? N'importe lequel d'entre eux pourrait indiquer un dysfonctionnement de l'écran qui réduira le prix qui vous est proposé.

Les apparences comptent.

Les rayures sur les boîtiers, comme celles-ci sur cette Microsoft Surface, réduisent le prix d'offre d'un appareil.

Lorsque vous vendez votre technologie, ne vous contentez pas de regarder les spécifications brutes telles que la vitesse du processeur, la mémoire ou l'autonomie de la batterie. Les revendeurs souhaitent passer le moins de temps possible à inspecter et à préparer votre article pour la vente. Plus l'état extérieur est bon, moins de temps et d'argent sont nécessaires pour le rendre prêt à la vente. Si votre appareil a un écran parfait, mais des éclats sur les bords et des rayures sur le boîtier et les ports sales, ne vous attendez pas à grand-chose. Vérifiez également le cadre; un cadre courbé peut réduire la valeur de l'offre de plus moitié! Enfin, sachez que la plupart des appareils sans fil ont des détecteurs de dégâts d'eau à l'intérieur du port de la carte SIM. S'il est rouge sang, cela signifie qu'il y a eu une intrusion d'eau.

Fissures et copeaux

Même une fissure de miniature dans le coin peut abaisser le prix de l'offre. Cette fissure est beaucoup plus prononcée.

Vous savez que cette fissure dans le coin n'aurait pas d'importance? Cela fait. Les acheteurs d'appareils recherchent chaque défaut sur le plan physique, et cela inclut toutes sortes de minuscules fissures, éclats et imperfections. Ces téléphones ne peuvent pas être revendus comme «comme neufs remis à neuf» sans que les écrans soient remplacés, de sorte que les bons acheteurs d'appareils recherchent constamment ces problèmes – s'ils le trouvent, il sera noté.

Pourparlers sur l'argent impayé

Lisez les petits caractères sur votre contrat d'achat.

Rappelez-vous ce plan de financement que vous avez utilisé pour acheter votre ancien téléphone, mais que vous n'avez jamais fini de payer? Le logiciel de notation d'aujourd'hui accède aux bases de données de tous les principaux opérateurs de téléphonie mobile et peut savoir si un vendeur d'appareils doit de l'argent sur ce qu'il vend. S'il s'agit d'un contrat, ou s'il a été signalé comme perdu ou volé, cela apparaîtra comme un drapeau. La marchandise volée est signalée aux autorités le même jour.

Les petites choses te font mal

Des casques, microphones ou moteurs à vibration inopérants affecteront le prix de l'offre.

Un moteur de vibration défectueux, un port audio qui ne joue qu'un seul écouteur, des points morts sur votre écran et des problèmes de wifi et des pièces de rechange (de remplacement) entrent tous dans le prix de l'offre finale. Les acheteurs tentent de minimiser leur risque. Vianney Vaute, co-fondateur et directeur du marketing du marché des produits reconditionnés Back Market, a déclaré à Wired «Après (les écrans), il y a une énorme baisse des réparations nécessaires, mais il s'agit généralement de problèmes comme les boutons d'accueil ou les problèmes de connectivité WiFi». comme un acheteur – serait vous achetez votre téléphone et si oui, que proposez-vous? Recherchez le prix de gros sur Google, puis réduisez-le de 30% et vous aurez une idée raisonnable de ce que les acheteurs donneront pour votre offre.

Un mot sur les offres…

La plupart des acheteurs ont une marge de manœuvre pour monter, mais pas beaucoup. Les acheteurs cherchent à maximiser la rentabilité, mais ils comprennent également que leur chaîne d'approvisionnement dépend de vendeurs satisfaits. Lorsque vous vous concentrez sur les éléments à vérifier lors de la vente de votre appareil inutilisé, vous repérez les problèmes qui peuvent réduire votre offre à l'avance. Si vous n'êtes pas satisfait de l'offre, essayez de négocier quelque chose de bien, mais ne vous attendez pas à une tonne. La plupart des acheteurs réputés donnent à leurs agents une certaine marge de négociation, mais cette différence est généralement inférieure à 20 $.

Les informations de Wired.com ont été utilisées dans cet article – https://www.wired.com/story/how-to-buy-a-used-phone/

Pourquoi les gens ne veulent-ils pas acheter un casque VR?

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La réalité virtuelle s'infiltre lentement dans le courant dominant depuis 2012. Depuis, plusieurs autres sociétés ont tenté de sortir un casque VR. Ces casques comprennent la Playstation VR, le Samsung Gear VR et le HTC Vive. Plus tôt cette année, l'éditeur et développeur de jeux vidéo Valve a publié son propre casque appelé Valve Index. Une entreprise qui n'est pas si désireuse de jeter son chapeau dans la course VR est Microsoft.

Le chef de la marque Xbox, Phil Spencer, ne retient pas ses réflexions sur la réalité virtuelle, car il a déclaré que «personne ne demande la réalité virtuelle» lorsqu'on lui a demandé s'il ferait son chemin vers la prochaine console Xbox. Les entreprises publient constamment de nouveaux casques d'écoute et de nouveaux logiciels, mais cela ne semble tout simplement pas se propager à la plupart des consommateurs. Pour l'instant, ce n'est qu'un produit de niche. Mais pourquoi? Business Insider s'est penché sur des études impliquant des consommateurs et la réalité virtuelle. Les résultats n'étaient pas en faveur de la VR.

Un manque d'intérêt

Il semble que la plupart s'intéressent à autre chose que la réalité virtuelle. Une enquête auprès de 2000 personnes aux États-Unis de 13 ans et plus a révélé que seulement 7% des personnes étaient intéressées par le Samsung Gear VR. La Playstation VR comptait également 7% de personnes intéressées. Les autres casques que les gens ont interrogés incluent l'Oculus Rift, Google Cardboard et HTC Vive et seulement 4% environ étaient même intéressés par l'un d'eux. Il semble que les gens soient simplement désintéressés par le concept VR.

Une autre étude de Nielsen examine pourquoi les gens sont contre l'achat de casques VR au lieu de ceux qui les intéressent. Sur les 926 utilisateurs d'Internet interrogés, 53% pour cent d'entre eux ne sont pas intéressés par la technologie. Les autres raisons pour lesquelles ces utilisateurs ne veulent pas de casques VR incluent le mal des transports, le prix et le contenu présenté sur les casques.

Aucun contenu utile

Je ne peux blâmer aucun consommateur qui ne veut pas dépenser d’argent pour un casque VR. L'un des plus grands obstacles que la VR doit surmonter est son contenu. Les entreprises qui fabriquent des jeux VR recourent généralement à la vente de démos technologiques déguisées en jeux et vendues au prix fort. Qui veut dépenser de l'argent pour un jeu qui ne dure qu'une heure et qui fait marcher le joueur et interagir avec des objets juste pour montrer la technologie VR? Batman Arkham VR en est le parfait exemple. Elle dure une heure et n'a aucune valeur de relecture. La VR n'atteindra jamais le statut que les entreprises souhaitent atteindre avec des jeux comme celui-ci.

Prix

Les entreprises qui vendent des casques VR devraient faire un meilleur travail avec les prix. Presque tous les casques sur le marché coûtent à peu près le même prix qu'une nouvelle console de jeu vidéo, sinon plus. Le Samsung Gear VR a plusieurs versions et elles semblent toutes être inférieures à 200 $. La PlayStation VR à elle seule ne coûte que 229 $. L'un des casques les plus chers est le HTC Vive, qui a plusieurs versions qui coûtent toutes plus de 600 $. En raison de ces prix élevés, les gens évitent la VR comme la peste et vont dépenser leur argent sur une console de jeu vidéo qui leur donnera une expérience plus satisfaisante pour un prix moins cher.

Peut-être qu'un jour la technologie VR deviendra très populaire, comme le sont devenues d'autres plateformes de jeux vidéo comme la PlayStation et la Xbox. Cela ne se produira que lorsque les entreprises créant des casques VR prendront en compte les problèmes rencontrés par les consommateurs avec la technologie et s'efforceront de les résoudre.

Pourquoi l'Ipad Pro remplace l'ordinateur

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Aujourd'hui, la technologie a tendance à rivaliser avec le dernier design. De nombreuses marques pratiquent cette tendance, mais qui le fait mieux qu'Apple? Le nouvel Ipad pro a conquis le meilleur des deux mondes; il s'agit d'une tablette avancée capable d'évoluer vers un ordinateur portable plus performant que celui d'un Macbook.

Trop beau pour être vrai? Certains supplient de différer, mais obtenez ceci: "Il gagne ce nom" Pro "avec un processeur qui est comparable à un PC de niveau intermédiaire et une résolution d'écran qui dépasse beaucoup de ces mêmes ordinateurs portables, et la puissance graphique d'une XBOX 360 », affirme Daniel Nations de Lifewire.com. Plus précisément, il est désormais plus facile que jamais de prendre votre Ipad pro avec vous lors de vos déplacements. Une fois que vous avez terminé de taper sur votre clavier amovible, vous pouvez le replacer rapidement dans votre Ipad simple, élégant et facile à insérer dans votre sac.

Qui n'aime pas rendre la vie plus simple?

Avec chaque appareil, il y a des avantages et des inconvénients, des préférences et des accords, des prix et des problèmes de prix, vous avez l'idée. Bien que tout le monde ne soit pas d'accord pour passer de son MacOS à un Ipad pro, il existe des arguments assez convaincants qui poussent les gens à changer tous les jours.

(Via Flickr)

Tablette la plus rapide à ce jour

La technologie haute vitesse a toujours été demandée par les consommateurs de technologie. Il n'y a presque rien de pire pour une personne qui utilise constamment un ordinateur ou une tablette pour avoir une connexion lente. Avec cette tablette, ce problème peut être considéré comme définitivement résolu, ou du moins c'est ce que pense le rédacteur en chef Mark Spoonauer. "Le processeur A12X Bionic de l'iPad Pro est de loin la puce la plus rapide que nous ayons testée sur un appareil mobile" (LaptopMag). Spoonauer a également affirmé que l'Ipad Pro était encore plus rapide que les ordinateurs portables Core i7 dans certains cas. Cela doit être l'une des raisons les plus pratiques pour dire oui à l'Ipad Pro si vous travaillez à grande vitesse.

Durée de vie étendue de la batterie

Une autre raison pour laquelle l'Ipad Pro remplace l'ordinateur n'est autre qu'un must absolu: une durée de vie de la batterie plus longue. Cela signifie moins de tracas, plus d'éblouissement pour ceux qui travaillent de longues heures à l'écran, non? Oui, oui, et 100% plus alimenté par batterie oui! Spoonauer se vante que «lors de notre test de batterie de navigation sur le Web, la tablette a duré très bien 13 heures et 14 minutes» (LaptopMag). Cela bat de loin la plupart des ordinateurs. Donc, si vous tirez une nuit blanche pour un journal scolaire, une date limite pour le travail, une lettre à votre ex, un powerpoint communautaire ou une lettre au président, 13 heures d'écran non perturbées devraient faire l'affaire.

(Via Flickr)

Excellente qualité audio

La raison pour laquelle un excellent système d'enceintes est si important est que, est. Imaginez que vous achetiez un ordinateur ou une tablette sans audio intégré. Comment serait-il horrible d'être coincé avec un mime pour un appareil? Le son contribue à enrichir notre expérience de travail sur ordinateur. Le son donne vie aux vidéos. Le son de l'Ipad pro répondra simplement à vos attentes et fera prospérer l'amour de votre nouvel appareil électrique! "Si vous allez vous détendre avec l'iPad et regarder Netflix ou diffuser Spotify, vous serez heureux de savoir que ses quatre haut-parleurs offrent un excellent son stéréo"(Spoonauer, LaptopMag). Associez ce son de haute qualité avec des écouteurs killer et vous obtenez un match fait dans le paradis de la technologie!

(Via Flickr)

Clavier pratique

L'Ipad Pro peut être un Ipad le jour et un ordinateur la nuit; c'est comme l'Optimus Prime des appareils. Le clavier élégant et facile à fixer donne au nouvel Ipad un avantage pratique et encore plus d'avantages pour les personnes qui emportent leur appareil partout. Porter un ordinateur portable peut facilement devenir un problème s'il est toujours attaché à votre hanche. Vous n'aurez pas ce problème si vous transportez votre nouvel Ipad Pro. Bien qu'il y ait des choses qu'Apple pourrait faire pour rendre ce clavier meilleur que celui d'une rangée de touches intégrée, comme le fait que «la course des touches est très bien, mais les touches n'ont pas la sensation vive ou le rétro-éclairage que la Surface Le clavier du Pro 6 fait ”Je pense qu'il est sacrément bon pour une console mobile moderne.

Connexion Wifi haut débit

Vous avez donc une vitesse rapide, un son exceptionnel, une bonne connaissance du clavier, une mutation de tablette saine sur vos mains. Mais il y a encore une chose qui pourrait vous convaincre de remplacer votre ordinateur. Ce n'est autre que, roulement de tambour s'il vous plaît… Wifi rapide! Contrairement à la plupart des ordinateurs, l'Ipad Pro vous permet de vous connecter au wifi plus rapidement que vous ne l'avez jamais vu sur un appareil et Daniel Nations de Lifewire.com comprend que cet avantage Wi-Fi peut résoudre les problèmes informatiques de quelqu'un dans un pronto. «Besoin de vous connecter en déplacement? Vous n'avez pas besoin de chercher un café avec Wi-Fi. Si vous achetez la version 4G LTE de l'iPad, vous pouvez vous connecter partout où vous pouvez vous connecter avec votre smartphone »(Nations, Lifewire). Vous vous sentez assez invincible avec cet appareil? Vous devriez.

Ne vous méprenez pas, les ordinateurs sont absolument géniaux. Je les ai utilisés avant que les tablettes ne soient sur le radar. Mais avec la facilité et l'aspect pratique du nouvel Ipad pro, il est très difficile de rivaliser. En termes simples, «lorsque vous combinez cela avec un système d'exploitation prenant en charge le multitâche coulissant et à écran partagé et un pavé tactile virtuel, il est temps de réévaluer l'iPad en tant que tueur d'ordinateur portable» (Lifewire). Méfiez-vous des ordinateurs, la prochaine grande chose est venue!

Sites Web référés pour cet article

https://www.laptopmag.com/articles/ipad-pro-as-laptop-replacement

https://www.lifewire.com/ipad-replace-laptop-desktop-pc-1994308

https://www.laptopmag.com/articles/new-ipad-pro-buy-or-skiphttps://www.lifewire.com/ipad-replace-laptop-desktop-pc-1994308

Les meilleures caméras pour l'enregistrement de clips musicaux de 2019

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Les vidéastes se lancent continuellement dans l'art de rechercher de meilleures caméras qui éclipseront les dernières. Comment pourraient-ils ne pas le faire? L'industrie se déplace toujours à grande vitesse pour innover dans la «prochaine grande chose» et les clips musicaux sont l'un des points de vente les plus populaires qui existent. Que vous essayiez de devenir célèbre ou de créer une belle vision dont les gens se souviendront, un clip vidéo bien conçu a plus qu'assez de puissance pour le faire.

N'importe quel corps et très certainement n'importe quel appareil photo a la capacité de créer une vidéo musicale. Vous vous souvenez de la fin de la nuit avec vos meilleurs amis enregistrant des vidéos dans votre chambre, avec de la musique en streaming sur le téléphone de quelqu'un en arrière-plan? Voilà, vous avez fait un clip. Ces vidéos seront à jamais en dehors de votre clip vidéo pendant l'enfance, mais dans le grand monde du tournage de clips musicaux, pas n'importe quel appareil photo fera l'affaire.

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  1. Black Magic Design Ursa Mini 4.6k

Dans aucun ordre particulier, l'une des meilleures caméras vidéo haut de gamme pour les clips vidéo est la Black Magic Design Ursa Mini 4.6k, et oh boy est-ce vraiment magique. Avec la recherche, on a découvert que beaucoup étaient d'accord. Les grands sites Web de musique / vidéaste avec des préférences pointilleuses, y compris MusicCritic.com et VFX Blog, l'ont également mis en vedette.

Mais Pourquoi cette mini caméra vidéo est-elle magique? "Avec la caméra cinéma Blackmagic URSA MMiniDigital, vous obtenez vraiment une unité de haute qualité à un prix très abordable. La qualité d'image et la qualité vidéo sont fantastiques et ne vous laissent pas de vignettage ou de coulée magenta en raison de leur technologie de science des couleurs "(Personnel critique musical). De plus, la taille de l'appareil photo est super pratique, ce qui vous aide à le transporter pendant de longues heures au travail. Dans l'ensemble, c'est un appareil photo absolument excellent à considérer si vous cherchez à créer des clips musicaux de premier ordre qui inciteront les gens à se demander quel est votre secret magique… Chut, personne n'a à le savoir!

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2. Caméscope Canon VIXIA HF G20 HD avec objectif vidéo HD 10x, écran tactile LCD 3,5 pouces, HD CMOS Pro et mémoire flash interne de 32 Go

Je sais ce que tu penses, un caméscope? N'est-ce pas obsolète? Détrompez-vous! Celui-ci a une bouchée de nom mais ne vous laissez pas intimider, ce n'est pas si compliqué. "Il vous permet de capturer des vidéos Full HD 1920 x 1080p et dispose de 32 Go de mémoire, vous aurez donc beaucoup d'espace pour tous vos enregistrements et vous permettra de filmer jusqu'à 12 heures de vidéo HD" (Personnel critique musical). La grande chose à propos de ce caméscope est qu'il peut facilement créer à la fois un style cinématographique et vidéos de style moderne tout en un. Polyvalent, vérifiez! Contrôle qualité! Performance, vérifiez! C'est peut-être juste moi, mais les caméscopes sont encore assez fantastiques.

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3. Reflex numérique plein format Canon EOS 5D Mark IV

Poursuivre avec Canon, Notre prochain appareil photo sur la liste a été construit avec la puissance de la polyvalence, de la précision et des performances. Idéal non seulement pour les vidéastes mais aussi pour les photographes, ce Canon est là pour vous impressionner. «La superbe qualité d'image est obtenue avec le tout nouveau capteur plein format 30,4 mégapixels de Canon, et il capture facilement des vidéos très détaillées» (Personnel critique musical). Cet appareil photo dispose également d'une connexion Wi-Fi et d'un écran LCD tactile, ce qui en fait une autre option viable à considérer.

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4. Nikon D3300 Reflex numérique CMOS 24,2 MP avec objectif zoom AF-S DX NIKKOR

Le Nikon D3300: un appareil photo léger et puissant sur le côté compact, qui donne aux vidéastes la possibilité de se déplacer librement pendant la création. «Il capture des détails aussi nets qu'une pointe, produit des couleurs vibrantes et brouille doucement l'arrière-plan, tout cela pour que vous puissiez créer de superbes clips musicaux amateurs» (Personnel critique musical). Alors que Nikon est super facile à utiliser pour les artistes les plus amateurs, la facilité de cet appareil leur permet d'expérimenter librement leur créativité, ce qui se traduit souvent par plus de clips musicaux uniques en leur genre!

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5. Appareil photo numérique sans miroir Fujifilm X-T2

L'appareil photo numérique sans miroir Fujifilm X-T2 est une option parfaite pour les vidéastes débutants qui souhaitent produire des vidéos musicales de haute qualité. «Grâce au capteur CMOS 24,3 Mpx, cet appareil photo est capable d'enregistrer une image de haute qualité tout en éliminant simultanément l'effet de fausses couleurs»(Blog VFX). Il dispose également d'un viseur grossissant pour moniteur LCD qui permet un enregistrement précis. Vraiment, il n'y a pas de mal à acheter cet appareil photo pour vos vidéos de musique, et comme le Nikon, il est assez facile à utiliser pour les débutants!

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6. Caméra GoPro HERO5 Black Edition

Jusqu'à présent, nous avons vu de nombreuses caméras fantastiques qui ont plus que suffisamment de capacité pour répondre à vos besoins en matière de clips vidéo. Cependant, cette prochaine caméra change le jeu complètement. La GoPro est connue pour son efficacité en extérieur, sans parler de sa capacité de métrage polyvalente. Le Hero5 est le meilleur modèle GoPro à ce jour contenant "la vidéo 4K, la commande vocale, la simplicité à un bouton, l'écran tactile et la conception étanche"(Personnel critique musical). Si votre clip vidéo nécessite des angles méchants, des scènes sous-marines et des thèmes aventureux, alors c'est la bonne caméra pour vous.

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7. Appareil photo numérique sans miroir Sony Alpha a6000

Dernier point mais non le moindre, le Sony Alpha a6000 est notre dernier appareil photo sur le radar vidéo musical 2019. Cet appareil photo est parfait pour ceux qui ont un budget limité, mais visent toujours d'excellents résultats. Il "a une capacité de haute résolution, ce qui signifie que vous êtes assuré d'une bonne expérience utilisateur", et "A l'ISO-25600 qui peut être étendu à IS51200 pour permettre une meilleure sensibilité à la lumière" (Blog VFX). Il est également plus petit, ce qui, nous le savons, est pratique pour de longues heures de transport. Avec un prix abordable et une bonne réputation, cet appareil photo est là pour donner le meilleur de lui-même. Parfois, moins c'est plus!

(Via Flickr)

Lorsque vous recherchez le bon appareil photo, il est important de savoir quel type de résultats vous essayez d'obtenir. Selon l'esthétique ou le style que vous recherchez, le type d'appareil photo que vous utilisez est crucial. Et pour être honnête, c'est vraiment parce que, comme la plupart des grandes choses de ce monde, chaque appareil photo est unique. Certains des plus grands must-have pour un appareil photo génial sont les suivants: la qualité doit être claire, elle doit être professionnelle et avoir la possibilité de filmer des images polyvalentes. Un appareil photo qui peut faire plus que les bases a toujours une longueur d'avance sur les autres.

Gardez à l'esprit que produire des clips musicaux de haute qualité nécessite plus qu'un simple appareil photo haut de gamme. Il ne s'agit pas seulement de savoir quelle caméra a enregistré la vidéo, mais aussi de l'artiste derrière l'objectif qui l'a rendue si belle. En plus de tout cela, cela se résume vraiment à ce que l'artiste veut réaliser avec les bons outils (aka, beaucoup d'inspiration et un excellent appareil photo).

Sites Web mentionnés dans cet article

https://musiccritic.com/equipment/cameras/best-cameras-for-filming-music-videos/

Dix grandes écoles pour les créatifs (et 5 à éviter absolument!)

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Le professionnel des arts médiatiques créatifs a explosé au cours des deux dernières décennies. Le résultat est une prolifération de collèges, d'universités et d'écoles spécialisées consacrées à l'enseignement supérieur dans les médias créatifs. Ces écoles ont développé des programmes qui couvrent toute la gamme des programmes de médias traditionnels en photographie, art et musique aux CGI et vidéographie de pointe.

Les étudiants créatifs doivent toujours rechercher par eux-mêmes. Cela étant dit, voici dix grandes écoles à conserver sur la liste restreinte, et cinq à éviter définitivement.

Meilleur des meilleurs

Résultat d'image pour stanford

Université de Stanford: Frisco et NYC ont toujours été à l'étroit pour savoir qui a les meilleures écoles de création. Stanford, cependant, a été au sommet du classement dans tant de classements, il n'est même pas proche. Un campus magnifique, une technologie de pointe et une dotation de taille californienne font de Stanford un gagnant dans toutes les catégories. Qu'il s'agisse d'écoles de la meilleure valeur ou de US News and World Report, Stanford cohéryl se classe parmi les dix premiers. Plongez dans la scène artistique dynamique du Mission District, et une seule autre école se rapproche…

Résultat d'image pour NYU

L'Université de New York: Tout comme les équipes sportives ont la rivalité est-ouest, les collèges, en particulier ceux privés, le sont aussi. NYU a été l'ennemi juré de Stanford en matière de création depuis des années. Sérieusement, quelle créativité ne fait pas vous voulez vivre la vie à New York? Ajoutez à cela sa proximité avec les meilleures écoles d'arts de la Big Apple, et vous auriez du mal à trouver une lettre d'admission plus recherchée. Comme dit le proverbe, si vous pouvez y arriver, vous pouvez faire n'importe où!

Le meilleur du reste

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École de design du Rhode Island, Providence, Rhode Island

Quand Owen Wilson a mentionné «Rizdee» dans The Wedding Crashers, les artistes à travers l'Amérique ont probablement applaudi. Bien sûr, tout le monde s'est probablement gratté la tête. Néanmoins, cette centrale est l'une des meilleures écoles de beaux-arts de la Nouvelle-Angleterre. Il se classe régulièrement sur plusieurs listes de «meilleur rapport qualité-prix», y compris la première place des programmes BestValueSchools for Fine Arts.

Résultat d'image pour Columbia University

Université du Nouveau-Mexique, Albuquerque, Nouveau-Mexique

Quand vous pensez à Columbia, vous pensez aux journalistes, non? Eh bien, l'entrée de l'Ivy League à New York propose l'un des programmes d'arts créatifs les plus compétitifs d'Amérique. Quant à l'admission, y entrer n'est pas une mince affaire. Pourtant, le fait d'être l'une des universités d'élite américaines de longue date a une influence considérable. Pour cette raison, Columbia a la capacité de gagner certains des esprits créatifs les plus brillants d'Amérique.

Résultat de l'image pour Ringling College of Art and Design

Ringling College of Art and Design, Sarasota, Floride

Cette petite école le long de la côte du golfe de Floride est un porte-étendard pour les artistes depuis des décennies. Selon GameDesigning.org, Ringling est non seulement devenu l'une des écoles d'art les plus éminentes du Sud-Est, mais son BFA en conception graphique se coordonne avec les entreprises locales pour que les étudiants acquièrent une expérience du monde réel. C'est un énorme avantage pour développer des contacts professionnels sur le marché hautement compétitif de Tampa Bay.

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Université de Californie – Los Angeles

Quand les gens pensent à LA, ils pensent aux paillettes, au glamour et aux Bruins. Mais ne pensez pas un instant que la même école qui nous a donné Troy Aikman ne possède pas l'un des programmes créatifs de haut niveau du pays. Le cinéma, l'art, les programmes d'écriture sont de premier ordre et il y a des liens à revendre dans Tinseltown. Cela fait de l'UCLA une école dans laquelle la plupart des créateurs feraient tout pour être acceptés. CollegeFactual classe UCLA au 3e rang de ses meilleurs collèges d'arts cinématographiques, vidéo et photographiques aux États-Unis en 2020

Résultat d'image pour SCAD

Savannah College of Art and Design, Savannah & Atlanta, Géorgie

La plupart des gens n'associeraient pas la Géorgie à une scène artistique dynamique, puissante et de pointe. Cependant, considérez ceci – de leurs anciens élèves était …India Arie! Comment va cette pour créd? Le satellite d'Atlanta et le vaisseau-mère de Savannah sont les meilleures écoles de pilotage pour les professionnels des arts en herbe. En fait, SCAD est classé n ° 19 sur la liste BestValueSchool des meilleures écoles d'art et de design

Résultat d'image pour University of New Mexico

Université du Nouveau-Mexique

Situés dans l'État surnommé le «pays de l'enchantement», les étudiants qui fréquentent l'UNM bénéficient d'un programme de photographie et de beaux-arts qui figure parmi les dix meilleurs du pays. L'un de ses principaux atouts est le programme d'autoformation, qui met l'accent sur la discipline et le dévouement à leur domaine d'études choisi. Cela ne fait pas de mal qu'Albuquerque possède l'une des scènes artistiques universitaires les plus dynamiques du pays de ce côté de la Californie.

Résultat d'image pour University of Florida

Université de Floride, Gainesville, Floride

La «Nation Gator» est connue dans le monde entier dans de nombreux domaines universitaires, mais la plupart des gens ne placeraient pas Studio Arts dans cette catégorie. Devine quoi? L'UF n'est pas seulement considérée comme l'une des meilleures universités du pays pour la conception graphique et les arts du studio, elle compte également des diplômés travaillant pour des sociétés telles que Disney et Microsoft. Assez bonne compagnie à garder pour une école qui compte Steve Spurrier et Tim Tebow comme diplômés.

Résultat d'image pour Georgia Southwestern State University

Georgia Southwestern State University, Americus, Géorgie

D'accord, il est temps d'homérisme gratuit (Divulgation complète: cet écrivain est un ancien.) GSW, comme elle est connue des étudiants, des habitants et des anciens élèves, est la plus petite université publique de l'État de Peach. Ce qui lui manque dans les notes (# 543 sur la liste 2020 College Factual), il compense en qualité (gagnant le rang de «PLUS ÉLEVÉ» par la même liste) et sa variété éclectique de concentrations dans son département des beaux-arts, y compris l'un des seuls deux laboratoires de soufflage de verre universitaires en Géorgie.

Bien sûr, pour tous les grands, il y a les pas si grands.

Les 5 écoles à éviter définitivement

Columbia College Hollywood: lorsque vous arrivez à la liste des pires collèges de plusieurs sites Web, ce n'est pas une bonne chose. Lorsque MoneyInc.com décrit votre école comme «une école de cinéma et les taux de défaut élevés indiquent que les étudiants diplômés ne sont pas en mesure d'obtenir un emploi stable et rémunérateur», cela crie «allez loin, allez vite!»

Université Full Sail: Cette école est un sac mixte en ce qui concerne la qualité et les diplômes. Il est bien connu dans l'industrie des arts créatifs et a été le pionnier de nombreuses premières, telles que la toute première arène de jeu du pays sur un campus universitaire. Ce qui place cette université sur la liste «à éviter» sont en fait deux éléments intangibles: le trafic affreux près de son campus de Winter Park, en Floride, et le fait qu'ils obtiennent constamment moins de 2 étoiles des étudiants actuels et anciens sur de nombreux sites de notation.

The Art Institute of Pittsburgh: Les amateurs d'arts et les anciens élèves pensent que cette école vaut la peine d'être fréquentée et offre une excellente éducation, mais les chiffres ne mentent pas. Selon Forbes.com, le coût total de 155 000 $ + les frais de scolarité représente un retour sur investissement de – 228 000 $. Oui, c'est un nombre négatif!

Institut d'art (multicité): Cette école à but lucratif multi-villes figure sur cette liste pour une raison: ils font de la publicité sans relâche et leurs crédits ne sont généralement pas transférables. Ils fonctionnent un peu comme les «collèges professionnels» annoncés sur les chaînes de télévision lors des talk-shows de jour; très peu est requis pour l'admission, et de nombreux étudiants rapportent un retour sur investissement minimal.

Académie américaine d'art: Cette école de Chicago n'est pas sur la liste pour ce qui est connu, mais pour ce qui est généralement inconnu, et c'est tout. Il y a peu d'informations de notation au-delà de leur propre site Web, et c'est inquiétant. Lorsqu'une école n'est même pas notée par des publications réputées, c'est un sujet de préoccupation.

Les informations de College Factual, MoneyInc, Forbes et GamingDesign ont été utilisées dans ce post.

Il y a un problème avec les originaux Netflix

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Ce mois-ci, Netflix a publié une bande-annonce pour la nouvelle saison de sa série originale Vous. J'étais heureux de voir cela car j'ai beaucoup apprécié la première saison malgré le caractère ridicule et ridicule de l'intrigue. En regardant la bande-annonce, je ne pouvais pas m'empêcher de me demander si cette saison de l'émission serait la dernière puisque Netflix adore annuler ses propres émissions.

J'utilise Netflix depuis 2015. Pendant cette période, presque toutes les séries originales que j'ai regardées et dont je suis devenu fan ont été annulées. Les cinq spectacles Marvel? Annulé. Vandale américain? Annulé. Til descend? Annulé. Je comprends pourquoi les spectacles sont annulés. Ils perdent des téléspectateurs, ce qui se traduit par de faibles notes, ce qui se traduit par moins d'annonceurs, ce qui entraîne une perte d'argent qui conduit ensuite à l'annulation. Cependant, c'est pourquoi les émissions diffusées sur un réseau de télévision sont annulées. Netflix n'annule pas seulement une émission en raison du faible nombre de vues. Ils le font pour faire de la place pour plus de leurs «originaux».

Pourquoi Netflix annule-t-il les émissions?

Les services de streaming perdent du contenu sous licence comme il n'y en a pas demain. Les gens regardent Le bureau sur Netflix parce que c'est une montre facile à regarder. Bien devinez quoi? NBC supprime l'émission de Netflix et la met sur son propre service appelé Peacock en 2021. NBC se rend compte qu'au lieu de laisser Netflix profiter de leur propre émission, ils peuvent simplement couper l'intermédiaire et créer leur propre Netflix. D'autres entreprises font de même. Disney vient de lancer Disney Plus et y mettra ses nouveaux films à la place de Netflix. Le mème sur Netflix n'ayant rien à regarder est inspiré par cela.

Les entreprises supprimant leur contenu de Netflix, elles sont obligées de créer des émissions et des films originaux pour compenser la perte de contenu. En conséquence, ils ont commencé à pousser la quantité sur la qualité. J'ai regardé quelques films originaux de Netflix, ils sont tous médiocres et oubliables ou tout simplement corrects mais ne valent pas la peine d'être revus. En ce qui concerne leurs émissions, je suis très prudent à l'idée de les regarder car elles pourraient finir par être annulées. Le Get Down et l'American Vandal ont tous deux été annulés après leurs deuxièmes saisons avant même que je puisse les terminer. Ces émissions coûtent de l'argent et il semble que Netflix ne veuille que donner de l'argent à des émissions qui réussissent constamment, comme Narcos et Choses étranges. En conséquence, cela montre que les performances ne sont pas assez bonnes, ce qui fait que la prochaine grande chose peut arriver et attirer des abonnés Netflix.

Que se passe-t-il ensuite?

Avec chaque entreprise qui lance ses propres services de streaming vidéo, attendez-vous à ce que Netflix crée des émissions plus originales pour attirer des abonnés. Je ne suis pas un grand fan de cette idée mais je la comprends. Lorsque je me suis abonné à Netflix, c'est parce que c'était à un moment donné le seul endroit où obtenir les émissions de télévision et les films les plus récents une fois qu'ils étaient sortis sur DVD. Il passe lentement de cela à un service avec des émissions et des films plus originaux que les émissions et les films sous licence. Tous les abonnés Netflix devraient avoir hâte de voir constamment des centaines d'émissions mises sur le service pour plus de la moitié d'entre elles pour être annulées pour ne pas être assez populaires.

Olivia Gracey: la rendre incroyable, une séance à la fois

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Olivia Gracey: photographe, écrivaine et femme de la Renaissance

Quelque part dans le nord de l'Alabama, un photographe prend des photos pour aider à subvenir aux besoins de sa famille. Elle photographie des mariages, des événements, des portraits et une variété d'autres images. Ses doigts fonctionnent à merveille avec son appareil photo numérique Canon, un remplacement pour son Nikon de longue date qu'elle aimait tant, mais a dû se séparer pour joindre les deux bouts. La sienne est une vie de créativité-rencontre-réalité, dans laquelle la tapisserie de l'existence a à la fois le soleil et l'ombre, une vie de sang littéral, de sueur et de larmes.

Son nom est Olivia Gracey; photographe, écrivain et mère, mais pas nécessairement dans cet ordre. Elle récompense ses deux fils; «Ils sont ma vie», dit-elle. Cette mère de deux enfants née en Oklahoma a survécu aux épreuves pour donner vie à sa créativité. Comme beaucoup de photographes, elle a adoré l'art à un jeune âge. Prendre des photos depuis 11 ans, quand elle a utilisé pour la première fois un appareil photo 110 (film à cartouche) puis, plus tard, un Polaroid, Gracey a développé ses compétences – sans jeu de mots – avec l'équipement à portée de main. Ses parents connaissaient cet amour et l'ont nourri: «Mon premier Canon était un AE-1 d'occasion que ma mère m'a offert pour mon cadeau de fin d'études secondaires.»

Elle n'a pas pu suivre de cours de photographie au lycée. "Je suis allée à l'école dans une petite ville de l'Oklahoma qui n'offrait rien de tel." Pourtant, elle a persévéré et appris par sa propre expérience. Comme dans la vie, Gracey a pris de nombreux détours jusqu'à ce qu'elle puisse recommencer à tourner, en commençant par travailler pour la chaîne de magasins de vidéos de son beau-père dans le nord de l'Alabama avant de se marier avec un ingénieur au milieu des années 1990. Lorsque son premier fils est né en 1998, elle a finalement pu acheter un autre appareil photo et a recommencé à travailler sur son amour. Son travail était axé sur la vie de son fils, les événements familiaux et les animaux de compagnie, mais rien de professionnel.

Photographie Olivia Gracey – Utilisée avec permission

Comme tant de photographes créatifs, son métier a évolué au-delà de l'appareil photo dans d'autres avenues. Elle s'est développée dans l'écriture quand elle a publié Le facteur d'autorisation, une romance érotique, en 2014. Bien qu'elle ait connu un succès modeste, Gracey admet une volonté d'améliorer ses compétences en marketing à l'avenir. Quelques années plus tard, elle a publié son prochain livre, Voile Alice Marie, mais a ensuite réintégré sérieusement la photographie en 2016.

The Allow Factor, publié par Solstice Publishing, est l'un des romans d'Olivia Gracey.

"Je me suis inscrite pour prendre des photos pour le marketing AMP, qui tire sur Google Street View", a-t-elle déclaré, "mis à niveau tout mon équipement photographique, puis j'ai sauté dans l'immobilier en 2017. J'ai commencé à tourner pour Meero (France) en tirant sur Airbob, UberEats, Espaces, puis Événement à Huntsville Magazine en mars 2019. »

À ce stade, les choses ont commencé à cliquer. Bien que maintenant divorcée, travaillant à joindre les deux bouts dans l'immobilier et en tant que barman, elle est devenue un pilier implacable pour ses fils. Pourtant, cela n'a pas été une route facile pour Gracey: «Je photographiais avec un Nikon D810, une douce caméra, et un ami l'a laissé tomber. (Ils) ont éclaté tout le visage.

«Il a été restauré par Nikon», a-t-elle déclaré. «La semaine dernière, dans un besoin désespéré de fonds, j'ai vendu mon arsenal; D810, objectifs, et a décidé de passer à un Canon que mon partenaire de studio a à vendre. Décision difficile pour moi. Après des heures de prière, j'ai senti que c'était la bonne chose à faire. Bien sûr, deux jours plus tard, j'ai paniqué; ma came est ma pierre angulaire. "

Puis est venue l'ironie la plus méchante de toutes: «Je suis retourné au magasin pour le ramasser – il s'est vendu en moins de 24 heures.» Travaillant maintenant avec un Canon, Gracey admet que la transition n'a pas été facile, «ils ne ne parle pas la même langue.

Elle s'était tellement habituée au Nikon, travailler avec un nouveau Canon, c'était comme apprendre une nouvelle langue. Pourtant, elle a fait face au défi de la même manière qu'elle avait tous les autres – avec une bonne attitude. Maintenant, elle a le plein contrôle sur son travail et s'adapte constamment au fur et à mesure, à la recherche de ce moment magique à capturer. Ce qui a d'abord été considéré comme une malédiction est devenu une bénédiction: «Mon partenaire de studio m'a forcé à apprendre à tourner en mode manuel, ce qui était difficile à faire au début. Maintenant c'est une bénédiction. J'aime avoir le contrôle sur ce que je tire. »

Une image de l'un des tournages de mariage d'Olivia Gracey. Utilisé avec permission.

Malgré la difficulté de la transition de l'équipement, le travail global de Gracey reflète une capacité à faire ressortir le moment coloré des moments et à susciter des émotions d'une manière que seul un photographe créatif peut faire. Qu'il s'agisse de nourriture, de tirs à la tête, d'événements ou de paysages, son travail démontre ce qu'une femme dans une industrie dominée par les hommes peut réaliser lorsque la foi rencontre le grain et la motivation. Comme beaucoup d'artistes, elle a souffert de papillons lorsqu'elle a finalement commencé à faire des événements professionnels. Elle a admis avoir été terrifiée avant son premier tournage majeur pour Huntsville Events, dans lequel elle a dû capturer deux médecins parlant dans une salle pleine de femmes. Ce tournage, qui a eu des implications majeures sur les nouvelles opportunités commerciales, l'a pétrifiée.

«J'ai eu cinq secondes pour régler la caméra pour obtenir le cliché parfait en les éclairant parfaitement avec toutes les femmes en arrière-plan sur une scène sombre», se souvient-elle, fière de son accomplissement. «J'ai transpiré celui-là. C'était mon premier tournage à Huntsville Event Magazine – cloué! »

Huntsville Events Magazine, une publication pour laquelle Gracey a fourni des services de photographie (photo de couverture NON par Gracey).

Ayant vécu à deux époques – celle où le cinéma était dominant et l’ère numérique actuelle – son opinion sur la différence entre les médiums est claire: le numérique. «Je pense que dans l'ensemble, ils ont parcouru un long chemin dans la qualité et la couleur, beaucoup plus vives.» Quant aux photographes en herbe, elle recommande un appareil photo et un équipement simples pour commencer, «entraînez-vous à l'œil, puis il a gagné» peu importe ce avec quoi vous tirez. "

En tant que créative, Gracey n'est pas du genre à hacher les mondes ce que son tournage préféré est – ses fils. Pourtant, elle a un tournage de liste de seau, les rues de l'Italie. Elle admet que son point culminant de la photographie était donc en partie un court passage à New York, où elle a eu la chance de prendre des photos incroyables de Manhattan, et de vivre un peu de la vie haute, ne serait-ce que pour quelques jours (son portrait de promotion, montré a en haut de cet article, a été prise lors de ce voyage). La vie de Gracey est un portrait de la vie vécue dans la pleine poursuite de ses passions, comme en témoigne son hashtag, #MakeItAmazing. On la retrouve en train de pratiquer son métier à Olivia Gracey Shoots. En fin de compte, sa vie consiste à être une créatrice qui peut vivre tous les jours sans regret.

Des échantillons de son travail, trouvés sur sa page Facebook, donnent aux téléspectateurs un aperçu de ses talents photographiques, qui peuvent être décrits comme Madison Avenue-meets-Vivre à la campagne. D'un point de vue purement subjectif, Olivia Gracey est un talent en devenir qui fera la fierté de Yellowhammer State pour les années à venir.

Comment trouver l'inspiration dans la vie quotidienne pour votre prochaine séance photo

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Trouver l'inspiration peut venir dans le plus petit des endroits. Lorsqu'un écrivain touche un «bloc d’écrivains», la manière la plus simple de trouver de l’inspiration n’est pas de regarder, mais plutôt d’observer. Quand tout le reste est mis de côté et que l'acte d'observation est mis en place, la perspective la plus étonnante est atteinte. Il en va de même lorsque les photographes ont frappé leur propre «bloc photo». Lorsque nous recherchons et recherchons la prochaine idée créative, nous devenons parfois trop durs avec nous-mêmes, ce qui nous amène à devenir aveugle à ce qui nous inspire. Parfois, les choses les plus simples comme se promener, regarder les gens, regarder les nuages ​​et même lire le bon mot peuvent susciter beaucoup d'imagination en nous. Cela dit, voici quelques techniques abstraites sur la façon de trouver l'inspiration dans la vie quotidienne pour votre prochain séance photo.

Réduisez vos attentes

Parlons de la nature humaine. Dans la vie, il y a des moments où nous mettons la barre trop haute pour nous-mêmes. Parfois, il est naturel pour nous de nous concentrer sur des objectifs irréalistes, et le plus souvent, les résultats ne sont généralement pas satisfaisants. Ils aboutissent souvent à l'auto-défaite parce que nous ne nous sommes jamais donné la possibilité de composer avec des limites personnelles tout en les embrassant! Les blocs créatifs de toute nature peuvent provenir de la définition de vos attentes trop grandes pour la prunelle de vos yeux (ou devrais-je dire, l'esprit). Alors à la lumière de cette vérité, la première technique non conventionnelle pour vous photographes de trouver l'inspiration dans la vie de tous les jours pour votre fabuleuse prochaine séance photo doit être le simple fait de baisser vos attentes! Prenez des photos pour le plaisir, pas pour la pression.

Jeffery Hudson via Flickr

Observez votre environnement

Dans ce monde, il y a tellement de choses à voir. Essayez pendant une journée pour observer votre environnement et voir ce qui déclenche votre inspiration. Vraiment, aussi ironique que cela puisse paraître, vous pouvez constater que se concentrer moins aide à inspirer plus. Il peut être difficile de trouver le temps de ralentir pendant votre semaine chargée, et pour les photographes, leur travail n’est pas toujours une routine technique. Trouver la séance photo parfaite peut transformer la carrière d'un artiste. Vous voyez, prendre le temps de regarder les nuages, ou regarder les gens, même s'arrêter pour sentir les roses, peut entièrement transformer votre perspective et vous inspirer pour créer votre meilleure séance photo à ce jour.

Galina Shebanova via Flickr

Pensez moins, flux plus

Celui-ci peut être connecté aux deux autres, mais lorsque vous pensez trop à quelque chose, surtout quand il s'agit de créer, c'est comme vous creuser dans un trou d'autodestruction. Tous les «et si» et «pas assez bien» commencent à faire irruption! Il n'y a ni bien ni mal lors de la création, et la photographie est l'un des meilleurs moyens de le montrer. Vivre au 21e siècle a ouvert une nouvelle voie aux artistes pour abattre les murs conventionnels, une nouvelle ère pour les photographes de «peindre» des images à retenir, des images pour débloquer des émotions, des images pour changer notre façon de penser. Alors pense-t-on moins et coule-t-il plus le nouveau «dire moins, montrer plus»? Absolument. Voyez où votre esprit coule lorsque vous pensez moins à ce que vous allez prendre en photo, et vous pourriez être sacrément étonné.

Alexander Markin via Flickr

Sortez de votre zone de confort

Créer peut être inconfortable et laisser le monde le voir peut être dix fois plus. Sortir de votre zone de confort en matière de photographie peut être difficile à réaliser compte tenu de certaines techniques auxquelles les artistes sont habitués, mais il est possible de déverrouiller certaines portes lorsque des risques sont pris. Penser à Banksy, un artiste graffitti secret, franc et non conventionnel. Bien qu'il garde son identité cachée, son art est entièrement exposé. Plus son art est inconfortable, plus la réaction du public est importante. Et c'est peut-être de cela que le monde a le plus besoin: réaction. Quelle que soit la réaction, bonne ou mauvaise, au moins, les gens ressentaient quelque chose. La prochaine fois que vous prendrez votre appareil photo, éloignez-vous de la technique habituelle et optez pour une méthode plus conventionnelle. Vous pouvez voir un tout nouveau réaction du monde.

Amira Via Flickr

Arrêtez de comparer autant avec d'autres artistes

Bien que l'inspiration d'autres photographes puisse être utile, il y a une ligne fine pour tomber dans la zone de comparaison. Encore une fois, cela vaut pour tout dans la vie, naturellement nous, les humains sont des créatures précaires et envieuses. Avec un peu de maîtrise de soi et de confiance, ces qualités n'existent plus. La confiance dans votre œuvre d'art, peu importe ce que quelqu'un en pense, est essentielle au succès. Cela peut ressembler à une pause dans les médias sociaux, à vous donner du temps en dehors de vos amis photographes, voire à vous isoler de la photographie de temps en temps. Vous constaterez peut-être que l'une de ces techniques vous aidera à vous sentir plus autonome, plus créatif et plus inspiré pour sortir pour votre prochain séance photo. Après tout, ceux que vous avez comparés peuvent se sentir mutuels par rapport à votre talent, alors ne vous sentez jamais comme si vous n'aviez tout simplement pas ce qu'il faut. Vous avez toujours eu le pouvoir de créer avec courage.

HÜsnü SOYDAN Via Flickr

N'oubliez pas votre objectif

Il peut être facile d'oublier pourquoi vous faites ce que vous faites après un certain temps. Se souvenir de votre objectif en tant que photographe peut être un rafraîchissement rapide pour vous si vous avez l'impression d'avoir oublié. Croyez-moi, le brouillard des médias sociaux, la publicité, les grands noms et l'échec constant peuvent vous faire penser: «Pourquoi suis-je encore en train de faire ça»? Ce sont les moments où vous devez creuser profondément en vous-même pour faire ressortir vous qui sait pourquoi ils ont commencé cette carrière. Vous savez pourquoi vous avez pris l'appareil photo, un petit réveil pourrait parfois être nécessaire.

Natali Antonovich Via Flickr

N'arrêtez jamais de créer

Quoi que vous fassiez, n'arrêtez jamais de créer. Pour les photographes, cela signifie de ne jamais arrêter de prendre des photos, de cacher votre appareil photo, d'annuler les séances photo, d'abandonner! Les "blocs créatifs" sont acceptables parce que votre humain, mais ne le laissez pas se transformer en "perte créative". L'inspiration en vous ne disparaîtra jamais si vous continuez à pratiquer votre passion pour le tournage. Regardez-le de cette façon, il n'est pas nécessaire de se retirer de quelque chose qui vous rendait si heureux, car la photographie n'a jamais été un travail, c'était un mode de vie pour vous. Ici, la dernière manière abstraite de vous inspirer pour votre prochaine séance photo doit être la plus précieuse de toutes. Parce que celui qui ne cesse de créer ne cessera de changer le monde.

Cet article était basé sur mes connaissances, ainsi que sur «l'inspiration» de ces sites Web:

https://fstoppers.com/diy/how-get-inspired-photographer-214855

Comment trouver l'inspiration dans la vie quotidienne pour votre prochaine séance photo

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Trouver l'inspiration peut venir dans le plus petit des endroits. Lorsqu'un écrivain touche un «bloc d’écrivains», la manière la plus simple de trouver de l’inspiration n’est pas de regarder, mais plutôt d’observer. Quand tout le reste est mis de côté et que l'acte d'observation est mis en place, la perspective la plus étonnante est atteinte. Il en va de même lorsque les photographes ont frappé leur propre «bloc photo». Lorsque nous recherchons et recherchons la prochaine idée créative, nous devenons parfois trop durs avec nous-mêmes, ce qui nous amène à devenir aveugle à ce qui nous inspire. Parfois, les choses les plus simples comme se promener, regarder les gens, regarder les nuages ​​et même lire le bon mot peuvent susciter beaucoup d'imagination en nous. Cela dit, voici quelques techniques abstraites sur la façon de trouver l'inspiration dans la vie quotidienne pour votre prochain séance photo.

Réduisez vos attentes

Parlons de la nature humaine. Dans la vie, il y a des moments où nous mettons la barre trop haute pour nous-mêmes. Parfois, il est naturel pour nous de nous concentrer sur des objectifs irréalistes, et le plus souvent, les résultats ne sont généralement pas satisfaisants. Ils aboutissent souvent à l'auto-défaite parce que nous ne nous sommes jamais donné la possibilité de composer avec des limites personnelles tout en les embrassant! Les blocs créatifs de toute nature peuvent provenir de la définition de vos attentes trop grandes pour la prunelle de vos yeux (ou devrais-je dire, l'esprit). Alors à la lumière de cette vérité, la première technique non conventionnelle pour vous photographes de trouver l'inspiration dans la vie de tous les jours pour votre fabuleuse prochaine séance photo doit être le simple fait de baisser vos attentes! Prenez des photos pour le plaisir, pas pour la pression.

Jeffery Hudson via Flickr

Observez votre environnement

Dans ce monde, il y a tellement de choses à voir. Essayez pendant une journée pour observer votre environnement et voir ce qui déclenche votre inspiration. Vraiment, aussi ironique que cela puisse paraître, vous pouvez constater que se concentrer moins aide à inspirer plus. Il peut être difficile de trouver le temps de ralentir pendant votre semaine chargée, et pour les photographes, leur travail n’est pas toujours une routine technique. Trouver la séance photo parfaite peut transformer la carrière d'un artiste. Vous voyez, prendre le temps de regarder les nuages, ou regarder les gens, même s'arrêter pour sentir les roses, peut entièrement transformer votre perspective et vous inspirer pour créer votre meilleure séance photo à ce jour.

Galina Shebanova via Flickr

Pensez moins, flux plus

Celui-ci peut être connecté aux deux autres, mais lorsque vous pensez trop à quelque chose, surtout quand il s'agit de créer, c'est comme vous creuser dans un trou d'autodestruction. Tous les «et si» et «pas assez bien» commencent à faire irruption! Il n'y a ni bien ni mal lors de la création, et la photographie est l'un des meilleurs moyens de le montrer. Vivre au 21e siècle a ouvert une nouvelle voie aux artistes pour abattre les murs conventionnels, une nouvelle ère pour les photographes de «peindre» des images à retenir, des images pour débloquer des émotions, des images pour changer notre façon de penser. Alors pense-t-on moins et coule-t-il plus le nouveau «dire moins, montrer plus»? Absolument. Voyez où votre esprit coule lorsque vous pensez moins à ce que vous allez prendre en photo, et vous pourriez être sacrément étonné.

Alexander Markin via Flickr

Sortez de votre zone de confort

Créer peut être inconfortable et laisser le monde le voir peut être dix fois plus. Sortir de votre zone de confort en matière de photographie peut être difficile à réaliser compte tenu de certaines techniques auxquelles les artistes sont habitués, mais il est possible de déverrouiller certaines portes lorsque des risques sont pris. Penser à Banksy, un artiste graffitti secret, franc et non conventionnel. Bien qu'il garde son identité cachée, son art est entièrement exposé. Plus son art est inconfortable, plus la réaction du public est importante. Et c'est peut-être de cela que le monde a le plus besoin: réaction. Quelle que soit la réaction, bonne ou mauvaise, au moins, les gens ressentaient quelque chose. La prochaine fois que vous prendrez votre appareil photo, éloignez-vous de la technique habituelle et optez pour une méthode plus conventionnelle. Vous pouvez voir un tout nouveau réaction du monde.

Amira Via Flickr

Arrêtez de comparer autant avec d'autres artistes

Bien que l'inspiration d'autres photographes puisse être utile, il y a une ligne fine pour tomber dans la zone de comparaison. Encore une fois, cela vaut pour tout dans la vie, naturellement nous, les humains sont des créatures précaires et envieuses. Avec un peu de maîtrise de soi et de confiance, ces qualités n'existent plus. La confiance dans votre œuvre d'art, peu importe ce que quelqu'un en pense, est essentielle au succès. Cela peut ressembler à une pause dans les médias sociaux, à vous donner du temps en dehors de vos amis photographes, voire à vous isoler de la photographie de temps en temps. Vous constaterez peut-être que l'une de ces techniques vous aidera à vous sentir plus autonome, plus créatif et plus inspiré pour sortir pour votre prochain séance photo. Après tout, ceux que vous avez comparés peuvent se sentir mutuels par rapport à votre talent, alors ne vous sentez jamais comme si vous n'aviez tout simplement pas ce qu'il faut. Vous avez toujours eu le pouvoir de créer avec courage.

HÜsnü SOYDAN Via Flickr

N'oubliez pas votre objectif

Il peut être facile d'oublier pourquoi vous faites ce que vous faites après un certain temps. Se souvenir de votre objectif en tant que photographe peut être un rafraîchissement rapide pour vous si vous avez l'impression d'avoir oublié. Croyez-moi, le brouillard des médias sociaux, la publicité, les grands noms et l'échec constant peuvent vous faire penser: «Pourquoi suis-je encore en train de faire ça»? Ce sont les moments où vous devez creuser profondément en vous-même pour faire ressortir vous qui sait pourquoi ils ont commencé cette carrière. Vous savez pourquoi vous avez pris l'appareil photo, un petit réveil pourrait parfois être nécessaire.

Natali Antonovich Via Flickr

N'arrêtez jamais de créer

Quoi que vous fassiez, n'arrêtez jamais de créer. Pour les photographes, cela signifie de ne jamais arrêter de prendre des photos, de cacher votre appareil photo, d'annuler les séances photo, d'abandonner! Les "blocs créatifs" sont acceptables parce que votre humain, mais ne le laissez pas se transformer en "perte créative". L'inspiration en vous ne disparaîtra jamais si vous continuez à pratiquer votre passion pour le tournage. Regardez-le de cette façon, il n'est pas nécessaire de se retirer de quelque chose qui vous rendait si heureux, car la photographie n'a jamais été un travail, c'était un mode de vie pour vous. Ici, la dernière manière abstraite de vous inspirer pour votre prochaine séance photo doit être la plus précieuse de toutes. Parce que celui qui ne cesse de créer ne cessera de changer le monde.

Cet article était basé sur mes connaissances, ainsi que sur «l'inspiration» de ces sites Web:

https://fstoppers.com/diy/how-get-inspired-photographer-214855